Les vélos de l’été sur le front de mer

Crédit Photo – Archives Personnelles – Pour agrandir, double clic gauche sur la photo

J’ai réalisé cette photo, hier, 14 juillet, à 12 h 13 (le soleil dans le dos : attention de ne pas mettre son ombre sur la photo) avant de déguster un jus d'orange bien frais, un régal avec la température élevée. Je commence à exploiter toutes les possibilités offertes par mon photophone.

Je l’ai faite avec mon Smartphone Motorola Edge 50 Pro en utilisant le mode photo et avec le 24 mm.

Cela m’a permis d’avoir un beau bokeh pour rendre flou l’arrière plan mettant ainsi en valeur les vélos en premier plan.

J’ai aussi pris les vélos en contre plongée. Pour cela, je me suis penché fortement pour mette mon Smartphone le plus près du sol que je pouvais (sans ma casser la figure, je n’ai plus 20 ans !). Avec le grand angle (24 mm) cela déforme les vélos avec des roues énormes, leur donnant plus de prestance et de puissance.

Cela transforme ainsi, des vélos touts bêtes, en vélos électriques ! Non, je plaisante.

Voili Voilou tout ce je peux dire sur cette photo.

Et c’est déjà pas si mal !

Petit bémol : 

L’arrière plan n’est pas horizontal. Eh oui je ne sais pas encore me servir correctement de mon bidule. Je ne me suis pas servi des outils de niveau (horizon artificiel et bulle à niveau).

L’essentiel né du superflu

Les Beatles et l’EMI CT Brain Scanner 

 

L’histoire des découvertes démontrent, s’il en était besoin, que parfois l’essentiel vient du superflu. En effet, certaines des plus grandes innovations de l’histoire sont nées de hasards ou de passions en apparence inutiles.

1°) Le scanner grâce aux Beatles :

Le Scanner doit sa trouvaille à l’argent rapporté à l’entreprise EMI (Electric and Musical Industries) par la vente des disques des Beatles.

Les revenus des ventes de disques des Beatles ont donc permis à EMI de financer la recherche scientifique de Sir Godfrey Hounsfield. Celui-ci, employé du laboratoire de recherche EMI, a ainsi pu développer, à partir de 1967, le premier prototype du scanner cérébral. Le premier scanner EMI fut installé en 1972 dans un hôpital spécialisé en neurochirurgie.

j'ai déjà écrit un article sur ce sujet : « La découverte du Scanner ou quand l'utile naît du superflu ».

2°) Les écrans tactiles, grâce aux tablettes graphiques et… aux artistes :

Les premiers écrans tactiles ont été développés dans les années 1960 pour des tablettes graphiques destinées aux artistes et designers. La technologie a ensuite été adaptée pour les bornes interactives, puis les smartphones et tablettes. Aujourd’hui, elle est une interface omniprésente, des téléphones aux caisses enregistreuses.

3°) L’intelligence Artificielle et les cartes graphiques :

L’Intelligence Artificielle et en particulier le Deep Learning, doit sa grande capacité de calcul grâce à la puce des cartes graphiques appelées aussi GPU (Graphics Processing Unit). Et si les cartes graphiques ont évolué de façon phénoménale, c’est bien grâce… Aux gamers.

Originellement conçues pour accélérer le rendu graphique dans les jeux vidéo, ces puces ont rendu possible l’entraînement de réseaux de neurones profonds grâce à leur architecture optimisée pour le calcul parallèle massif, essentiel au traitement de grandes quantités de données nécessaires à l’IA moderne

Et dans un autre registre moins technologique.

4°) Le Lego® jouets en bois pour enfants :

Créé en 1932 par Ole Kirk Christiansen, un charpentier danois, eu l'idée de créer des jouets en bois pour enfants. En 1949, il a produit plus de 200 jouets en plastique et en bois, qui sont devenus les Lego. Les briques en plastique deviennent un outil pédagogique d’apprentissage de la construction, de la robotique, et même de la modélisation moléculaire en science.

A propos des arts mineurs, dans l’émission de télévision « Apostrophes » de Bernard Pivot du 26 décembre 1986, l'auteur-compositeur-interprète Serge Gainsbourg assène à Guy Béart, un autre chanteur, que la chanson est « un art mineur ». Comme quoi, on peut être un génie et dire… des sottises.

Voici cet échange culte entre Gainsbourg et Guy Béart sur les « arts mineurs ».

Culte: Le clash Serge Gainsbourg - Guy Béart - Archive INA

Conclusion :

Le scanner, les écrans tactiles, l’IA ou le Lego : toutes ces innovations sont nées de ce qu’on aurait pu qualifier de superflu. Il n’y a pas d’art mineur, ni de passion inutile.

 

Référence :

 - La découverte du Scanner ou quand l'utile naît du superflu

Recadrage photo : 4:3 vs 16:9, lequel choisir pour un fond d’écran ?

 

Aujourd’hui, je vous propose un petit jeu concernant une de mes activités favorites : la photo.

Voici une photo de saunier prise à l’île de Ré en août 2024 avec mon Smartphone de l’époque ASUS Zenphone Max Pro M1. Je l’ai recadrée en 16:9 à partir de l’original en 4:3 pour l’utiliser en fond d’écran.

Mais pourquoi recadrer ?

Pourquoi recadrer ? Parce que j’ai deux ordinateurs : l’un, ancien, avec un écran 4:3 (celui de mon ex-cabinet médical), et l’autre, récent, avec un écran 16:9. Pour utiliser mes vieilles photos en fond d’écran sur ce dernier, il m’a fallu les recadrer.

La petite minute culturelle :

« Un peu de culture ne nuit pas, cela évite de mourir idiot et… de passer pour un sot ».

En effet, les écrans modernes sont en 16:9 principalement parce que ce format est devenu le standard mondial pour la HD, la vidéo numérique et les contenus cinéma, tandis que les anciens écrans étaient en 4:3 parce qu’ils suivaient les contraintes techniques et les usages de la télévision et du film du XXᵉ siècle. 

Cela dit, maintenant, le petit jeu que je vous ai promis.

Le petit jeu :

La photo originale en 4:3 :

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Le premier recadrage en 16:9 :

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Le second recadrage en 16:9 :

Crédit Photo – Archives Personnelles - Pour agrandir, double clic gauche sur la photo

À vous de trancher. Quel est le meilleur des deux :

Le premier recadrage ou le second ?

Bon, je vous donne la réponse. C’est le second.

En effet dans le premier recadrage le simoussi* (dans la bas de la photo) est légèrement coupé au niveau de l’ételle. C’est donc le deuxième recadrage qui est meilleur.

Bravo, vous avez gagné !

 

*Le simoussi est le long râteau d’(environ 4,5 mètres) muni d’une ételle en bois, utilisé pour tirer le gros sel déposé au fond du bassin. L’ételle étant la planche en bois fixée au bout du simoussi qui permet au saunier de rassembler et pousser le gros sel au fond du marais salant.

À ne pas confondre avec La lousse qui est l’outil spécifique pour cueillir délicatement la fine pellicule de fleur de sel à la surface de l’eau. Elle est composée d’un long manche (2,5 à 3 mètres) et d’une planchette plate.

P. S. :

Il existe un outil de Windows 10/11 bien pratique pour cela c'est Photos. Autrement, vous pouvez aller sur des sites internets gratuits qui font très bien le job.

Cardère sauvage (Dipsacus fullonum) ou cabaret des oiseaux

Cardère sauvage – Crédit Photo – Archives personnelles – pour agrandir double clic gauche sur la photo

 

Un sujet qui m'est cher : la photographie. Dans un de mes «nombreux» disques durs, je viens de retrouver une photo que j’avais prise, il y a de cela fort longtemps*, sur le bord d’un chemin lors d’une balade en Charente-Maritime. Elle est, pour l’instant, en fond d’écran sur un de mes trois ordis.

Je viens juste de trouver le nom de cette jolie plante en utilisant mon copain Google Lens sur mon Ordi. J’utilise, aussi, fréquemment Google Lens sur mon Smartphone. C'est vraiment très pratique. Fini les applis de reconnaissances des plantes pour les Smartphones d'autant plus que Google Lens interprète tous les sujets.

Mais, après cette diversion, passons au sujet du jour : la Cardère sauvage.

La Cardère sauvage est une plante très commune en France et en Europe. On la rencontre surtout dans les lieux incultes, friches, Bords de chemins, des routes et des prairies eutrophes, mégaphorbiaies (zones humides).

La Cardère sauvage peut atteindre une taille de deux mètres et sa période de floraison va de juillet à septembre. Dans ma photo, on voit bien que la période de floraison est dépassée.

La cardère est un véritable spectacle avec sa haute taille et ses fruits aux apparences de chardons.

la Cardère sauvage (Dipsacus fullonum) aussi appelée « cabaret des oiseaux », ceci en raison de l'eau qui après la pluie reste le long de la tige, à la jointure des feuilles.

La cardère attire les pollinisateurs et nourrit les oiseaux avec ses graines.

La cardère sauvage possède des bractées piquantes recourbées en crochets, celles‑ci servaient historiquement à carder la laine (une technique permettant de démêler les fibres avant le filage).

Une superbe vidéo expliquant tout sur la Cardère, cabaret des oiseaux :

La cardère, cabaret des oiseaux - Le Chemin de la Nature

La cardère sauvage est donc une plante fascinante, à la fois utile et belle, qui mérite d’être mieux connue. Et si, lors de vos prochaines promenades, vous en apercevez une, pensez à moi… et à la petite histoire qui se cache derrière.

 

*J’ai pris cette photo avec mon Canon PowerShot SX100 IS le 06/09/2009 à 15 h 26 (merci le fichier EXIF). Rappelons qu’un fichier EXIF est un ensemble de métadonnées enregistrées automatiquement par un appareil photo dans une image, indiquant notamment la date, les réglages de prise de vue et parfois la position GPS. Confer mon article du 21/09/2025 : « Comment supprimer toutes les métadonnées EXIF des fichiers photos avec le logiciel ExifToolGUI Portable ».

Petite critique photographique :

Ce qui fait le charme de cette photo se résume en trois points : le cadrage (la cardère décentrée à droite), le contre-jour (les épines ont une aura lumineuse) et le flou du fond de l’image c'est ce que l'on appelle le bokeh (profondeur de champ réduite).

La pensée "profonde" :

Je suis toujours surpris par le nombre de ces "nouveaux" photographes qui prennent avec leurs Smartphones les clichés en mode portait (réseaux sociaux exigent, merci TokTok, Instagrain, snapchien, Pintereste...). La grande majorité de mes photos sont en paysages (d'où mes fonds d'écran); mes clichés en portrait sont rares et réservés à des circonstances bien particulières (un cadrage qui le nécessite). Pour la majorité des photographes "modernes", la photo n’est plus un art, mais un moyen de communication rapide.

Références :

 - Cardère

 - Cardère sauvage

 - Dipsacus

Perroquet amélioré, l’absinthe menthe

 

Tous les jeudis à 18 h, nous accompagnons, régulièrement, ma moitié et moi, ma fille au Conservatoire de la Grande Ville. En attendant sa sortie nous prenons l'apéro dans un bar. La dernière fois, derrière le serveur, mon regard fut attiré par une bouteille hors du commun : de l’absinthe. J’avais entendu parler de son retour en grâce. Une envie folle me prit d’en déguster un verre.

Mais au fait, l’absinthe qu’est ce que c’est ?

1°) L’absinthe, la fée verte :

L'absinthe, célèbre pour sa couleur verte intense et sa teneur élevée en alcool, est bien plus qu'un simple spiritueux. Cette boisson complexe, souvent surnommée "la Fée Verte", est entourée de mystères et de légendes depuis ses débuts. Appréciée au 19e siècle par les artistes et les intellectuels, elle est ensuite devenue l'objet de nombreux mythes, y compris des récits exagérés sur ses supposés effets hallucinogènes. 

L’absinthe est une eau-de-vie aromatique à base d’armoise (Artemisia absinthium), d’anis vert et de fenouil.

Devenue symbole de la Belle Époque, ce spiritueux fortement alcoolisé (entre 68° et 72°) connut une popularité fulgurante en France ; la région de Franche‑Comté comptait plus de cinquante distilleries au début du XXe siècle. Toutefois, des versions de mauvaise qualité et les discours alarmistes sur la thuyone, accusée d’effets hallucinogènes, menèrent à sa prohibition dans plusieurs pays : la Suisse en 1910, la France en 1915 et l’Europe continentale peu après. 

A partir des années 1990 elle connaît sa réhabilitation et fait sa réapparition dans les bars. En France elle est réhabilité en 2011.

L'absinthe est un spiritueux puissant, avec un taux d'alcool pouvant varier entre 45 % et 74 %. Ce degré élevé est dû à sa composition, qui nécessite une teneur importante en alcool pour extraire les huiles essentielles des plantes. Contrairement aux idées reçues, ce n'est pas la Thuyone, mais bien l'alcool qui explique la puissance et le danger de l'absinthe.

2°) L'histoire de l'absinthe :

Son usage remonte à l’Antiquité, notamment mentionnée dans le Papyrus Ebers (vers 1550 av. J.-C.) et utilisée par Pythagore et Hippocrate comme remède amer pour digestions difficiles et vers intestinaux.

Les origines de l'absinthe moderne remontent probablement à la fin du 18e siècle dans la région de Val-de-Travers, en Suisse, où elle était initialement utilisée comme remède. Selon la légende, l’invention de l’absinthe revient à une herboriste nommée Mère Henriod, qui aurait créé une première version de cette liqueur à des fins médicinales.

Elle utilise alors l’armoise, une plante déjà réputée pour ses propriétés stimulantes et digestives. À la fin du 18e siècle, la recette est reprise par un homme d'affaires, Henri-Louis Pernod, qui fonde la première distillerie commerciale d’absinthe à Pontarlier, en France. La boisson gagne rapidement en popularité et commence à être produite en grande quantité

La dégustation de l’absinthe se fait selon un cérémonial bien établis.

3°) Le cérémonial du service de l’absinthe :

Le cérémonial commence par verser l'absinthe jusqu'à la goutte, on place la cuiller sur le verre, puis le carré de sucre. Sous l'un des quatre becs de la fontaine placez le verre puis faire un goutte à goutte. Il est important de contrôler le débit sinon le verre risque d'être rempli d'eau avant que le sucre soit fondu. 

Des figures emblématiques comme Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Verlaine et Arthur Rimbaud consomment régulièrement de l'absinthe, y trouvant une source d'inspiration. L’absinthe est perçue comme un spiritueux poétique, capable de stimuler l’esprit créatif.

Edgard Degas en fit un tableau célèbre.

4°) Le tableau d’Edgard Degas : Dans un café (ou L'Absinthe):

Dans un café aussi intitulé L’Absinthe est une célèbre peinture d'Edgar Degas composée entre 1875 et 1876 à Paris et conservée au musée d'Orsay.

Cette scène de café est située dans le Café de la Nouvelle Athènes. Le portrait des deux personnages, dans lequel l'historienne de l'art Françoise Cachin voit des « épaves urbaines ».

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l'Absinthe - Karambolage – ARTE - Karambolage en français – ARTE

Maintenant que nous savons tout sur l’absinthe, je vais aborder la partie anecdotique de l’article.

5°) La façon dont me fut servie mon absinthe et l’absinthe menthe :

Ne sachant pas comment servir l’absinthe, il me fut servi un grand fond de verre d’absinthe pur. Très fort au goût. Cela nécessitait un grand apport d’eau.

Lors des grandes chaleurs (et nous somme particulièrement bien servis actuellement), j’ai pris l’habitude de prendre un perroquet (association Ricard/menthe) ce qui permet, pour lutter contre la déshydratation, de boire de l’eau agréablement. Comme le Ricard est anisé, le « perroquet - absinthe doit permettre d’avoir un breuvage plus doux. Ce que j'ai fait le jeudi suivant. Ma déduction était logique et le breuvage excellent.

La prochaine fois que vous prenez l’apéro dans un bar, essayez ce breuvage, vous penserez à moi et à toute son histoire. Mais, attention, à déguster avec modération.

 

Références :

 - Qu'est-ce que l'absinthe ?

 - Absinthe (spiritueux)

 - Comment l'absinthe est-elle traditionnellement servie ?

Toccata et Fugue en D mineur Jean-Sébastien Bach avec La harpe en verre de GlassDuo

 

Pas plus tard que ce matin, en regardant YouTube sur ma nouvelle télé connectée équipée de ma barre de son Hisense[1] (profitant pleinement de son caisson de basse), je suis tombé sur cette pépite de GlassDuo et de sa harpe en verre : Toccata et Fugue en D mineur Jean- Sébastien Bach.

1°) GlassDuo :

GlassDuo a été fondé par Anna et Arkadiusz Szafraniec. Il s'agit d’un groupe jouant d'un instrument de musique exceptionnel à partir de simples verres à vin appelée harpe en verre. Il en résulte une musique inédite, capable de surprendre l'auditeur.

Seul ensemble de harpe de verre en Pologne et de l'un des rares ensembles professionnels au monde. Ils donnent des concerts en solo et avec d'autres musiciens.

Ils ont joué avec des quatuors à cordes, divers ensembles de musique de chambre et même des orchestres symphoniques. Ils ont également réalisé de nombreux enregistrements pour la radio, la télévision et le théâtre.

Les concerts de GlassDuo sont toujours l'occasion de découvrir des sonorités inhabituelles, des compositions originales et, surtout, de ressentir la présence des artistes eux-mêmes, qui poursuivent leurs rêves et leurs passions de manière si peu conventionnelle.

La musique de verre de GlassDuo résonne aussi bien dans une salle de concert classique que dans des espaces industriels, des églises ou les ruines d'anciens châteaux ou palais. Elle est tout aussi merveilleuse dans les intérieurs modernes où, grâce à l'amplification, elle offre une sonorité bien plus ample qu'on ne l'attendrait d'un instrument aussi délicat.

2°) La harpe en verre (Glass harp) :

Une harpe en verre (aussi appelée lunettes de musique, lunettes chantantes, orgue angélique, verillon ou violon fantôme) est un instrument de musique fait de verres à vin droits. Elle vient des Vérillons faisant partie de la famille des idiophones[2] frottés. Il est composé de plusieurs verres musicaux, généralement des verres à vin, disposés sur une table, et accordés par remplissage avec différentes quantités d'eau pour produire différentes notes. 

Il est joué en courant des doigts humidifiés autour du rebord des lunettes. Chaque verre est accordé à un pas différent en remplissant le verre d'eau jusqu'à ce que le pas souhaité soit atteint.
Les lunettes de musique ont été documentées en Perse au 14ème siècle. La harpe de verre a été créée en 1741 par l'Irlandais Richard Pockrich, qui est connu comme le premier virtuose des lunettes musicales. Pockrich a appelé son instrument "l'orgue angélique" et il a été joué avec des bâtons, plutôt qu'en frottant les lunettes avec un doigt humidifié. Il a été rapporté en 1760 que, "Pockrich a joué Handel's Water Music sur les lunettes." Sa carrière de concert réussie a été mise fin prématurément par un incendie dans lequel l'inventeur et l'instrument ont péri en 1759.

Venons-en maintenant à l’interprétation de la « Toccata et fugue » par GlassDuo et sa harpe en verre. Un son inimitable.

3°) Toccata et Fugue en D mineur avec La harpe en verre de GlassDuo :

J. S. Bach - Toccata and Fugue in D minor on the glass harp - GlassDuo - Glass Harp

Pour bien vous montrer la qualité et la justesse d’interprétation, en voici une autre de la « Toccata et Fugue » interprétée à l’orgue :

J.S. Bach -Toccata & Fugue in D-minor BWV 565 - Stephanuskerk Hasselt - Gert van Hoef

4°) Conclusion :

L’interprétation de la Toccata et Fugue en D mineur de Bach par GlassDuo, avec leur harpe en verre, transforme une œuvre classique en une expérience sonore magique et inédite. Leur maîtrise de cet instrument rare, alliant tradition et innovation, prouve que la musique peut se réinventer sans perdre son âme.

 

[1] J’en parle dans mon article du 05/05/2026 : « Mon nouveau joujou : Barre de son Hisense 2.1CH 240 W H210 avec caisson de basse sans fil »

[2] Un idiophone, ou autophone, est un instrument de musique de la famille des percussions dont le son est produit par le matériau de l'instrument lui-même, lors d'un impact produit soit par un accessoire extérieur (comme une baguette), soit par une autre partie de l'instrument (comme des graines sur un filet qui l'entoure ou des battants de cloche). 

P. S. :

Il ne faut pas confondre la harpe en verre avec l’Harmonica de verre instrument de musique perfectionné par Benjamin Franklin en 1761 à partir des verres musicaux, les vérillons préexistants. Franklin avait nommé l'instrument armonica à partir de l'italien[5] (avant l'invention de l'harmonica de bouche allemand). 

Références :

 - Glass Duo

 - Site Internet de GlassDuo ICI

 - Glass harp

 - Verrillon

 - Richard Pockrich

Le Studio Harcourt

 

Comme vous le savez, et si vous ne le savez pas, je vous l’apprends, un de mes dadas préféré est la photographie. Aujourd’hui Je vous propose une petite intrusion dans le monde de la photo de luxe : le mythique Studio Harcourt.

Depuis des décennies, le Studio Harcourt fait partie du mythe de la photographie à Paris, avec ses portraits élégants et intemporels.

1°) Le Studio Harcourt :

Studio Harcourt Paris (anciennement le studio Harcourt) est un studio photographique fondé en 1934 à Paris par la photographe Germaine Hirschfeld dite Cosette Harcourt, Robert Ricci et les frères Jacques et Jean Lacroix, particulièrement connu pour ses portraits en noir et blanc de vedettes de cinéma et de personnalités.

2°) Le style Harcourt :

Le style Harcourt se caractérise généralement par un plan rapproché du sujet plan taille cadré sur le buste ou gros plan sur le visage, ce qui implique un travail de retouches assez élaboré, sur le négatif comme sur l'épreuve, pour gommer les imperfections du portraituré et affiner le grain de la peau selon une esthétique extrêmement codée. Il reproduit l’éclairage de cinéma des années 30. Enfin,le post‑traitement (retouches) fait partie intégrante du style.

3°) Les Anonymes :

Les personnalités célèbres qui se font photographier dans le Studio Harcourt Paris ne payent pas la prestation. Si le cœur vous en dit, vous pouvez, moyennant finances, vous faire tirer le portrait dans le Studio Harcourt Paris pour une modique somme se situant entre 900 € et 1 900 € selon les formats et options choisis.

Harcourt : le mythique studio photo - France 3 Paris Ile-de-France

4°) Comment réaliser un portrait dans le style Harcourt :

S’il vous prend l’envie, vous pouvez vous lancer dans le « portrait Harcourt ». Voici quelques secrets dans cette vidéo. Un seul petit problème : le matos. Mais, vous pouvez vous en passer, en utilisant uniquement de simples sources lumineuses. Il en faut quatre : de face pour le visage, en hauteur derrière le sujet, derrière le sujet et, enfin, en éclairant le fond de côté sur les cheveux. Ce n’est pas facile, je vous souhaite bon courage.

Faire un portrait dans le style Harcourt – Light&Shoot

5°) Quelques exemples du tirage Harcourt :

 

Références :

 - Studio Harcourt

 - Site Internet du Studio Harcourt ICI

Dans la guerre des diapasons, le La 440 remporte la victoire

 

J’ai découvert cette bataille du "la" avec la professeure de flûte à bec de ma fille dans le département de musique ancienne du conservatoire de la grande Ville. Lors de certaines soirées elle nous distillait, parfois, des notions de musicologie. Je vais essayer d’aborder ce sujet peut-être un peu technique de la manière la plus simple et la plus claire possible. Cet article se veut illustrer mon aphorisme préféré : « Un peu de culture ne nuit pas, cela évite de mourir idiot et... de passer pour un sot ».

Mon article est basé en « très » grande partie du magistral : « Pourquoi le diapason donne-t-il le la 440 et pas 432 ».

La note qui sert à accorder tous les instruments n’a pas toujours été la même, et elle a même fait l’objet de débats passionnés. Nous verrons dans cet article comment le "la" standardisé à 440 Hz a triomphé dans le monde musical.

1°) Définition sommaire :

Le diapason (a’) est une fréquence qui se mesure en Hertz (Hz). Loin des calculs physiques, il suffit de savoir que le son est produit par des vibrations. Plus la fréquence-diapason est élevée, plus le son est aigu. Le diapason moderne représente la fréquence correspondant au “la 4” de la gamme.

2°) Pourquoi le diapason donne-t-il le la 440 et pas 432 :

Beaucoup de musiciens le savent : le "la" donné par les diapasons tombe sur la fréquence 440 Hertz.  Plus précisément, il s'agit du  "La 4" (le la de la 4e octave du piano). Lorsqu'on fait vibrer un diapason, il produit une fréquence précise de 440 Hz. Ceci nous permet d'accorder les instruments.

Cela correspond à l’ancienne tonalité que l’on entendait lorsqu’on décrochait un téléphone. A une époque, il pouvait faire office de diapason de secours.

3°) Que vient faire la fréquence 432 :

Pendant longtemps, le "la" n’avait pas toujours correspondu à la fréquence de 440. Jusqu’à une période relativement récente, il était, réglé sur 432.

Mais, autrefois, les orchestres baroques accordaient leurs instruments d’une façon différente, en se référant à un "la" bien défini par l’époque y trouvaient maints avantages.

4°) En fait, il existait beaucoup plus d’étalons de diapasons :

Première découverte : avant que le 440 ne s'impose, il existait en fait pléthore de fréquences de référence :

« Pour la musique du XVIe siècle, on utilise le la 466 Hz. Pour le baroque vénitien (du temps de Vivaldi), c’est déjà le la 440 Hz. Pour le baroque allemand (du temps de Telemann, de Jean-Sébastien Bach…), c’est le la 415 Hz. Pour le baroque français (Couperin, Marais, Charpentier…) on s’accorde sur le la 392 Hz ! Il existe différents diapasons comme le diapason Haendel, réglé sur 423 Hz, le diapason Mozart, 422 Hz, celui de l’opéra de Paris, dit Berlioz, 449 Hz, et celui des pianos Steinway aux USA, 457 Hz. ».

5°) Verdi et le "la" 423, première tentative de normalisation :

Historiquement, un des premiers européens à chercher à légiférer en la matière fut apparemment le compositeur italien Giuseppe Verdi.

En 1884, il obtient de la commission musicale du gouvernement italien un décret de loi normalisant le diapason à un "là" à 432 vibrations par seconde.

Ainsi, le la 432 n'est aucunement une "ancienne et unique façon d'accorder les instruments".  Mais tout simplement la première tentative de normalisation en la matière qui ait historiquement réussi à aboutir, puisque apparemment ce nouveau standard s'est répandu, notamment en France.

6°) La victoire du "la" 440 :

1939 : A Londres, la Fédération internationale des associations nationales de standardisation décide d’un diapason étalon étalonné à 440 Hz. Cette décision sera entérinée quelques années plus tard, lors d’une conférence internationale (toujours à Londres) en 1953. Les protestations des Italiens et des Français, attachés au la 432 Hz de Verdi, sont restées lettre morte. En 1975, le diapason la 440 Hz deviendra une norme ISO. Ceci imposera par la suite son utilisation dans tous les conservatoires de musique. Aujourd'hui la fréquence 440 Hz a donc gagné la bataille institutionnelle, s’érigeant aujourd'hui en standard international.

Cependant, dans le domaine de la musique ancienne, certains groupes baroques continuent de préférer le 415 Hz pour la sonorité particulière qu’il procure. En effet des hauteurs autour de 415 Hz sont cohérentes avec la pratique d’époque.

Aujourd’hui, le "la" 440 Hz est la norme mondiale, facilitant l’harmonisation des musiciens, tout en laissant à certains la place pour des pratiques alternatives selon les époques ou les préférences esthétiques. 

En vidéo, la victoire du 440 :

La guerre des diapasons - Culture Prime - France Musique

Le "la" 440 :

440 Hz (10 seconds of A – muckinaboot

Le "la" 440 et "la" de l’ancienne tonalité lorsqu’on décrochait un téléphone :

Simulation d'un appel avec un téléphone à cadran U43 - Daniel Bourgeois

 

Pour finir, les différences de sonorité de deux interprétations d'une même mélodie, l'une en 440 l'autre en 432.

Nathalie Baye meurt à 77 ans, emportée par la maladie à corps de Lewy - Le Parisien

La Maladie à Corps de Lewy :

Diagnostic de la maladie à Corps de Lewy - Prof. Claire Paquet - Fondation Vaincre Alzheimer

La disparition de Nathalie Baye prive le cinéma français d’une artiste majeure. Son parcours, la maladie à corps de Lewy qui l’a emportée et son engagement pour la fin de vie rappellent l’importance de mieux comprendre ces pathologies et les enjeux humains qui les entourent. Son œuvre et ses convictions continueront de marquer durablement.

 

Références :

 - Nathalie Baye

 - Mort de Nathalie Baye : Qu’est-ce que la maladie à corps de Lewy, dont est décédée l’actrice ?

 - La maladie à corps de Lewy

Coucher de terre - Artémis 2 - lundi 6 avril 2026

Coucher de Terre - Artémis 2 - lundi 6 avril 2026 - Nasa/AP/SIPA

Cet article met bien en valeur la citation de Napoléon Bonaparte : «Un bon croquis vaut mieux qu'un long discours».

En effet mon article se limite à la publication d'une seule image, mais pas n’importe quelle image, une photo de coucher de terre lors de la mission spatiale Artémis II[1] de la NASA montrant bien, par ailleurs, que la terre est bien ronde. N'en déplaise à certains qui croient que la terre est... plate[2].

Comme j'avais un peu honte d'un article si court, j'y ai rajouté une vidéo époustouflante.

Tout ce qui précède illustre bien mon aphorisme préféré :

« un peu de culture ne nuit pas, cela évite de mourir idiot et… de passer pour un sot ».

Mais après cette digression, revenons à mon article.

Vu sur une newsletter de 20 Minutes du 06/04/2026 : « Artémis 2: La Nasa publie la photo d’un magnifique coucher de Terre » cette magnifique photo de coucher de terre qui a été prise par l'équipage d'Artemis le lundi 6 avril 2026, alors qu'il volait autour de la Lune.

Les photos époustouflantes de la Lune et de la Terre par Artemis II - M6 Info

 

[1] Artemis II est la première mission habitée à retourner vers la Lune depuis 1972 : quatre astronautes font le tour de la lune pour préparer le retour de l’humanité sur sa surface, prévu avec Artemis III.

[2] En France, on estime que 9% des gens croient en la théorie de la terre plate. Plus alarmant, un récent sondage de 2023 par l’institut IFOP affirme que six jeunes sur dix estiment possible que la Terre soit plate ! La Flat Earth Society, organisation américaine fondée en 1956, structure cette idée et l’argumente en contrant bons nombres de faits établis par la NASA.

Références :

 - Artémis 2 : La Nasa publie la photo d’un magnifique coucher de Terre

 - « Un bon croquis vaut mieux qu'un long discours (Napoléon) » ou Comment parlent les images ?

 - Pourquoi tant de gens croient encore que la terre est plate ?

- Un Français sur 10 pense que la Terre est plate

Photos de surf – Manipulation d’Images - Recadrage – Tirage Couleur - Tirage Noir et Blanc

Photo Surf d’Origine - Crédit Photo Archives Personnelles - Triple clic gauche pour agrandir

Photo Surf Recadrée Couleur - Crédit Photo Archives Personnelles- Triple clic gauche pour agrandir

Photo Surf Recadrée Noir et Blanc - Crédit Photo Archives Personnelles- Triple clic gauche pour agrandir

 

Cela faisait longtemps que je n'avais publié de photos sur mon blog (un de mes hobbies favoris). C'est ce retard que je comble aujourd'hui.

 

La photo d’un « surfer » que j’ai prise avec mon smartphone Motorola Edge 50 Pro sur l’esplanade du front de mer de ma station balnéaire le samedi 25 octobre 2025 à 18 h 47*.

J’ai recadré cette photo et « tiré » (ou plutôt converti numériquement) la photo en noir et blanc.

Je trouve que la couleur met plus en évidence les nuages.

Et vous qu’en pensez-vous ?

 

*Merci les données EXIF :  Il s’agit d’un standard technique qui définit le format des métadonnées enregistrées automatiquement par votre appareil photo à chaque prise de vue. On y trouve : l’appareil utilisé, les réglages de prise de vue, la date, l’heure, parfois la position GPS, etc.

P. S. :

Pour mes autre article sur la photographie, c'est ICI.

Francis Picabia, un dingue d’automobile, sa Delage et Man Ray

Man Ray immortalise la Delage de Francis Picabia déformée par la vitesse

 

En me baladant sur mon grand ami YouTube, à partir d’un site sur kiki de Montparnasse[1] (La Reine de Montparnasse) je suis tombé, par accident, sur cette étrange photo de Man Ray mettant en scène la vitesse en déformant, je ne sais comment, la photo de la voiture. Une mise en scène de la vitesse parfaitement réussie.

Le site d’où est extraite cette photo est pour le moins surprenante, il s’agit de Caradisiac.

Surprenant, en effet, Caradisiac est un site web francophone leader en information automobile et moto.

Figure incontournable de la mouvance dadaïste[2], Francis Picabia ce personnage scandaleux à la fois peintre, dessinateur et écrivain français, était un dingue d’automobile. Ce qui n’était pas la moindre des manifestations de rébellion, déjà dans les années 1920.

Francis Picabia est particulièrement sensible aux machines et plus particulièrement à l’automobile. À titre personnel, il circule dans des pur-sang. À New York, il utilise une Mercer tandis qu’en Europe on le retrouve au volant d’une Delage.

Son ami, le photographe Man Ray (photographe majeur de l’avant-garde[3], acteur du dadaïsme à New York, puis du surréalisme[4] à Paris et ami des artistes de Montparnasse) a, d’ailleurs, capturé quelques clichés du peintre aux commandes de ses voitures les conduisant à grande vitesse.

Man Ray immortalise, par la photo de cet article, la Delage de Picabia déformée par la vitesse sur les routes de l’arrière-pays cannois en 1924. je ne sais pas comment Man ray a bien pu réussi cet "effet spécial" non pas cinématographique mais bien photographique.

Picabia : L'art et la machine - Byron Caplan

 

[1] Kiki de Montparnasse, de son vrai nom Alice Prin, est une figure emblématique des années folles à Paris, à la fois modèle, muse d’artistes, chanteuse de cabaret et peintre, surnommée la “reine de Montparnasse”.

[2] Le mouvement dada, aussi appelé dadaïsme ou simplement dada, est un mouvement intellectuel, littéraire et artistique du début du XX^e siècle, qui se caractérise par une remise en cause de toutes les conventions et contraintes idéologiques, esthétiques et politiques.

[3] L'avant-garde en art désigne les mouvements et artistes innovants qui repoussent les limites des conventions établies, expérimentent de nouvelles formes et techniques pour défier les normes esthétiques traditionnelles.

[4] Le surréalisme est un mouvement artistique et littéraire du XXe siècle, fondé par André Breton en 1924, qui vise à exprimer le fonctionnement réel de la pensée par l'automatisme psychique pur, en libérant l'inconscient, le rêve et l'imagination des contraintes de la raison, de la logique et de la morale.

 

Références :

 - Route de nuit - Francis Picabia : la première Art Car

 - Route de nuit - Francis Picabia: Dada et l’automobile

 - Francis Picabia

 - Caradisiac

Petite page musicale

 

Un peu de repos dans mes publications, une petite page musicale : un pur moment de bonheur

 

Sting interprétant, en plein air, et en toute simplicité, je dirai presque au débotté, «Englishman in New York».

Un régal. On en prend plein les oreilles !

A regarder plein écran !

Sting - Englishman in New York - Franz Fruci Flor

L’écureuil gris de la Tower of London, ou la notion d'espèce protégée

Crédit Photo – Archives Personnelles – Pour agrandir la photo, double clic gauche dessus

 

Cet article beaucoup plus abordable que le précédent qui, il faut bien le dire était une sorte de pensum. Cet article est plus abordable, certes, et pourrait paraître léger, mais il est plus sérieux qu‘il n’y paraît, car il concerne un sujet écologique majeur, une espèce protégée : l’écureuil roux. Cet article veut montrer les menaces que représentent les espèces invasives sur la biodiversité.

Lors de mon dernier grand voyage, ce fut Londres, en juillet dernier, mon regard fut attiré, lors de ma visite à la redoutable, par son histoire, Tour de Londres (Tower of London), par un écureuil gris en train de grignoter les restes laissés par un visiteur.

C’est a cette occasion que j’ai pu immortaliser cette scène dans mon Photophone Motorola Edge 50 Pro.

Quelle ne fut pas ma surprise de lire, concernant ce sujet, un article d’une newsletter du journal gratuit de 20 minutes en date du 30/11/2025 : « Écureuils urbains : comment ils ont conquis Londres, Tokyo et Montréal ».

Il faut noter, et c’est fondamental, que c’est d’un écureuil gris (Sciurus carolinensis) dont il s’agit, et non d'un écureuil roux (Sciurus vulgaris).

Il faut savoir, en effet, que l’écureuil gris est une espèce invasive et, comme il est dit judicieusement, dans l’article de 20 minutes : il a été « introduit au XIXᵉ siècle depuis l’Amérique du Nord » et il supplante l’écureuil roux « grâce à une reproduction plus rapide, une meilleure adaptabilité alimentaire et une résistance supérieure à certaines maladies ».

Il en est de même en France, où l’écureuil roux est devenu, de ce fait, une espèce protégée.

« Un peu de culture ne nuit pas, cela évite de mourir idiot et… De passer pour un sot ».

Mais, au fait, qu’est-ce que c’est qu’une espèce protégée ?

Une espèce protégée est une espèce (végétale, animal, fongique...) qui bénéficie d'un statut de protection légale pour des raisons d'intérêt scientifique ou de nécessité de préservation du patrimoine biologique. Il s'agit généralement d'espèce menacée.

Au titre du Code de l'environnement, une espèce protégée est une espèce qui est inscrite sur une liste établie par arrêté ministériel et qui fait l’objet de mesures de conservation définies par l’article L.411-1. L’article L.411-2 (alinéas 1 à 3) définit les conditions dans lesquelles sont fixées les listes des espèces animales et végétales, l’ampleur de la protection, sa durée, la partie du territoire concernée,…

Mais qui dit espèce protégée dit...

Espèce invasive :

Une espèce invasive est une espèce introduite dans un milieu naturel qui n'est pas son aire de répartition naturelle et qui a des impacts négatifs dans les domaines écologique, économique, sanitaire et les usages locaux.

Si, lors de vos vacances, il vous arrive de croiser un écureuil, regardez bien sa couleur et vous comprendrez, alors, l'utilité de mon article.

Une vidéo explicative :

Ces écureuils roux sont devenus très rares - National Geographic Animaux

 

P. S. :

Je parle de l’écureuil roux dans mon article, un autre article de photo, d’ailleurs, du 23/09/2025 : « Le nid d'un écureuil roux dans un pin maritime ».

Références :

 - Écureuils urbains : comment ils ont conquis Londres, Tokyo et Montréal

 - Écureuil gris

 - Écureuil roux

 - Espèce protégée

 - Les espèces protégées

- Les espèces invasives

- Écologie

- Biodiversité

- Le nid d'un écureuil roux dans un pin maritime

Jimmy Cliff (1944 - 2025) RIP

 

C’est avec tristesse que j’ai appris le décès, hier, le lundi 24 novembre 2025, de Jimmy Cliff, à l’âge de 81 ans.

James Chambers, dit Jimmy Cliff, est un acteur et auteur-compositeur-interprète jamaïcain de reggae et de pop né le 30 juillet 1944 dans le Somerton District de la paroisse de Saint James (Colonie de Jamaïque, Antilles britanniques).

Le 24 novembre 2025, son épouse annonce sur Instagram et Facebook la mort, à Kingston, de Jimmy Cliff, survenue des suites d’une crise convulsive due à une pneumonie.

Jimmy Cliff a joué un rôle fondateur dans la popularisation internationale du reggae, en fusionnant les sonorités jamaïcaines traditionnelles avec des mélodies pop et en incarnant la voix rebelle et spirituelle de la Jamaïque, ouvrant ainsi la voie à des artistes comme Bob Marley et à la reconnaissance mondiale du reggae.

Jimmy Cliff joua son propre rôle dans le film "The Harder They Come" qui fut le film fondateur du reggae au cinéma.

Quelques airs célèbres de Jimmy Cliff :

"Many Rivers to Cross" (1969), "The Harder They Come" écrite et enregistrée spécifiquement pour la bande originale du film The Harder They Come sorti en 1972. "Reggae Night" (1983), "I Can See Clearly Now" (reprise très connue par Jimmy Cliff en 1993 de la chanson de Johnny Nash sortie en 1972) appuyée commercialement par son utilisation dans la bande-son du film à succès Rasta Rockett, sorti en 1993.

Je parle, d’ailleurs, de la petite histoire de "I Can See Clearly Now" dans mon article du 06/07/2022 : «La petite histoire de la chanson "I Can See Clearly Now" : Johnny Nash, Jimmy Cliff et Rasta Rockett».

"I Can See Clearly Now" - Jimmy Cliff - "Rasta Rockett" - 1993

 

Références :

 - Jimmy Cliff

 - I Can See Clearly Now

- Rasta Rockett

 - La petite histoire de la chanson "I Can See Clearly Now" : Johnny Nash, Jimmy Cliff et Rasta Rockett

Luiza « Soleil Bleu » et ZAZ « On ira »

Après mon article précédant « un peu » abscons, pour souffler et s’aérer l’esprit, une page musicale.

Dans mon article du 06/11/2025 : « Soleil Bleu de Luiza et Bleu Soleil », je raconte ma découverte d’une nouvelle chanteuse : Luiza et de son nouveau tube : « Soleil Bleu ».

En écoutant Luiza et en visionnant la vidéo de sa chanson « Soleil Bleu », je me dis (parfois je me parle) :

 - « Tu ne crois pas que cela te rappelle quelque chose ? ».

 - « Si fait : « On ira » de ZAZ.

Ces deux chansons sont originales et, en aucun cas Luiza s’est inspiré de ZAZ.

Tout simplement on a une sonorité et une ambiance vidéo qui s’approchent tout simplement.

Et c’est charmant.

En effet, pour moi « Soleil Bleu » de Luiza et « On ira » de ZAZ partagent une ambiance ensoleillée, joyeuse, portée par des mélodies entraînantes, des rythmes légers (entre pop et variété française), et des clips colorés avec « dessins-animations » évoquant la liberté, la nature et l’évasion.

Ne trouvez-vous pas, vous aussi, qu’il y a une certaine analogie entre le « Soleil Bleu » de Luiza et le « On ira » de ZAZ.

Ouvrez vos oreilles et vos yeux :

Bleu Soleil & Luiza - Soleil Bleu – 2025 - Clip officiel

ZAZ - On ira – 2023 - Clip officiel

 

P. S. :

Pour Luiza : Son single “Soleil Bleu”, devenu un phénomène en France et à l’international, lui permet de s’imposer comme une voix prometteuse de la scène francophone. Son style musical est un mix d’électro-pop tropicale et de musiques du monde.

Pour Zaz : Chanteuse populaire à l’énergie communicative et à la voix singulière, elle s'est fait connaître par son style mêlant jazz, chanson française et musiques du monde.

Bollywood

Affiche du film « Dilwale Dulhania Le Jayenge » 

Je ne sais pourquoi ce mot Bollywood me revient maintenant.

Cela me replonge dans mon passé, où, soignant un couple aimant avec deux garçons, âgés de 8 et 10 ans à l'époque, dont la femme, d’origine indienne, développa un cancer du sein. Pour digérer le coup, comme me le disait son mari désemparé : « elle regarde Bollywood toute la journée ».

On ne prend pas suffisamment en compte l’utilité du divertissement, parfois qualifié d’art mineur, lors de la survenue de graves maladies.

Quelque temps plus tard, après ma retraite, quelle ne fut pas, à ma grande satisfaction, la voir sortir du grand marché central de la Grande Ville au bras de son mari ; heureusement le traitement avait bien marché. De nos jours, les cancers du sein, je dis bien les cancers du sein, sont bien cadrés.

« Un peu de culture ne nuis pas, cela évite de mourir idiot... Et de passer pour un sot ».

Mais qu’y a-t-il de caché derrière ce terme Bollywood ?

Bollywood n’est pas qu’un simple mot, mais bien un phénomène culturel et social.

Il ne faut pas confondre Bollywood et Hollywood.

Bollywood, contraction de Hollywood et de la lettre B de Bombay (Mumbai en Inde, depuis 1995), constitue un phénomène relativement récent, le mot ayant été lancé par un journaliste indien dans les années 1970.

Le cinéma hindi, parfois surnommé Bollywood[1] et anciennement cinéma de Bombay (Bombay cinéma, désigne l'industrie du cinéma indien basée à Bombay, dont les films sont réalisés en hindi. Elle est l'industrie régionale la plus importante du cinéma indien en nombre de films réalisés. Ceux-ci, diffusés dans la majeure partie de l'Inde, s'exportent dans le monde entier, notamment en Asie du Sud-Est, en Afrique du Nord et au Moyen-Orient.

Bollywood se distingue par son mélange flamboyant de mélodrame, de chansons et de danses spectaculaires, souvent en toile de fond de récits centrés sur l’amour, la famille et les tensions entre tradition et modernité. Son esthétique haute en couleurs et son rôle social, à la fois miroir et acteur des transformations de l’Inde, en font un phénomène culturel majeur, aussi bien en Inde que dans la diaspora, où il véhicule valeurs, rêves et identités.

D’après mon IA Perplexity :

« Le film Bollywood le plus célèbre est « Dilwale Dulhania Le Jayenge » (1995)[2]. Ce film, réalisé par Aditya Chopra, avec Shah Rukh Khan et Kajol, est reconnu pour son succès phénoménal en Inde et à l'international, sa longévité exceptionnelle dans les salles de cinéma (projeté sans interruption pendant plus de 23 ans), ses scènes cultes et son impact durable sur la culture populaire indienne. ».

« Dilwale Dulhania Le Jayenge » raconte l'histoire de Raj et Simran, deux jeunes Indiens vivant en Europe, qui tombent amoureux lors d'un voyage, mais doivent surmonter les obstacles familiaux traditionnels quand Simran est promise à un autre en Inde, Raj tentant alors de conquérir sa famille pour pouvoir l'épouser avec leur bénédiction.​

Le trailer (la bande-annonce, restons Français !) du film :

Dilwale Dulhania Le Jayenge - Trailer

Et en bonus, « Mehndi Laga Ke Rakhna » la célèbre chanson indienne issue du film.

Dilwale Dulhania Le Jayenge - Mehndi Laga Ke Rakhna - Full Song

 

[1] Il existe d'autre cinémas indiens autres que Bollywood comme Tollywood, Kollywood...

[2] D'autres classiques souvent cités comme parmi les plus célèbres incluent : Sholay (1975), Devdas (2002), 3 Idiots (2009)...

Références :

 - Bollywood 

 - Cinéma hindi

 - Cite-moi le film bollywood le plus célèbre

- Les films Bollywood les plus populaires

 - Dilwale Dulhania Le Jayenge

 - Mehndi Laga Ke Rakhna

A vendre cause décès - Une photo digne de Sherlock Holmes

Crédit Photo – Archives Personnelles (Pour agrandir, double clic gauche sur la photographie)

 

Pour être un bon médecin, ce que j’étais dans une autre vie, il faut avoir, comme de Sherlock Holmes, un sens aigu de l’observation.

L’observation des signes cliniques et para cliniques (biologie, imagerie) s’appelle la sémiologie (ou séméiologie) .

Pour être un bon photographe, outre le fait de maîtriser la technique, il faut savoir, aussi, être observateur.

Le photographe, de nos jours, a un avantage indéniable avec l’utilisation de bons photophones. Le mien, un Motorola Edge 50 Pro, me permet d’avoir, toujours sur moi, un appareil photo de très bonne qualité.

Faut-il, encore, le déclencher à bon escient.

Que peut-on remarquer dans ma photographie (recadrée) :

 - En haut à droite de celle-ci, un panneau A Vendre d’une agence immobilière.

 - En bas à gauche, au-dessus des marches…

Une poignée permettant la montée d’une personne d’un certain âge handicapée.

Conclusion de l’observation :

Il y a de fortes chances que cette maison soit à vendre car son (ou sa) propriétaire est décédé(e) (ou mis en EHPAD).

Et voila pourquoi votre fille est muette. 

« Un peu de culture ne nuis pas, cela évite de mourir idiot.. Et de passer pour un sot ».

Sir Arthur Conan Doyle, avant de devenir écrivain, était médecin. Cela lui permis de décrire le sens aigu de l’observation de son héros Sherlock Holmes en se servant de ce qu’il avait appris sur les bancs de la faculté, mais aussi, et surtout, de ses compétences de clinicien.

Sherlock Holmes incarne un modèle de rigueur scientifique et d'observation précise, ce qui, à mon avis, a inspiré la police scientifique moderne.

Pour l’anecdote, tout le monde se souvient de son addiction à l’opium et sa piètre maîtrise du violon.

Petite biographie médicale succincte fournie gracieusement par mon ami Wikipédia :

« Alors qu'il est en 3e année de médecine, il s'embarque comme officier de santé à bord du navire baleinier Hope, pour une campagne de chasse au phoque et à la baleine qui durera jusqu'au 11 août 1881...

Après son diplôme de bachelier en médecine et de maître en chirurgie obtenu le 22 octobre 1881, l'autorisant à un exercice limité de la médecine générale, il sert quatre mois comme médecin de bord du bateau à vapeur à passagers SS Mayumba effectuant un voyage sur la côte d'Afrique de l'Ouest….

Il obtient son doctorat en 1885 avec une thèse consacrée au tabes dorsalis, une manifestation fréquente à l'époque des complications nerveuses tardives de la syphilis...

En 1900, il part servir en tant que médecin dans un hôpital de campagne à Bloemfontein lors de la seconde guerre des Boers... ».

À vendre ! - Fait maison – CleAP

 

Référence :

- Sherlock Holmes

 - Arthur Conan Doyle

De l’intérêt du noir et blanc et du sépia en photographie

 

Cela faisait longtemps que je n’avais abordé un sujet qui fait partie de mes passions : la photographie.

Aujourd’hui, je vais vous parler du noir et blanc en photographie et du sépia[2].

Je soumets à votre sagacité - https://www.linternaute.fr/dictionnaire/fr/definition/sagacite/ - trois types de photos prises il y a de cela fort longtemps (plus précisément le 12 avril 2008 à 11 h 12 mn et 35 s. C’est précis grâce au fichier EXIF sur le front de mer de Soulac-sur-mer.

La première en couleur :

réalisée par mon vieil Canon PowerShot SX100 IS (délaissé depuis peu par mon Smartphone Motorola Edge 50 Pro).

Pour agrandir, double clic gauche sur la photographie

La deuxième en noir et blanc :

Réalisée avec le logiciel IrfanView.

Pour agrandir, double clic gauche sur la photographie

La troisième en sépia :

Réalisée grâce au logiciel PhotoFiltre Freeware Portable.

Pour agrandir, double clic gauche sur la photographie

Interprétation des photos :

Celle en couleur sert, bien évidemment, de base. C’est une photo de vacances classique mais banale pour moi.

La deuxième travaillée en noir et blanc est ma préférée, car elle s’adapte tout particulièrement au graphisme de la photo, mettant en évidence les courbes géométriques photographiées.

La troisième, pour le fun donne un aspect vintage des vieilles photos d’antan.

De la photo couleur à la photo noir et blanc - Jean-Baptiste Rabouan photographe

What is Sepia? The Vintage Toning Effect in Art & Photography - Seed Gallery
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[1] Je parle des fichiers EXIF dans mon article du 21/09/2025 : « Comment supprimer toutes les métadonnées EXIF des fichiers photos avec le logiciel ExifToolGUI Portable ». 

[2] La photographie sépia est une technique ancienne qui remonte au XIXème siècle, caractérisée par ses teintes chaudes et brunes. Ce style distinctif est obtenu en utilisant un toner de sépia dérivé de l'encre de seiche, ce qui confère aux images un aspect nostalgique et intemporel.

Utilisée initialement pour prolonger la durée de vie des photographies, la photo sépia est devenue une méthode artistique populaire, évoquant des sentiments de nostalgie et d'élégance. Aujourd'hui, bien que les technologies numériques aient évolué, la photographie sépia reste prisée pour sa capacité à ajouter une profondeur émotionnelle et une touche vintage aux images contemporaines.

Petite minute culturelle :

« Un peu de culture ne nuis pas, cela évite de mourir idiot… Et de passer pour un sot ».

Le terme sépia (qui désigne l'encre de seiche) vient de « la sépia » (le nom « sépia » provenant du mot sepia, qui désigne lui-même la seiche en latin et en grec ; d’ailleurs, le mot supion dérive de sepia). C’est un liquide sécrété par certains céphalopodes tels que seiches et calmars dans un organe appelé poche du noir. Cette poche comprend deux parties, l'une, glandulaire, produisant un pigment, la mélanine, l'autre servant de réservoir à ce pigment noir qui, mélangé au mucus, forme l'encre. Les céphalopodes expulsent cette encre à volonté en nuage compact pour désemparer leur agresseur et masquer une manœuvre de fuite. Ce nuage semble dessiner la forme de l'animal et peut persister 10 minutes.

Mais il faut savoir que le virage sépia avait, avant tout, une utilité. Outre l'ajout de la couleur à un tirage monochrome, le virage améliore souvent la stabilité de l'image et accentue les contrastes.

P. S. : J'ai déjà publié un article sur ce sujet : « Intérêt du Noir et Blanc en photographie, sans oublier... Celui de la couleur ». Bis repetita.

Références :

 - Faire grande impression avec la photographie sépia

 - Colorisation photographique (Techniques associées)