Coucher de terre - Artémis 2 - lundi 6 avril 2026

Coucher de Terre - Artémis 2 - lundi 6 avril 2026 - Nasa/AP/SIPA

Cet article met bien en valeur la citation de Napoléon Bonaparte : «Un bon croquis vaut mieux qu'un long discours».

En effet mon article se limite à la publication d'une seule image, mais pas n’importe quelle image, une photo de coucher de terre lors de la mission spatiale Artémis II[1] de la NASA montrant bien, par ailleurs, que la terre est bien ronde. N'en déplaise à certains qui croient que la terre est... plate*.

Comme j'avais un peu honte d'un article si court, j'y ai rajouté une vidéo époustouflante.

Tout ce qui précède illustre bien mon aphorisme préféré :

« un peu de culture ne nuit pas, cela évite de mourir idiot et… de passer pour un sot ».

Mais après cette digression, revenons à mon article.

Vu sur une newsletter de 20 Minutes du 06/04/2026 : « Artémis 2: La Nasa publie la photo d’un magnifique coucher de Terre » cette magnifique photo de coucher de terre qui a été prise par l'équipage d'Artemis le lundi 6 avril 2026, alors qu'il volait autour de la Lune.

Les photos époustouflantes de la Lune et de la Terre par Artemis II - M6 Info

 

[1] Artemis II est la première mission habitée à retourner vers la Lune depuis 1972 : quatre astronautes font le tour de la lune pour préparer le retour de l’humanité sur sa surface, prévu avec Artemis III.

[2] En France, on estime que 9% des gens croient en la théorie de la terre plate. Plus alarmant, un récent sondage de 2023 par l’institut IFOP affirme que six jeunes sur dix estiment possible que la Terre soit plate ! La Flat Earth Society, organisation américaine fondée en 1956, structure cette idée et l’argumente en contrant bons nombres de faits établis par la NASA.

Références :

 - Artémis 2 : La Nasa publie la photo d’un magnifique coucher de Terre

 - « Un bon croquis vaut mieux qu'un long discours (Napoléon) » ou Comment parlent les images ?

 - Pourquoi tant de gens croient encore que la terre est plate ?

- Un Français sur 10 pense que la Terre est plate

Photos de surf – Manipulation d’Images - Recadrage – Tirage Couleur - Tirage Noir et Blanc

Photo Surf d’Origine - Crédit Photo Archives Personnelles - Triple clic gauche pour agrandir

Photo Surf Recadrée Couleur - Crédit Photo Archives Personnelles- Triple clic gauche pour agrandir

Photo Surf Recadrée Noir et Blanc - Crédit Photo Archives Personnelles- Triple clic gauche pour agrandir

 

Cela faisait longtemps que je n'avais publié de photos sur mon blog (un de mes hobbies favoris). C'est ce retard que je comble aujourd'hui.

 

La photo d’un « surfer » que j’ai prise avec mon smartphone Motorola Edge 50 Pro sur l’esplanade du front de mer de ma station balnéaire le samedi 25 octobre 2025 à 18 h 47*.

J’ai recadré cette photo et « tiré » (ou plutôt converti numériquement) la photo en noir et blanc.

Je trouve que la couleur met plus en évidence les nuages.

Et vous qu’en pensez-vous ?

 

*Merci les données EXIF :  Il s’agit d’un standard technique qui définit le format des métadonnées enregistrées automatiquement par votre appareil photo à chaque prise de vue. On y trouve : l’appareil utilisé, les réglages de prise de vue, la date, l’heure, parfois la position GPS, etc.

P. S. :

Pour mes autre article sur la photographie, c'est ICI.

Francis Picabia, un dingue d’automobile, sa Delage et Man Ray

Man Ray immortalise la Delage de Francis Picabia déformée par la vitesse

 

En me baladant sur mon grand ami YouTube, à partir d’un site sur kiki de Montparnasse[1] (La Reine de Montparnasse) je suis tombé, par accident, sur cette étrange photo de Man Ray mettant en scène la vitesse en déformant, je ne sais comment, la photo de la voiture. Une mise en scène de la vitesse parfaitement réussie.

Le site d’où est extraite cette photo est pour le moins surprenante, il s’agit de Caradisiac.

Surprenant, en effet, Caradisiac est un site web francophone leader en information automobile et moto.

Figure incontournable de la mouvance dadaïste[2], Francis Picabia ce personnage scandaleux à la fois peintre, dessinateur et écrivain français, était un dingue d’automobile. Ce qui n’était pas la moindre des manifestations de rébellion, déjà dans les années 1920.

Francis Picabia est particulièrement sensible aux machines et plus particulièrement à l’automobile. À titre personnel, il circule dans des pur-sang. À New York, il utilise une Mercer tandis qu’en Europe on le retrouve au volant d’une Delage.

Son ami, le photographe Man Ray (photographe majeur de l’avant-garde[3], acteur du dadaïsme à New York, puis du surréalisme[4] à Paris et ami des artistes de Montparnasse) a, d’ailleurs, capturé quelques clichés du peintre aux commandes de ses voitures les conduisant à grande vitesse.

Man Ray immortalise, par la photo de cet article, la Delage de Picabia déformée par la vitesse sur les routes de l’arrière-pays cannois en 1924. je ne sais pas comment Man ray a bien pu réussi cet "effet spécial" non pas cinématographique mais bien photographique.

Picabia : L'art et la machine - Byron Caplan

 

[1] Kiki de Montparnasse, de son vrai nom Alice Prin, est une figure emblématique des années folles à Paris, à la fois modèle, muse d’artistes, chanteuse de cabaret et peintre, surnommée la “reine de Montparnasse”.

[2] Le mouvement dada, aussi appelé dadaïsme ou simplement dada, est un mouvement intellectuel, littéraire et artistique du début du XX^e siècle, qui se caractérise par une remise en cause de toutes les conventions et contraintes idéologiques, esthétiques et politiques.

[3] L'avant-garde en art désigne les mouvements et artistes innovants qui repoussent les limites des conventions établies, expérimentent de nouvelles formes et techniques pour défier les normes esthétiques traditionnelles.

[4] Le surréalisme est un mouvement artistique et littéraire du XXe siècle, fondé par André Breton en 1924, qui vise à exprimer le fonctionnement réel de la pensée par l'automatisme psychique pur, en libérant l'inconscient, le rêve et l'imagination des contraintes de la raison, de la logique et de la morale.

 

Références :

 - Route de nuit - Francis Picabia : la première Art Car

 - Route de nuit - Francis Picabia: Dada et l’automobile

 - Francis Picabia

 - Caradisiac

Petite page musicale

 

Un peu de repos dans mes publications, une petite page musicale : un pur moment de bonheur

 

Sting interprétant, en plein air, et en toute simplicité, je dirai presque au débotté, «Englishman in New York».

Un régal. On en prend plein les oreilles !

A regarder plein écran !

Sting - Englishman in New York - Franz Fruci Flor

L’écureuil gris de la Tower of London, ou la notion d'espèce protégée

Crédit Photo – Archives Personnelles – Pour agrandir la photo, double clic gauche dessus

 

Cet article beaucoup plus abordable que le précédent qui, il faut bien le dire était une sorte de pensum. Cet article est plus abordable, certes, et pourrait paraître léger, mais il est plus sérieux qu‘il n’y paraît, car il concerne un sujet écologique majeur, une espèce protégée : l’écureuil roux. Cet article veut montrer les menaces que représentent les espèces invasives sur la biodiversité.

Lors de mon dernier grand voyage, ce fut Londres, en juillet dernier, mon regard fut attiré, lors de ma visite à la redoutable, par son histoire, Tour de Londres (Tower of London), par un écureuil gris en train de grignoter les restes laissés par un visiteur.

C’est a cette occasion que j’ai pu immortaliser cette scène dans mon Photophone Motorola Edge 50 Pro.

Quelle ne fut pas ma surprise de lire, concernant ce sujet, un article d’une newsletter du journal gratuit de 20 minutes en date du 30/11/2025 : « Écureuils urbains : comment ils ont conquis Londres, Tokyo et Montréal ».

Il faut noter, et c’est fondamental, que c’est d’un écureuil gris (Sciurus carolinensis) dont il s’agit, et non d'un écureuil roux (Sciurus vulgaris).

Il faut savoir, en effet, que l’écureuil gris est une espèce invasive et, comme il est dit judicieusement, dans l’article de 20 minutes : il a été « introduit au XIXᵉ siècle depuis l’Amérique du Nord » et il supplante l’écureuil roux « grâce à une reproduction plus rapide, une meilleure adaptabilité alimentaire et une résistance supérieure à certaines maladies ».

Il en est de même en France, où l’écureuil roux est devenu, de ce fait, une espèce protégée.

« Un peu de culture ne nuit pas, cela évite de mourir idiot et… De passer pour un sot ».

Mais, au fait, qu’est-ce que c’est qu’une espèce protégée ?

Une espèce protégée est une espèce (végétale, animal, fongique...) qui bénéficie d'un statut de protection légale pour des raisons d'intérêt scientifique ou de nécessité de préservation du patrimoine biologique. Il s'agit généralement d'espèce menacée.

Au titre du Code de l'environnement, une espèce protégée est une espèce qui est inscrite sur une liste établie par arrêté ministériel et qui fait l’objet de mesures de conservation définies par l’article L.411-1. L’article L.411-2 (alinéas 1 à 3) définit les conditions dans lesquelles sont fixées les listes des espèces animales et végétales, l’ampleur de la protection, sa durée, la partie du territoire concernée,…

Mais qui dit espèce protégée dit...

Espèce invasive :

Une espèce invasive est une espèce introduite dans un milieu naturel qui n'est pas son aire de répartition naturelle et qui a des impacts négatifs dans les domaines écologique, économique, sanitaire et les usages locaux.

Si, lors de vos vacances, il vous arrive de croiser un écureuil, regardez bien sa couleur et vous comprendrez, alors, l'utilité de mon article.

Une vidéo explicative :

Ces écureuils roux sont devenus très rares - National Geographic Animaux

 

P. S. :

Je parle de l’écureuil roux dans mon article, un autre article de photo, d’ailleurs, du 23/09/2025 : « Le nid d'un écureuil roux dans un pin maritime ».

Références :

 - Écureuils urbains : comment ils ont conquis Londres, Tokyo et Montréal

 - Écureuil gris

 - Écureuil roux

 - Espèce protégée

 - Les espèces protégées

- Les espèces invasives

- Écologie

- Biodiversité

- Le nid d'un écureuil roux dans un pin maritime

Jimmy Cliff (1944 - 2025) RIP

 

C’est avec tristesse que j’ai appris le décès, hier, le lundi 24 novembre 2025, de Jimmy Cliff, à l’âge de 81 ans.

James Chambers, dit Jimmy Cliff, est un acteur et auteur-compositeur-interprète jamaïcain de reggae et de pop né le 30 juillet 1944 dans le Somerton District de la paroisse de Saint James (Colonie de Jamaïque, Antilles britanniques).

Le 24 novembre 2025, son épouse annonce sur Instagram et Facebook la mort, à Kingston, de Jimmy Cliff, survenue des suites d’une crise convulsive due à une pneumonie.

Jimmy Cliff a joué un rôle fondateur dans la popularisation internationale du reggae, en fusionnant les sonorités jamaïcaines traditionnelles avec des mélodies pop et en incarnant la voix rebelle et spirituelle de la Jamaïque, ouvrant ainsi la voie à des artistes comme Bob Marley et à la reconnaissance mondiale du reggae.

Jimmy Cliff joua son propre rôle dans le film "The Harder They Come" qui fut le film fondateur du reggae au cinéma.

Quelques airs célèbres de Jimmy Cliff :

"Many Rivers to Cross" (1969), "The Harder They Come" écrite et enregistrée spécifiquement pour la bande originale du film The Harder They Come sorti en 1972. "Reggae Night" (1983), "I Can See Clearly Now" (reprise très connue par Jimmy Cliff en 1993 de la chanson de Johnny Nash sortie en 1972) appuyée commercialement par son utilisation dans la bande-son du film à succès Rasta Rockett, sorti en 1993.

Je parle, d’ailleurs, de la petite histoire de "I Can See Clearly Now" dans mon article du 06/07/2022 : «La petite histoire de la chanson "I Can See Clearly Now" : Johnny Nash, Jimmy Cliff et Rasta Rockett».

"I Can See Clearly Now" - Jimmy Cliff - "Rasta Rockett" - 1993

 

Références :

 - Jimmy Cliff

 - I Can See Clearly Now

- Rasta Rockett

 - La petite histoire de la chanson "I Can See Clearly Now" : Johnny Nash, Jimmy Cliff et Rasta Rockett

Luiza « Soleil Bleu » et ZAZ « On ira »

Après mon article précédant « un peu » abscons, pour souffler et s’aérer l’esprit, une page musicale.

Dans mon article du 06/11/2025 : « Soleil Bleu de Luiza et Bleu Soleil », je raconte ma découverte d’une nouvelle chanteuse : Luiza et de son nouveau tube : « Soleil Bleu ».

En écoutant Luiza et en visionnant la vidéo de sa chanson « Soleil Bleu », je me dis (parfois je me parle) :

 - « Tu ne crois pas que cela te rappelle quelque chose ? ».

 - « Si fait : « On ira » de ZAZ.

Ces deux chansons sont originales et, en aucun cas Luiza s’est inspiré de ZAZ.

Tout simplement on a une sonorité et une ambiance vidéo qui s’approchent tout simplement.

Et c’est charmant.

En effet, pour moi « Soleil Bleu » de Luiza et « On ira » de ZAZ partagent une ambiance ensoleillée, joyeuse, portée par des mélodies entraînantes, des rythmes légers (entre pop et variété française), et des clips colorés avec « dessins-animations » évoquant la liberté, la nature et l’évasion.

Ne trouvez-vous pas, vous aussi, qu’il y a une certaine analogie entre le « Soleil Bleu » de Luiza et le « On ira » de ZAZ.

Ouvrez vos oreilles et vos yeux :

Bleu Soleil & Luiza - Soleil Bleu – 2025 - Clip officiel

ZAZ - On ira – 2023 - Clip officiel

 

P. S. :

Pour Luiza : Son single “Soleil Bleu”, devenu un phénomène en France et à l’international, lui permet de s’imposer comme une voix prometteuse de la scène francophone. Son style musical est un mix d’électro-pop tropicale et de musiques du monde.

Pour Zaz : Chanteuse populaire à l’énergie communicative et à la voix singulière, elle s'est fait connaître par son style mêlant jazz, chanson française et musiques du monde.

Bollywood

Affiche du film « Dilwale Dulhania Le Jayenge » 

Je ne sais pourquoi ce mot Bollywood me revient maintenant.

Cela me replonge dans mon passé, où, soignant un couple aimant avec deux garçons, âgés de 8 et 10 ans à l'époque, dont la femme, d’origine indienne, développa un cancer du sein. Pour digérer le coup, comme me le disait son mari désemparé : « elle regarde Bollywood toute la journée ».

On ne prend pas suffisamment en compte l’utilité du divertissement, parfois qualifié d’art mineur, lors de la survenue de graves maladies.

Quelque temps plus tard, après ma retraite, quelle ne fut pas, à ma grande satisfaction, la voir sortir du grand marché central de la Grande Ville au bras de son mari ; heureusement le traitement avait bien marché. De nos jours, les cancers du sein, je dis bien les cancers du sein, sont bien cadrés.

« Un peu de culture ne nuis pas, cela évite de mourir idiot... Et de passer pour un sot ».

Mais qu’y a-t-il de caché derrière ce terme Bollywood ?

Bollywood n’est pas qu’un simple mot, mais bien un phénomène culturel et social.

Il ne faut pas confondre Bollywood et Hollywood.

Bollywood, contraction de Hollywood et de la lettre B de Bombay (Mumbai en Inde, depuis 1995), constitue un phénomène relativement récent, le mot ayant été lancé par un journaliste indien dans les années 1970.

Le cinéma hindi, parfois surnommé Bollywood[1] et anciennement cinéma de Bombay (Bombay cinéma, désigne l'industrie du cinéma indien basée à Bombay, dont les films sont réalisés en hindi. Elle est l'industrie régionale la plus importante du cinéma indien en nombre de films réalisés. Ceux-ci, diffusés dans la majeure partie de l'Inde, s'exportent dans le monde entier, notamment en Asie du Sud-Est, en Afrique du Nord et au Moyen-Orient.

Bollywood se distingue par son mélange flamboyant de mélodrame, de chansons et de danses spectaculaires, souvent en toile de fond de récits centrés sur l’amour, la famille et les tensions entre tradition et modernité. Son esthétique haute en couleurs et son rôle social, à la fois miroir et acteur des transformations de l’Inde, en font un phénomène culturel majeur, aussi bien en Inde que dans la diaspora, où il véhicule valeurs, rêves et identités.

D’après mon IA Perplexity :

« Le film Bollywood le plus célèbre est « Dilwale Dulhania Le Jayenge » (1995)[2]. Ce film, réalisé par Aditya Chopra, avec Shah Rukh Khan et Kajol, est reconnu pour son succès phénoménal en Inde et à l'international, sa longévité exceptionnelle dans les salles de cinéma (projeté sans interruption pendant plus de 23 ans), ses scènes cultes et son impact durable sur la culture populaire indienne. ».

« Dilwale Dulhania Le Jayenge » raconte l'histoire de Raj et Simran, deux jeunes Indiens vivant en Europe, qui tombent amoureux lors d'un voyage, mais doivent surmonter les obstacles familiaux traditionnels quand Simran est promise à un autre en Inde, Raj tentant alors de conquérir sa famille pour pouvoir l'épouser avec leur bénédiction.​

Le trailer (la bande-annonce, restons Français !) du film :

Dilwale Dulhania Le Jayenge - Trailer

Et en bonus, « Mehndi Laga Ke Rakhna » la célèbre chanson indienne issue du film.

Dilwale Dulhania Le Jayenge - Mehndi Laga Ke Rakhna - Full Song

 

[1] Il existe d'autre cinémas indiens autres que Bollywood comme Tollywood, Kollywood...

[2] D'autres classiques souvent cités comme parmi les plus célèbres incluent : Sholay (1975), Devdas (2002), 3 Idiots (2009)...

Références :

 - Bollywood 

 - Cinéma hindi

 - Cite-moi le film bollywood le plus célèbre

- Les films Bollywood les plus populaires

 - Dilwale Dulhania Le Jayenge

 - Mehndi Laga Ke Rakhna

A vendre cause décès - Une photo digne de Sherlock Holmes

Crédit Photo – Archives Personnelles (Pour agrandir, double clic gauche sur la photographie)

 

Pour être un bon médecin, ce que j’étais dans une autre vie, il faut avoir, comme de Sherlock Holmes, un sens aigu de l’observation.

L’observation des signes cliniques et para cliniques (biologie, imagerie) s’appelle la sémiologie (ou séméiologie) .

Pour être un bon photographe, outre le fait de maîtriser la technique, il faut savoir, aussi, être observateur.

Le photographe, de nos jours, a un avantage indéniable avec l’utilisation de bons photophones. Le mien, un Motorola Edge 50 Pro, me permet d’avoir, toujours sur moi, un appareil photo de très bonne qualité.

Faut-il, encore, le déclencher à bon escient.

Que peut-on remarquer dans ma photographie (recadrée) :

 - En haut à droite de celle-ci, un panneau A Vendre d’une agence immobilière.

 - En bas à gauche, au-dessus des marches…

Une poignée permettant la montée d’une personne d’un certain âge handicapée.

Conclusion de l’observation :

Il y a de fortes chances que cette maison soit à vendre car son (ou sa) propriétaire est décédé(e) (ou mis en EHPAD).

Et voila pourquoi votre fille est muette. 

« Un peu de culture ne nuis pas, cela évite de mourir idiot.. Et de passer pour un sot ».

Sir Arthur Conan Doyle, avant de devenir écrivain, était médecin. Cela lui permis de décrire le sens aigu de l’observation de son héros Sherlock Holmes en se servant de ce qu’il avait appris sur les bancs de la faculté, mais aussi, et surtout, de ses compétences de clinicien.

Sherlock Holmes incarne un modèle de rigueur scientifique et d'observation précise, ce qui, à mon avis, a inspiré la police scientifique moderne.

Pour l’anecdote, tout le monde se souvient de son addiction à l’opium et sa piètre maîtrise du violon.

Petite biographie médicale succincte fournie gracieusement par mon ami Wikipédia :

« Alors qu'il est en 3e année de médecine, il s'embarque comme officier de santé à bord du navire baleinier Hope, pour une campagne de chasse au phoque et à la baleine qui durera jusqu'au 11 août 1881...

Après son diplôme de bachelier en médecine et de maître en chirurgie obtenu le 22 octobre 1881, l'autorisant à un exercice limité de la médecine générale, il sert quatre mois comme médecin de bord du bateau à vapeur à passagers SS Mayumba effectuant un voyage sur la côte d'Afrique de l'Ouest….

Il obtient son doctorat en 1885 avec une thèse consacrée au tabes dorsalis, une manifestation fréquente à l'époque des complications nerveuses tardives de la syphilis...

En 1900, il part servir en tant que médecin dans un hôpital de campagne à Bloemfontein lors de la seconde guerre des Boers... ».

À vendre ! - Fait maison – CleAP

 

Référence :

- Sherlock Holmes

 - Arthur Conan Doyle

De l’intérêt du noir et blanc et du sépia en photographie

 

Cela faisait longtemps que je n’avais abordé un sujet qui fait partie de mes passions : la photographie.

Aujourd’hui, je vais vous parler du noir et blanc en photographie et du sépia[2].

Je soumets à votre sagacité - https://www.linternaute.fr/dictionnaire/fr/definition/sagacite/ - trois types de photos prises il y a de cela fort longtemps (plus précisément le 12 avril 2008 à 11 h 12 mn et 35 s. C’est précis grâce au fichier EXIF sur le front de mer de Soulac-sur-mer.

La première en couleur :

réalisée par mon vieil Canon PowerShot SX100 IS (délaissé depuis peu par mon Smartphone Motorola Edge 50 Pro).

Pour agrandir, double clic gauche sur la photographie

La deuxième en noir et blanc :

Réalisée avec le logiciel IrfanView.

Pour agrandir, double clic gauche sur la photographie

La troisième en sépia :

Réalisée grâce au logiciel PhotoFiltre Freeware Portable.

Pour agrandir, double clic gauche sur la photographie

Interprétation des photos :

Celle en couleur sert, bien évidemment, de base. C’est une photo de vacances classique mais banale pour moi.

La deuxième travaillée en noir et blanc est ma préférée, car elle s’adapte tout particulièrement au graphisme de la photo, mettant en évidence les courbes géométriques photographiées.

La troisième, pour le fun donne un aspect vintage des vieilles photos d’antan.

De la photo couleur à la photo noir et blanc - Jean-Baptiste Rabouan photographe

What is Sepia? The Vintage Toning Effect in Art & Photography - Seed Gallery
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[1] Je parle des fichiers EXIF dans mon article du 21/09/2025 : « Comment supprimer toutes les métadonnées EXIF des fichiers photos avec le logiciel ExifToolGUI Portable ». 

[2] La photographie sépia est une technique ancienne qui remonte au XIXème siècle, caractérisée par ses teintes chaudes et brunes. Ce style distinctif est obtenu en utilisant un toner de sépia dérivé de l'encre de seiche, ce qui confère aux images un aspect nostalgique et intemporel.

Utilisée initialement pour prolonger la durée de vie des photographies, la photo sépia est devenue une méthode artistique populaire, évoquant des sentiments de nostalgie et d'élégance. Aujourd'hui, bien que les technologies numériques aient évolué, la photographie sépia reste prisée pour sa capacité à ajouter une profondeur émotionnelle et une touche vintage aux images contemporaines.

Petite minute culturelle :

« Un peu de culture ne nuis pas, cela évite de mourir idiot… Et de passer pour un sot ».

Le terme sépia (qui désigne l'encre de seiche) vient de « la sépia » (le nom « sépia » provenant du mot sepia, qui désigne lui-même la seiche en latin et en grec ; d’ailleurs, le mot supion dérive de sepia). C’est un liquide sécrété par certains céphalopodes tels que seiches et calmars dans un organe appelé poche du noir. Cette poche comprend deux parties, l'une, glandulaire, produisant un pigment, la mélanine, l'autre servant de réservoir à ce pigment noir qui, mélangé au mucus, forme l'encre. Les céphalopodes expulsent cette encre à volonté en nuage compact pour désemparer leur agresseur et masquer une manœuvre de fuite. Ce nuage semble dessiner la forme de l'animal et peut persister 10 minutes.

Mais il faut savoir que le virage sépia avait, avant tout, une utilité. Outre l'ajout de la couleur à un tirage monochrome, le virage améliore souvent la stabilité de l'image et accentue les contrastes.

P. S. : J'ai déjà publié un article sur ce sujet : « Intérêt du Noir et Blanc en photographie, sans oublier... Celui de la couleur ». Bis repetita.

Références :

 - Faire grande impression avec la photographie sépia

 - Colorisation photographique (Techniques associées)

Voyage à Londres - Deuxième jour – Camden - Sur les traces d’Amy Winehouse

 

Nombre de mots : ~1400
catégorie : Article de longueur moyenne à longue (de 1000 à 2000 mots)
Temps de lecture estimé : 6 à 7 minutes
Résumé : L’article propose une immersion dans le quartier alternatif et musical de Camden Town à Londres. Entre marchés animés, ambiance punk et street art, l’auteur mêle anecdotes personnelles et histoire culturelle, avec un fort attachement à Amy Winehouse, icône locale. Un portrait vivant d’un quartier incontournable.

 

Le deuxième jour de notre séjour, Solène, une de nos deux correspondants anglais de l’agence de voyage, nous fit découvrir Camden en nous baladant dans ce quartier underground de Londres.

Situé au nord de Londres, Camden Town est l’un des quartiers les plus emblématiques de la capitale britannique. Réputé pour son ambiance alternative, ses marchés animés, sa scène musicale mythique et sa culture punk, gothique ou encore rock.

Au cours de notre visite, nous avons croisé un punk au look très… Punk. Notre hôtesse nous révéla que, moyennant finance, il était possible de prendre un selfie avec lui.

La rue principale de Camden est riche en street art.

Il faut savoir qu’avant de devenir le secteur underground de Londres, Camden était une terre d'accueil pour les immigrés irlandais qui le jour travaillaient sur les chemins de fer et, le soir venu, se retrouvaient dans les pubs environnants. 

Pourquoi, Camden, pour une bonne et simple raison : Mon amour pour Amy Winehouse. 

Amy Winehouse vécut une grande partie de sa vie dans le quartier. Qui a travaillé et fait la fête dans un pub typique du coin. Il s’agit du Hawley’s pub.

Je fus conquis par cette visite qui dura de 10 h à 13 h, pardon de 10 h am à 1 h pm (c’est ainsi que les anglais manipulent le temps).

Crédit Photo – Archives Personnelles – Pour agrandir, double clic gauche sur la photo

Dans The Stables Market est érigé une statue d’Amy Winhouse. Ce mémorial rend hommage à cette artiste qui a marqué l’histoire du quartier, car elle y a vécu pendant de nombreuses années.

Mais pas que...

 - Dua Lipa : la pop star britannique a grandi à Camden.

 - Madness : groupe punk emblématique ayant joué fréquemment au Dublin Castle.

- Coldplay : Chris Martin et son groupe ont joué leurs premiers concerts à Camden, notamment au Dublin Castle.

 - Sex Pistols : groupe phare du mouvement punk, ils ont émergé sur la scène de Camden.

- Oasis : Oasis fait partie des groupes majeurs qui ont évolué dans les petites salles du quartier.

 - The Clash : leur premier album a été réalisé à Camden.

Sans oublier les lieux musicaux incontournables :

 - Roundhouse : salle mythique ayant accueilli des artistes comme Led Zeppelin, The Doors, Rolling Stones, Patti Smith et Amy Winehouse.

 - Dublin Castle : point de passage obligé pour Blur, Madness, Amy Winehouse.

OUF !!!

La visite se termina par un repas pris dans un pub, partagé avec notre hôtesse.

En bonus, j’ai décidé de vous passer deux airs d’Amy Winehouse, tous deux sortis, en single, de son album « Back to Black » :

Son incontournable « Back to Black »  : « Back to Black » s'inspire principalement de la relation tumultueuse de la chanteuse et de son ex-petit ami et futur mari Blake Fielder-Civil, qui l'a temporairement laissée pour retourner vers son ex-petite-amie. Leur séparation influence l'écriture de l'album et la musique d'Amy Winehouse, imprégnées de noirceur et qui explore désormais les thèmes de la culpabilité, du chagrin, de l'infidélité, du traumatisme et – surtout – de l'addiction. À la cérémonie des Grammy Awards 2008. « Back To Black » remporte le Grammy du meilleur album vocal et reçoit une nomination au Grammy de l'album de l'année.

Amy Winehouse - Back To Black - Vidéo Clip -  2006

« You Know I'm No Good » : La vidéo de « You Know I'm No Good » a été réalisée par Phil Griffin (qui a réalisé le vidéoclip de Rehab) et fera l'objet d'une émission sur le tournage du vidéoclip au Royaume-Uni. Dans cette vidéo, on retrouve Amy dans un bar avec des hommes, une chambre à coucher et un bain à bulles. La vidéo entraîne une controverse au Royaume-Uni et est censurée de la BBC, tandis que MTV la diffuse quand même. Finalement, le clip est peu diffusé.

Amy Winehouse - You Know I'm No Good - Vidéo Clip - 2006

Allez une dernière vidéo pour la route.

Une courte biographie de la vie d’Amy Winehouse. Une vidéo où tout est dit et bien fait en 6 minutes comme toutes les vidéos de la chaîne YouTube Brut.

Une vie : Amy Winehouse - Brut

 

Références :

 - Visiter Camden town en 9 activités coups de cœur

 - Camden Town, le quartier alternatif et punk de Londres

 - Camden, haut lieu de la pop anglaise 

 - Paroles et traduction de la chanson «Back To Black» par Amy Winehouse

 - Paroles et traduction de la chanson «You Know I'm No Good» par Amy Winehouse

Mes articles sur Amy Winehouse :

 - 02/01/2023 : Amy Winehouse, sa vie et Back to Black

 - 05/01/2023 : Quelques chansons remarquables d’Amy Winehouse

 - 16/01/2023 : Amy Winehouse : quelques airs de jazz

Dans la série « Mes articles en vidéo » : Pourquoi les chansons durent presque toutes 3 minutes ?

Pour agrandir : Double clic gauche sur l’image

 

Après la publication du travail que me demanda la publication de mon dernier article « Canicule : définition, conduite à tenir et gestion des médicaments », un véritable pensum qui, je l’espère, ne vous a pas trop rebuté, peut-être aurez-vous pu, au moins, en lire quelques passages. Je pense que les courtes vidéos vous auront conquis et vous auront permis d’avaler la pilule.

Cette vidéo rentre dans le cadre de mon aphorisme : « Un peu de culture ne nuit pas, cela évite de mourir idiot… Et de passer pour un sot ».

Dernièrement, j’ai découvert une chaîne YouTube qui vaut le détour.

Il s’agit de la chaîne YouTube de Frank Cotty.

Frank Cotty publie, sur sa chaîne YouTube, des vidéos instructives et de bon aloi de 3 à 10 minutes consacrées à la musique.

Et, maintenant, LA vidéo de Frank Cotty. Elle dure 3 minutes 03 secondes (le temps d'une chanson) :

POURQUOI les chansons à succès sont appelées des TUBES ? - Frank Cotty

La pédagogie Dalcroze

Émile Jaques-Dalcroze

1°) Émile Jaques-Dalcroze :

Émile Jaques-Dalcroze, né le 6 juillet 1865 à Vienne en Autriche et mort le 1er juillet 1950 à Genève en Suisse, est un musicien, compositeur, pédagogue et chansonnier suisse. Il est en particulier le créateur de la méthode qui porte son nom, la rythmique Jaques-Dalcroze.

2°) La pédagogie Dalcroze :

La pédagogie Dalcroze est une méthode d'éducation musicale qui met en relation les liens naturels entre le mouvement corporel et le mouvement musical conduisant au développement des facultés artistiques de celui ou celle qui la pratique. Les trois matières principales  sont : la Rythmique, le Solfège et l’Improvisation.

3°) Instituts Jaques-Dalcroze :

L'Institut Jaques-Dalcroze a été créé en 1915 à Genève par le compositeur et pédagogue suisse Émile Jaques-Dalcroze. Depuis, il n'a cessé d'être le centre international de la pédagogie active et artistique qui porte son nom et dont il est le garant par testament du fondateur ; il dispense en effet aux enfants, adultes amateurs et étudiants une formation musicale fondée sur la Rythmique Jaques-Dalcroze, méthode interactive qui met en relation les mouvements naturels du corps, les rythmes artistiques de la musique et les capacités d'imagination et de réflexion. En particulier, l'improvisation fait partie intégrante de son enseignement, à tous les niveaux. Il est notamment connu pour son enseignement de l'improvisation au piano.

En 2023, il existe un autre Institut Jaques-Dalcroze à Bruxelles et des écoles Jaques-Dalcroze dans plus de vingt pays dans le monde, en Europe comme aux États-Unis, au Canada, en Australie ou au Japon. Celle de Genève est la seule à délivrer le diplôme supérieur de la méthode Jaques-Dalcroze.

La pédagogie Dalcroze - Radio France

DALCROZE et la méthode rythmique

 

Références  :

 - La pédagogie Dalcroze

 - Émile Jaques-Dalcroze

 - Institut Jaques-Dalcroze (Genève)

Y’a du monde sous ma jupe: Chanson de Gigi Frisson

 

Pour changer de mes articles plus ou moins sérieux, un peu de fraîcheur avec une chanson légère, une chanson un peu coquine, pour nous faire oublier les vicissitudes de la société dans laquelle nous vivons. Un article léger, certes, mais avec, à la fin, une petite touche culturelle quand même.

Une chanson bien syncopée, pleine de joie de vivre et interprétée magistralement par une belle voix juvénile. Oui, une chanson Yéyé[1] gaie, comme on savait les faire dans les années 60.

C’est, aussi, un karaoké.

Reprenez, avec moi, tous en cœur[2] :

Gigi Frisson – Y’a du monde sous ma jupe – 1963 - Yéyé trop court pour la télé - Vinyles Interdits

 

P. S. :

« Un peu de culture ne nuit pas, cela évite de mourir idiot… et de passer pour un sot ».

Plus sérieusement, n’oublions pas que la minijupe a été créée et commercialisée, pour la première fois en 1962, par la styliste britannique Mary Quant dans sa boutique Bazaar à Londres.

[1] Le yéyé est un courant musical ayant émergé au début des années 1960. L'expression est utilisée en France et au Québec et vise à désigner, généralement, une musique ou une chanson adaptée d'un succès anglo-saxon, alors très prisée par la jeunesse baby boomer née après la Seconde Guerre mondiale. 

[2] Pour paraphraser la chanson d’Eddy Mitchel : « Pas de boogy woggie ».

Eddy Mitchell – Pas de boogie woogie -Live officiel - Olympia – 2004

 

Nota Bene :

Toutes les chansons de la chaîne YouTube «Vinyles Interdits», mélodie et vidéo, sont générées par IA.

En effet, sur cette Chaîne, il est dit clairement :

« La musique que personne n’ose presser... sauf l’iA. Plongés dans les recoins poussiéreux du subconscient collectif, nous ouvrons des failles dans l’espace-temps musical pour exhumer des morceaux venus d’univers parallèles trop osés, trop absurdes, trop beaux pour exister ici. Ici, les artistes n’ont pas de contrat. Les chansons n’ont pas de pudeur. Les vinyles craquent de plaisir… et de désobéissance. Chaque morceau est une fiction. Mais une fiction qui groove. Érotisme voilé, groove cosmique, poésie absurde, funk sale, ballades interdites et slows interdits aux âmes sensibles. Bienvenue dans Vinyles Interdits. Un endroit où la musique ne suit aucune règle sauf celle du désir. ».

En savoir plus

Références :

 - Yéyé

 - Mary Quant, la couturière qui inventa la minijupe

- Une chanson générée par l’intelligence artificielle suscite la polémique aux Grammys

Asturias (Léyenda)d'Isaac Albéniz, transcription pour Guitare, interprété par Paola Hermosín

Paola Hermosín

 

Lors de mes pérégrinations YouTubesque, je suis tombé, fortuitement, sur ce morceau de guitare interprété par une jeune guitariste, Paola Hermosín, qui, non content d’interpréter Asturias (Léyenda) d’Isaac Albeniz, nous donne "quelques" informations de musicologie sur cette pièce. Je vous recommande, plus particulièrement sa chaîne YouTube.

La petite intrusion culturelle :

"Un peu de culture ne nuit pas, cela évite de mourir idiot... Et de passer pour un sot".

Petite précision, et non des moindre, contrairement à ce que l’on pourrait penser, Isaac Albéniz n’a pas composé Asturias (Léyenda) pour la guitare, mais bien pour le piano. Ce qui nécessitera une transcription* pour la guitare. Cette transcription, pour la guitare, est l’oeuvre de Francisco Tárrega, et cette version est devenue plus populaire que l'original pour piano. En effet, la transcription pour guitare flamenca fait magnifiquement ressentir le chant et la mélodie de l'Espagne, ce qui a contribué à sa notoriété.

La Suite española, op. - 47, est une suite pour piano seul composée par Isaac Albéniz. Cette suite est majoritairement constituée d'œuvres composées en 1886 et rassemblées en 1887 en l'honneur de Marie-Christine d'Autriche, reine d'Espagne.

La suite est initialement constituée de quatre pièces : Granada, Cataluña, Sevilla et Cuba. L'éditeur Zozaya republie la Suite espagnole en 1901, en ajoutant Cádiz, Asturias, Aragón et Castilla.

Ces quatre pièces ajoutées ne reflètent pas exactement le style musical de la région qu'elles sont censées dépeindre. Par exemple, Asturias (Leyenda) utilise des rythmes flamenco d'Andalousie et non des rythmes de la région des Asturies.

Bonne écoute.

Asturias (Leyenda) - Isaac Albéniz – Paola Hermosín

 

*Ici, dans le sens de l'adaptation d'une composition écrite pour un instrument, une voix, un ensemble instrumental ou vocal, à un autre instrument ou ensemble musical.

P. S. : Je parle de Asturias (Léyenda) dans mon article du 21/04/2021 "Les Gratteux".

Références :

 - Suite espagnole

 - Isaac Albéniz

 - Paola Hermosín

 - Chaine YouTube Paola Hermosín - ICI

 - Paola HERMOSIN, professeur de guitare

Dans ma série « Mes articles en vidéo » : À quoi ressemblait la musique préhistorique ?

 

Cet article est une suite logique du précédent : « La petite histoire de « Lucy », l’australopithèque, et celle de « Lucy in the sky with diamond », la chanson des Beatles ». Il est à noter que Je dois cet article à l’efficacité des algorithmes de Google. En effet, tout naturellement, grâce à Gogol, me fut proposé, dans la foulée, cette vidéo : « À quoi ressemblait la musique préhistorique ? ».

LA vidéo.

À quoi ressemblait la musique préhistorique ?

 

Références :

 - Musique préhistorique

 - Comment les moteurs de recherche nous manipulent ?

La petite histoire de « Lucy », l’australopithèque, et celle de « Lucy in the sky with diamond », la chanson des Beatles

 

 

Aujourd’hui, un article culturel (« Un peu de culture ne nuit pas, cela évite de mourir idiot ») mélangeant sciences, en l’occurrence, la paléoanthropologie et l’art : la chanson.

 

1°) « Lucy In The Sky With Diamonds », la chanson des Beatles :

Tout le monde connait, ou devrait connaître, la chanson des Beatles « Lucy In The Sky With Diamonds », mais peu savent la petite histoire qui tourne autour.

La petite histoire de cette chanson :

Le fils de Lennon, Julian, a inspiré la chanson avec un dessin d'école maternelle qu'il a appelé « Lucy – dans le ciel avec des diamants ». Peu avant la sortie de l'album, des spéculations ont surgi selon lesquelles la première lettre de chacun des noms du titre épelait intentionnellement « LSD », l'acronyme couramment utilisé pour la drogue hallucinogène lysergic acid diethylamide. Lennon a nié à plusieurs reprises qu'il avait voulu que ce soit une chanson sur la drogue, et a attribué l'imagerie fantastique de la chanson à sa lecture du livre « Les Aventures d'Alice au pays des merveilles » de Lewis Carroll.

« Lucy In The Sky With Diamonds » a été reconnue comme une œuvre clé de la musique psychédélique.

The Beatles - Lucy In The Sky With Diamonds (Official Vidéo)

2°) La petite histoire de Lucy, l’australopithèque :

Si tout le monde connait, donc, l’air des Beatles, peu de gens connaissent Lucy, l’australopithèque.

Lucy est le surnom d'un spécimen fossile de l'espèce éteinte Australopithecus afarensis, dont le nom de catalogue est AL 288-1. Ce spécimen appartenant à la lignée humaine a été découvert en 1974 sur le site de Hadar, en Éthiopie, par une équipe de recherche internationale. Il date de 3,18 millions d'années.

Lucy a été découverte le 24 novembre 1974 à Hadar, sur les bords de la rivière Awash, dans le cadre de l'International Afar Research Expedition fondée par Maurice Taieb, un projet regroupant une trentaine de chercheurs éthiopiens, américains et français, codirigé par Donald Johanson (paléoanthropologue), Maurice Taieb (géologue), Claude Guillemot (artiste et paléontologue) et Yves Coppens (paléontologue).

Répertorié, donc, sous le nom de code AL 288-1, ce fossile a été surnommé Lucy parce que les chercheurs écoutaient la chanson des « Beatles Lucy in the Sky with Diamonds » le soir sous la tente, en répertoriant les ossements qu'ils avaient découverts. Il est appelé Dinqnesh (en amharique : ድንቅ ነሽ, dənəqə näšə) en amharique (Éthiopie), ce qui signifie « tu es merveilleuse ».

Une hypothèse cours comme quoi Lucy ne serait pas une femme mais... Lucien, un homme.

Le jour où Lucy a été découverte - Culture Prime

Comme quoi science et art peuvent être liés.

3°) Yves Coppens :

Yves Coppens était un paléontologue et paléoanthropologue. Son nom est attaché en France à la découverte, en 1974 en Éthiopie, du fossile d'Australopithèque surnommé Lucy, en tant que codirecteur de l'équipe qui l'a mis au jour, avec l'Américain Donald Johanson et le Français Maurice Taieb.

Yves Coppens - est décédé, d’une longue maladie, en 2022, à l’âge de 87 ans.

Mort à 87 ans du paléontologue Yves Coppens, le codécouvreur de Lucy • FRANCE 24

 

P. S. : Lucy est, aussi, un film de science-fiction multinational écrit et réalisé par Luc Besson, sorti en 2014.

Hommage, un peu tardif, à ce grand acteur qu’était Alain Delon

 

A mon retour de l’île de Ré où, comme je le dis dans mon dernier article « Vacances d’été 2024 : Ré, une île au bout du monde, pas de connexion internet », j’ai été coupé du monde pendant une semaine, j’ai appris la mort du Guépard, Alain Delon, le dimanche 18 août, à l’âge de 88ans, après une fin de vie difficile.

En guise d’hommage à ce grand acteur, j’ai trouvé cette vidéo remarquablement… Bien jouée. Dans l’auto dérision… On ne fait pas mieux.

Astérix aux jeux olympiques | Ave Moi (Alain Delon - César)

 

P. S. : j’ai visionné lundi 19 août « Mélodie en sous-sol », sur Arte d’Henri Verneuil avec Gabin et Delon. Je dois reconnaitre que Delon a un jeu d’acteur beaucoup plus moderne avec une gestuelle du visage réaliste et naturelle comparée à celle de Gabin qui, elle, est forcée et pas très naturelle. Gabin joue. Delon ne joue pas, il est, il vit. C’est le grand cinéaste Yves Allégret qui lui avait dit cela à ses débuts. Alain Delon disait qu'il n'était pas comédien, mais qu'il était acteur.

Références :

 - Que faisait Alain Delon quand il parlait de lui à la 3ᵉ personne ?

 - Astérix aux jeux olympiques

Une brève histoire de la photographie

Point de vue du Gras, à Saint-Loup-de-Varennes - Nicéphore Niépce – La première photographie

 

L’histoire de la photographie remonte à l’antiquité avec Aristote et sa chambre noire que l’on appellera, par la suite, camera obscura et qui donnera, plus tard, le sténopé.

La vraie histoire commence, en fait, avec l’invention de la photographie argentique.

 L’inventeur : Joseph Nicéphore Niépce (1765-1833) : c’est en 1816 que Niépce commence ses premières recherches héliographiques. En 1826-1827, il réalise, depuis sa fenêtre, le premier cliché photographique stable de l’histoire, intitulé « Point de vue du Gras, à Saint-Loup-de-Varennes ».

L’associé : Louis Jacques Mandé Daguerre (1787-1851) : Daguerre est tout d’abord peintre. Puis, devenu décorateur de théâtre, il met au point en 1822, en collaboration avec Charles Marie Bouton, le Diorama. Il s’agit de grandes toiles translucides animées par des éclairages leur donnant vie, générant une illusion de mouvement.Pour plus de réalisme, les deux associés utilisent une chambre noire pour projeter les images qu’ils reproduisent en grand format. Il invente le daguerréotype.

La photographie moderne : William Henry Fox Talbot (1800-1877) : En 1840, il découvre le calotype qui permet par le principe du négatif, de reproduire plusieurs fois la même vue par tirage contact. Il installe une feuille de papier enduite de chlorure d’argent dans sa chambre noire, obtient un négatif qu’il cire pour le rendre transparent. Ce dernier est ensuite placé sur une feuille imprégnée qui est exposée à la lumière du jour, créant ainsi une image positive. Cette technique sera la base de la photographie argentique moderne pendant un siècle et demi, et reste d’actualité.

La première photographie couleur à utiliser le procédé de James Clerk Maxwell fut prise par Thomas Sutton, en 1861, pour illustrer une conférence sur les couleurs donnée par Maxwell.

Le négatif : George Eastman (1854-1932) : Les premières épreuves photographiques étaient gravées sur plaques en verre, lourdes, encombrantes, difficiles à manipuler et fragiles. George Eastman est le premier en 1884 à mettre au point des négatifs souples : c’est la naissance du film celluloïd qui permet de stocker dans l’appareil plusieurs vues sur un même support.

Kodak :

En 1881, George Eastman fonde la société Kodak sous le nom de « Eastman Dry Plate Company ». Pour mémoriser facilement le nom de la société Eastman prend le K, initiale du nom de sa mère, ajoute le O et le A, présents dans toutes les langues, le D aurait été choisi au hasard.

En 1888, George Eastman commercialise le premier appareil photo Kodak qui embarque 100 vues sur papier négatif et doit être retourné au fabricant qui le renvoie chargé d’un rouleau vierge.

C’est le début de la photographie « grand public ».

Le slogan de la marque est éloquent : « Vous appuyez sur le bouton, nous faisons le reste ». A ce slogan, succèdera la formule célèbre « Clic-Clac, merci Kodak ».

En 1900 Kodac met ses Box au goût du jour avec les Brownies (1900-1967).

En 1898 Kodak sort un «folding pocket», un appareil qui, plié, tient dans une poche. L’appareil fait des photos de 57 x 82mm.

En 1935 Kodak élabore une pellicule de 35mm couleur inversible, c’est à dire donnant des diapositives projetables, elle s’appelle Kodachrome. Elle va avoir une carrière mondiale, qui pour l’Europe commence après la Deuxième Guerre Mondiale.

Mais le développement de la Kodachrome est complexe, et ne peut se faire que dans les laboratoires de la marque.

En 1946 Kodak lance l’Ektachrome, dont le développement peut être fait par n’importe quel laboratoire photographique. L’Ektachrome devint la pellicule pour les diapositives.

En 1948 Kodak remplace la cellulose, inflammable, par le triacétate.

Ou les Instamatics (1963-1966).

Mais Kodak n’occupe pas le créneau des reflex, ce qui va lui coûter cher.

Fuji :

La firme japonaise FUJIFILM est plus récente que Kodak. Elle date de 1934 et produit pour la photo (émulsions photographiques, pellicules, photographiques), mais, aussi, des boitiers, sous la marque FUJICA et des objectifs, sous la marque FUJINON.

FUJICA lance, en 1970, le ST 801,  boitier reflex à objectifs interchangeables vissant de 42mm de diamètre, avec priorité à l’ouverture et cellule TTL à mesure centrale pondérée.

Puis en 1979 sortent simultanément 4 boitiers reflex : les FUJICA AX tous les 4 équipés d’une baïonnette X, spécifique à FUJI. Les 3 AX sont des boitiers automatiques plus ou moins sophistiqués. Ce sont des appareils de construction métallique, robuste, classiques, bien conçus et d’un rapport qualité prix intéressant.

En 1990 Fuji lance sur le marché la Velvia. C’est une inversible de 50 ASA très saturée et extrêmement fine, aux bleus et aux verts profonds. Très vite Kodak perd du terrain.

L’effacement progressif de Kodak, absent du marché des appareils de haut de gamme, va lui faire perdre sa place de leader visible. Il est intéressant de noter que c’est la rivalité sur le marché des pellicules qui a fixé l’attention, alors que les enjeux étaient ailleurs.

Le cœur d’activité de Kodak était la pellicule. Les autres branches, « mineures » ont mieux survécu, mais Kodak est passé à côté de la mutation, sans en voir la portée. Alors que Fuji s’est évidemment appuyé sur l’aura des ses pellicules pour rebondir avec ses boitiers qui s’appellent désormais FUJIFILM.

Le passage de la photographie argentique à la photographie numérique fut fatal à Kodak ; alors que l’appareil photo numérique est né chez Kodak. La marque sera totalement absente du marché des boitiers numériques.

En effet, la matrice de Bayer a été inventée en 1976 par Bryce Bayer ingénieur chez Eastman Kodak. La marque a bien commercialisé des appareils numériques, mais qui n’ont pas trouvé leur public.

Dès 2012, la marque est menacée de faillite et passe en chapitre 11 de la loi US sur les faillites, ce qui lui permet d’être protégée. Elle vend des brevets en quantités. Apple et Google sont parmi les gros acheteurs.

Parallèlement FUJI se diversifie, la branche photo n’est plus majoritaire car FUJI s’intéresse aux biotechnologies.

Histoire de la PHOTOGRAPHIE - de l'Antiquité au Numérique

 LE PREMIER APPAREIL PHOTO | 1839 #GHDLP 

Kodak Fujifilm : Pourquoi l'un est mort et l'autre prospère ?

L'histoire tragique du premier appareil photo numériqure

 

P. S. : Ce qui m'a décidé à écrire ce « petit » article, viens du fait que je viens juste de finir « Sur 2 + 6 photographies de Félix Arnaudin ». Rappelons que Félix Arnaudin, né le 30 mai 1844 à Labouheyre (Landes) et mort le 6 décembre 1921 dans la même commune, est un dialectologue, ethnographe, poète et photographe français spécialiste de la Haute-Lande. Par ses photographies de paysages, habitats, bergers et paysans landais il sauve de l'oubli la mémoire de la Grande-Lande. Dans ce petit livre de photographie, son auteur, Éric Audinet, décrypte les photos d’Arnaudin qui apprit, en autodidacte, la photographie, dont il laissera plusieurs milliers de plaques de verre, conservées au musée d'Aquitaine à Bordeaux.

Références :

 - Les Inventeurs, Histoire de la photographie

 - Kodak & Fuji, une histoire de la photographie

 - Pourquoi Fujifilm a perdu contre Kodak ? La réponse en vidéo !

 - Vidéo : pourquoi Fujifilm a survécu (et pas Kodak)

 - Photographie couleur

 - La photographie argentique c'est quoi ?

 - Histoire des appareils photo numériques : des prototypes des années 1970 aux exploits des iPhone et Samsung Galaxy

 - Appareil photographique

 - Histoire de la photographie

 - Appareil photographique historique

Ascension 2024 : jeudi 9 mai

"L’Ascension" - Rembrandt - 1636

 

Cet article fait suite au précédant : "Pont de l'Ascension 2024 : le viaduc".

 

"Un peu de culture ne nuit pas, cela évite de mourir idiot".

 

L’Ascension est une fête chrétienne célébrée le quarantième jour à partir de Pâques. Elle marque la dernière rencontre de Jésus avec ses disciples après sa Résurrection et son élévation au ciel. Elle annonce également la venue du Saint-Esprit dix jours plus tard et la formation de l'Église à l'occasion de la fête de la Pentecôte. Elle préfigure enfin pour les chrétiens la vie éternelle. 

C’est en fonction du jour de Pâques qu’est décidée la suite du calendrier chaque année. Et cette date-là dépend de… la Lune. Pâques tombe systématiquement après la pleine Lune qui suit l’équinoxe de printemps, fixé au 21 mars. Selon les années, les chrétiens peuvent fêter Pâques entre le 22 mars et le 25 avril. 

Cette année 2024, Pâques tombant le dimanche 31 mars , l’Ascension tombe, donc, aujourd’hui jeudi mai 9 mai.

Attention, il ne faut pas confondre ascension et Assomption !

L'Ascension, et l'Assomption, inscrite au calendrier liturgique le 15 août, marquent respectivement la montée au Ciel de Jésus et de sa mère Marie.

Qu'est ce que la fête de l'ascension ? 

 

Références :

 - Ascension (fête)

 - 8-Mai et jeudi de l’Ascension : pourquoi y a-t-il deux jours fériés de suite en 2024

 - Connaissez-vous la différence entre l’Ascension et l’Assomption?

 - Les clefs d’une œuvre : “L’Ascension” de Rembrandt van Rijn