21 juin 2026 : Fête de la musique, canicule et consommation d’alcool réglementée

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Cette année, la fête de la musique se jouera sous le signe de la canicule.

Lu dans une newsletter de 20 Minutes du 20/06/2026 : « Fête de la Musique et canicule : Pourquoi la consommation d’alcool est interdite dans 35 départements ? » :

« La nuit la plus courte de l’année sera aussi la plus torride… L’alcool, dont la consommation a été interdite sur la voie publique pour la Fête de la musique dimanche dans 35 départements classés en vigilance rouge canicule, est particulièrement déconseillé en cas de fortes températures ».

Voyons un peu ce que fait l’alcool en cas de canicule.

En cas de canicule, l’alcool est à éviter :

L’alcool bloque la sécrétion de l’hormone antidiurétique (l’ADH) qui permet d’augmenter la quantité d’eau réabsorbée dans les reins et de réduire la production d’urine. Si cette hormone est bloquée on urine davantage ce qui accélère la déshydratation. Quand on se déshydrate, le corps ne peut plus produire assez de sueur pour se refroidir. L’alcool augmente d'environ 30 % le risque de déshydratation.

l’alcool perturbe les centres de régulation thermique situés dans l’hypothalamus. Le thermostat interne du corps ne réagit plus correctement aux signaux de surchauffe, notre organisme ne sait plus quand il faut transpirer et dilater nos vaisseaux sanguins.

Enfin, l’alcool brouille les signaux dans notre cerveau : la sensation de soif est masquée et on oublie de se rafraîchir, au risque de faire un coup de chaleur.

Un autre aspect du problème est la prise concomitante de médicament et d’alcool.

Médicaments alcool et canicule :

Dans mon article du 01/07/2025 : « Canicule : définition, conduite à tenir et gestion des médicaments », j’ai rédigé un chapitre « Médicaments et forte chaleur ». Je me permets de les citer :

- Diurétiques : Furosémide (Lasilix®) , Hydrochlorothiazide (Esidrex®), Spironolactone (Aldactone®)… Ainsi que les diurétique « masqués » car en association avec d’autre antihypertenseurs.

 - Médicaments qui diminuent la fonction rénale : Les anti-inflammatoires non-stéroïdiens (AINS), les inhibiteurs de l’enzyme de conversion de l’angiotensine (IEC) et les antagonistes des récepteurs de l’angiotensine II (ARA II).

 - Médicaments empêchant l’élimination de la chaleur : Antidépresseurs, médicaments antiallergiques (antihistaminiques), antiparkinsoniens, neuroleptiques.

 - Médicaments qui peuvent provoquer une hyperthermie : les neuroleptiques, les antidépresseurs et les antimigraineux.

Mais alors que boire par grandes chaleurs?

 - Par temps chauds, La meilleure des boissons reste l’eau. Pour satisfaire le palais, on peut utiliser les boissons gazeuses. on peut également l’édulcorer avec du jus de citron ou du sirop (attention sucré).

 - Jus de fruits :orange, pamplemousse...

 - Les bières de « soif » peu riches en alcool (Entre 1,5 % et 4 %), mais elles en contiennent quand même.

 - Dans les régions où il fait chauds, les boissons anisées (Pastis, Absinthe, Anisette, Ouzo, Raki…). Mais il faut les utiliser avec prudence, car elles contiennent de l’alcool. Il faut, alors, les diluer.

Cette année la consommation d’alcool sera réglementée dans les départements classés en vigilance rouge. Voyons cela en vidéo:

Fête de la musique : l'alcool interdit dans la rue en cas de vigilance rouge canicule - Le Parisien

Un exemple à ne pas suivre particulièrement. En 1975, consommer un litre et demi, de bière, cela fait quand même un peu trop :

Canicule: quand la télé conseillait de boire 1,5 litre de bière par jour - Archive INA - INA Société

Une mode est en train d’apparaître : les boissons sans alcool. Autant en profiter :

Les boissons sans alcool ont la cote - France 3 Hauts-de-France

Maintenant que nous savons que l’alcool est mauvais par temps de canicule, terminons avec une note d’humour : La scène culte du film « Marius » de la trilogie de Marcel Pagnol où César explique avec une mauvaise foi délicieuse à Monsieur Brun que l’apéritif est forcément bon pour la santé puisqu’il est “fait avec des plantes” :

L'apéritif – Marius – Marcel Pagnol – 1931 - Romain Puppione

Conclusion :

En cette Fête de la Musique 2026, l’alcool et la canicule font mauvais ménage : privilégiez l’eau et les alternatives sans risque pour rester hydraté. Profitez de la musique, mais protégez votre santé !

 

Références :

 - Canicule : boire de l’alcool pour se rafraîchir, vraiment ?

 - Canicule : définition, conduite à tenir et gestion des médicaments

Toccata et Fugue en D mineur Jean-Sébastien Bach avec La harpe en verre de GlassDuo

 

Pas plus tard que ce matin, en regardant YouTube sur ma nouvelle télé connectée équipée de ma barre de son Hisense[1] (profitant pleinement de son caisson de basse), je suis tombé sur cette pépite de GlassDuo et de sa harpe en verre : Toccata et Fugue en D mineur Jean- Sébastien Bach.

1°) GlassDuo :

GlassDuo a été fondé par Anna et Arkadiusz Szafraniec. Il s'agit d’un groupe jouant d'un instrument de musique exceptionnel à partir de simples verres à vin appelée harpe en verre. Il en résulte une musique inédite, capable de surprendre l'auditeur.

Seul ensemble de harpe de verre en Pologne et de l'un des rares ensembles professionnels au monde. Ils donnent des concerts en solo et avec d'autres musiciens.

Ils ont joué avec des quatuors à cordes, divers ensembles de musique de chambre et même des orchestres symphoniques. Ils ont également réalisé de nombreux enregistrements pour la radio, la télévision et le théâtre.

Les concerts de GlassDuo sont toujours l'occasion de découvrir des sonorités inhabituelles, des compositions originales et, surtout, de ressentir la présence des artistes eux-mêmes, qui poursuivent leurs rêves et leurs passions de manière si peu conventionnelle.

La musique de verre de GlassDuo résonne aussi bien dans une salle de concert classique que dans des espaces industriels, des églises ou les ruines d'anciens châteaux ou palais. Elle est tout aussi merveilleuse dans les intérieurs modernes où, grâce à l'amplification, elle offre une sonorité bien plus ample qu'on ne l'attendrait d'un instrument aussi délicat.

2°) La harpe en verre (Glass harp) :

Une harpe en verre (aussi appelée lunettes de musique, lunettes chantantes, orgue angélique, verillon ou violon fantôme) est un instrument de musique fait de verres à vin droits. Elle vient des Vérillons faisant partie de la famille des idiophones[2] frottés. Il est composé de plusieurs verres musicaux, généralement des verres à vin, disposés sur une table, et accordés par remplissage avec différentes quantités d'eau pour produire différentes notes. 

Il est joué en courant des doigts humidifiés autour du rebord des lunettes. Chaque verre est accordé à un pas différent en remplissant le verre d'eau jusqu'à ce que le pas souhaité soit atteint.
Les lunettes de musique ont été documentées en Perse au 14ème siècle. La harpe de verre a été créée en 1741 par l'Irlandais Richard Pockrich, qui est connu comme le premier virtuose des lunettes musicales. Pockrich a appelé son instrument "l'orgue angélique" et il a été joué avec des bâtons, plutôt qu'en frottant les lunettes avec un doigt humidifié. Il a été rapporté en 1760 que, "Pockrich a joué Handel's Water Music sur les lunettes." Sa carrière de concert réussie a été mise fin prématurément par un incendie dans lequel l'inventeur et l'instrument ont péri en 1759.

Venons-en maintenant à l’interprétation de la « Toccata et fugue » par GlassDuo et sa harpe en verre. Un son inimitable.

3°) Toccata et Fugue en D mineur avec La harpe en verre de GlassDuo :

J. S. Bach - Toccata and Fugue in D minor on the glass harp - GlassDuo - Glass Harp

Pour bien vous montrer la qualité et la justesse d’interprétation, en voici une autre de la « Toccata et Fugue » interprétée à l’orgue :

J.S. Bach -Toccata & Fugue in D-minor BWV 565 - Stephanuskerk Hasselt - Gert van Hoef

4°) Conclusion :

L’interprétation de la Toccata et Fugue en D mineur de Bach par GlassDuo, avec leur harpe en verre, transforme une œuvre classique en une expérience sonore magique et inédite. Leur maîtrise de cet instrument rare, alliant tradition et innovation, prouve que la musique peut se réinventer sans perdre son âme.

 

[1] J’en parle dans mon article du 05/05/2026 : « Mon nouveau joujou : Barre de son Hisense 2.1CH 240 W H210 avec caisson de basse sans fil »

[2] Un idiophone, ou autophone, est un instrument de musique de la famille des percussions dont le son est produit par le matériau de l'instrument lui-même, lors d'un impact produit soit par un accessoire extérieur (comme une baguette), soit par une autre partie de l'instrument (comme des graines sur un filet qui l'entoure ou des battants de cloche). 

P. S. :

Il ne faut pas confondre la harpe en verre avec l’Harmonica de verre instrument de musique perfectionné par Benjamin Franklin en 1761 à partir des verres musicaux, les vérillons préexistants. Franklin avait nommé l'instrument armonica à partir de l'italien[5] (avant l'invention de l'harmonica de bouche allemand). 

Références :

 - Glass Duo

 - Site Internet de GlassDuo ICI

 - Glass harp

 - Verrillon

 - Richard Pockrich

Dorothee Oberlinger interprétant: Concerto RV 443 in C-Dur d’Antonio Vivaldi : un moment de virtuosité fascinante

 

Après tous ces articles fastidieux, un peu de repos. Je vous propose une page musicale avec une prestation impressionnante de Dorothee Oberlinger dans une pièce d’Antonio Vivaldi : le concerto en do majeur RV[1] 443 pour flûte à bec sopranino. Pour la petite histoire, j'ai découvert la flûte à bec avec ma fille qui l'étudie dans le département de musique ancienne du Conservatoire de la Grande Ville.

Je parle déjà de la virtuosité de Dorothee Oberlinger dans mon article du 18/07/2025 : « Alessandro Marcello - Concerto pour hautbois et cordes en ré mineur » à son propos, j’ai écrit, je me cite:

« Dans le troisième mouvement, le presto, on notera la virtuosité de Dorothee Oberlinger et son expression de contentement jouissif façon « l’ai-je bien descendu[2] ». La transcription mène, parfois, à du « haut vol ». Il est à noter l'utilisation d'instruments de musique anciens, notamment de violons baroques ».

1°) Dorothee Oberlinger :

Dorothee Oberlinger est née à Aix-la-Chapelle et a grandi à Simmern. À l'Université de Cologne, elle a étudié l'éducation musicale et les études allemandes. Après l'université, elle étudie la flûte à bec à Cologne, Amsterdam et Milan.

En tant que soliste, elle a joué avec des ensembles de renommée internationale et des orchestres baroques, tels que les Sonatori de la Gioiosa Marca[3], Musica Antiqua Köln et l'Académie de musique ancienne. En 2002, elle fonde le groupe de chambre Ensemble 1700. 

2°) Concerto en do majeur RV 443 d'Antonio Vivaldi :

Le Concerto en do majeur RV 443 de Vivaldi est une œuvre brillante écrite pour flautino (petite flûte à bec sopranino) et orchestre à cordes. Composé vers 1728–1730, il témoigne du goût de Vivaldi pour la virtuosité instrumentale. Le premier mouvement, Allegro, expose immédiatement des traits rapides et acrobatiques. Le Largo, en rythme de sicilienne, offre une atmosphère lyrique proche de l’opéra vivaldien. L’ultime Allegro molto met en valeur l’agilité extrême du soliste, soutenu par une écriture orchestrale épurée qui renforce son éclat. Ce concerto, probablement destiné aux musiciennes de l’Ospedale della Pietà, illustre parfaitement l’art baroque marqué par le contraste et l’expressivité.

3°) Dorothee Oberlinger dans le Concerto en do majeur RV 443 d’Antonio Vivaldi :

Dans cette interprétation, Dorothee Oberlinger déploie toute la virtuosité et l’agilité qui font sa réputation. Son jeu, d’une précision éclatante, met en valeur la vivacité du flautino et révèle toute la richesse expressive du concerto. Chaque mouvement devient un moment de grâce où technique et musicalité se confondent. Une prestation fascinante qui illustre parfaitement l’exigence et la beauté du répertoire baroque.

Asseyez-vous confortablement, montez le son et laissez-vous emporter par la légèreté et la virtuosité de Dorothee Oberlinger. On voit bien, outre la performance technique, la joie et le plaisir intense que lui procure cette interprétation. Une vidéo éblouissante. Mon dieu que c'est beau !

Sonatori de la Gioiosa Marca - Dorothee Oberlinger - Antonio Vivaldi - Concerto RV 443 in C-Dur - incanto recordings

Que pensez-vous du Largo, plus lent, méditatif, tout en finesse et d’une sensualité discrète, presque murmurée. Il est toujours interprété par elle, mais cette fois, elle est accompagnée par l’Orchestre Baroque de Brème.

Dans ce Largo, Dorothee Oberlinger semble plus concentrée dans son interprétation, au point qu’on peut se demander si, en définitive, ce Largo n’est pas plus difficile à jouer que les deux mouvements rapides Allegro et Allegro molto.

Je vous invite à comparer les deux interprétations différentes de ce Largo interprétées par Dorothee Oberlinger à 5 ans d’intervalle. La première, avec le Sonatori de la Gioiosa Marca, correspond à un enregistrement en concert le 13 décembre 2015, à la Freinademetzkirche Milland (Brixen). La deuxième, avec le Bremer Barockorchester, correspond à un enregistrement en concert le 13 février 2020 dans l’église Unser Lieben Frauen à Brême.

Dans le second enregistrement, la tonalité est plus basse Cela ne donne t’il pas plus de profondeur à cette œuvre de Vivaldi ? Dorothee Oberlinger n’aborderait-elle pas, 5 ans plus tard, cette pièce avec plus de profondeur, plus de maturité ?

Antonio Vivaldi - Concerto in C major, RV 443 - Largo - Bremer Barockorchester

 

[1] Le Ryom-Verzeichnisou ou Ryom Verzeichnis (souvent abrégés en RV) est le catalogue de référence de la musique d'Antonio Vivaldi, établi par le musicologue danois Peter Ryom. Verzeichnis signifie « catalogue » en allemand.

[2] Cette expression « l’ai-je bien descendu » nous vient du Casino de Paris et de la première de la revue « Vive Paris » menée par Cécile Sorel en 1933.

[3] Les Sonatori de la Gioiosa Marca est un ensemble baroque dont les enregistrements sont devenus des références, les Sonatori de la Gioiosa Marca ont livré des interprétations du répertoire vénitien, notamment des œuvres de Vivaldi, fondés sur les textes de manuscrits jusqu’alors inédits. 

Référence :

 - Dorothee Oberlinger

 - Concerto en C majeur pour enregistreur et cordes RV 443

"Hum to Search", où comment retrouver un air de musique (mélodie, chanson sifflée, voire fredonnée) avec son Smartphone Android

 

Un petit sujet d’informatique très facile (une fois n’est pas coutume). Aujourd’hui, une fonction moins connue car un peu cachée dans les Smartphones Android : la reconnaissance de la musique (mélodie, chanson sifflée, voire fredonnée). Voici comment faire, sans être un expert en technologie. Au fait, cette fonction s'appelle "Hum to Search".

 

Pour reconnaître un air de musique sur son Smartphone (par exemple, une chanson entendue dans un café, une mélodie coincée en tête...), il existe pas mal d’applis à installer sur son Android (en se servant du Play Store) :

 - Shazam
 - SoundHound
 - Song Finder
 - Beatfind

Leur grave défaut est qu'elles ne reconnaissent pas, ou mal, les fredonnements.

Alors, plutôt que d’installer une nouvelle appli qui va, entre autres, vous bouffer de la batterie, il est bien plus intelligent de se servir de l’outil Google intégré répondant au joli nom de "Hum to Search"*.

Pour cela :

1. Il vous faut une connexion internet

2. En haut de l’écran d’accueil du Smartphone là où se trouve l’icône "G" colorée, vous verrez une barre de recherche avec un micro à droite.

3. Appuyez sur l’icône du micro, puis sélectionnez "Recherche de chanson". 

4. Fredonnez, sifflez ou jouez la mélodie pendant quelques secondes. 

Et paf le chien (ou Flip Flap la girafe) !

Pardon, je m'égare.

5. Le titre s’affiche, souvent avec un lien vers YouTube pour écouter la chanson.

Si vous préférez une démonstration visuelle, voici une vidéo qui explique tout en détail :

Retrouver le titre d'une chanson en la fredonnant - Le coup de pouce

En résumé, "Hum to Search" est une solution simple, rapide et intégrée à Android pour retrouver un air de musique, même en le fredonnant. Plus besoin d’installer d’application supplémentaire : votre smartphone sait déjà reconnaître vos mélodies.

 

*Accrochez-vous (ou décrochez) car c'est un peu technique : "Hum to Search" est basée sur de l’intelligence artificielle, et plus précisément sur des modèles d’apprentissage automatique capables de reconnaître une mélodie à partir d’un fredonnement, d’un sifflement ou d’un chant. Cette technologie de machine learning est développée par Google Research.

Référence :

 - Comment identifier une chanson en la fredonnant à votre téléphone ?

- Hum to Search : retrouvez une musique juste en fredonnant !

Le vieux con et la bonne éducation

 

Attention, les propos qui vont suivent sont susceptibles de vous choquer, c’est voulu. Cet article est volontiers caricatural, c’est fait exprès ! Moi, vieux con, je dédicace ce texte aux jeunes cons à mauvaise éducation. Mais, comme le dit Brassens* dans sa chanson « Le temps ne fait rien à l'affaire » : « Le temps ne fait rien à l’affaire / quand on est con, on est con ».

Je pose le tableau ou plutôt les tableaux :

Les jeunes collégiens sans savoir vivre :

Près de chez moi est implanté un collège public, régulièrement, quand je croise ces collégiens, ceux-ci ne me laissent pas passer.

Moi, maintenant, vieux con que je suis, non seulement je ne me pousse pas, mais je passe mon chemin en donnant un grand coup d’épaule au collégien impoli (sans dire pardon).

Ah ces jeunes me direz-vous, aucune éducation.

Les jeunes couples mal éduqués :

Je marche bras dessus bras dessous avec ma dulcinée quand un couple jeune je précise, nous croise, je me pousse légèrement pour croiser ces quidams qui, eux sans vergogne ne dévient pas d’un poil.

Bah, ils sont jeunes et n’ont pas bénéficié d’une bonne éducation.

Les couples d’âge moyen en pleine force de l‘âge au savoir-vivre défaillant :

Eh bien non, maintenant, s’y mettent, aussi, les gens d’un âge mûr (moins mûrs que le mien, je précise) ne se poussent point, que nenni, fichtre !

La bonne éducation du… vieux con :

Et moi, bien éduqué (instruit par les Jésuites), qui descendait du trottoir pour laisser passer…

Eh bien, que nenni,

Moi aussi, vieux con !

Je ne me pousse plus !!

Quelle société vivons-nous !!

L’espoir fait vivre :

Aucun espoir ?

Si !

Les élèves d’un établissement privé bien éduquées :

Pas très loin de chez moi, se trouve un établissement catholique privé sous contrat. Une fois malencontreusement un collégien me heurta. Que croyez-vous qu’il se passa…

Eh bien, il s’excusa.

Oui, il y a un espoir.

Dans le tram quelques jeunes au savoir-vivre résistant :

Dans le tram, vu mon âge, il m’arrive, parfois, que quelques jeunes gents se lèvent pour me laisser leur place (au début gêné je refusais, mais j’avoue que, maintenant, je remercie chaudement. Et profite de cette aide).

L’espoir fait vivre :

Oui, il y a quand même un peu d’espoir

Mais quand même il est ténu.

Mais, au fait, et vous qu’en pensez-vous ?

Brassens Quand on est con, on est con – police59100

 

*Georges Brassens (1921-1981) est un auteur-compositeur-interprète et poète français. Auteur de plus de deux cents chansons aux textes soignés, exigeants et littéraires. Il a également mis en musique des poèmes de François Villon, Victor Hugo, Paul Verlaine, Francis Jammes, Paul Fort, Antoine Pol, Théodore de Banville, Alphonse de Lamartine ou encore Louis Aragon.

P. S. :

 - Le temps n'a rien a l'affaire : Paroles

Dans la guerre des diapasons, le La 440 remporte la victoire

 

J’ai découvert cette bataille du "la" avec la professeure de flûte à bec de ma fille dans le département de musique ancienne du conservatoire de la grande Ville. Lors de certaines soirées elle nous distillait, parfois, des notions de musicologie. Je vais essayer d’aborder ce sujet peut-être un peu technique de la manière la plus simple et la plus claire possible. Cet article se veut illustrer mon aphorisme préféré : « Un peu de culture ne nuit pas, cela évite de mourir idiot et... de passer pour un sot ».

Mon article est basé en « très » grande partie du magistral : « Pourquoi le diapason donne-t-il le la 440 et pas 432 ».

La note qui sert à accorder tous les instruments n’a pas toujours été la même, et elle a même fait l’objet de débats passionnés. Nous verrons dans cet article comment le "la" standardisé à 440 Hz a triomphé dans le monde musical.

1°) Définition sommaire :

Le diapason (a’) est une fréquence qui se mesure en Hertz (Hz). Loin des calculs physiques, il suffit de savoir que le son est produit par des vibrations. Plus la fréquence-diapason est élevée, plus le son est aigu. Le diapason moderne représente la fréquence correspondant au “la 4” de la gamme.

2°) Pourquoi le diapason donne-t-il le la 440 et pas 432 :

Beaucoup de musiciens le savent : le "la" donné par les diapasons tombe sur la fréquence 440 Hertz.  Plus précisément, il s'agit du  "La 4" (le la de la 4e octave du piano). Lorsqu'on fait vibrer un diapason, il produit une fréquence précise de 440 Hz. Ceci nous permet d'accorder les instruments.

Cela correspond à l’ancienne tonalité que l’on entendait lorsqu’on décrochait un téléphone. A une époque, il pouvait faire office de diapason de secours.

3°) Que vient faire la fréquence 432 :

Pendant longtemps, le "la" n’avait pas toujours correspondu à la fréquence de 440. Jusqu’à une période relativement récente, il était, réglé sur 432.

Mais, autrefois, les orchestres baroques accordaient leurs instruments d’une façon différente, en se référant à un "la" bien défini par l’époque y trouvaient maints avantages.

4°) En fait, il existait beaucoup plus d’étalons de diapasons :

Première découverte : avant que le 440 ne s'impose, il existait en fait pléthore de fréquences de référence :

« Pour la musique du XVIe siècle, on utilise le la 466 Hz. Pour le baroque vénitien (du temps de Vivaldi), c’est déjà le la 440 Hz. Pour le baroque allemand (du temps de Telemann, de Jean-Sébastien Bach…), c’est le la 415 Hz. Pour le baroque français (Couperin, Marais, Charpentier…) on s’accorde sur le la 392 Hz ! Il existe différents diapasons comme le diapason Haendel, réglé sur 423 Hz, le diapason Mozart, 422 Hz, celui de l’opéra de Paris, dit Berlioz, 449 Hz, et celui des pianos Steinway aux USA, 457 Hz. ».

5°) Verdi et le "la" 423, première tentative de normalisation :

Historiquement, un des premiers européens à chercher à légiférer en la matière fut apparemment le compositeur italien Giuseppe Verdi.

En 1884, il obtient de la commission musicale du gouvernement italien un décret de loi normalisant le diapason à un "là" à 432 vibrations par seconde.

Ainsi, le la 432 n'est aucunement une "ancienne et unique façon d'accorder les instruments".  Mais tout simplement la première tentative de normalisation en la matière qui ait historiquement réussi à aboutir, puisque apparemment ce nouveau standard s'est répandu, notamment en France.

6°) La victoire du "la" 440 :

1939 : A Londres, la Fédération internationale des associations nationales de standardisation décide d’un diapason étalon étalonné à 440 Hz. Cette décision sera entérinée quelques années plus tard, lors d’une conférence internationale (toujours à Londres) en 1953. Les protestations des Italiens et des Français, attachés au la 432 Hz de Verdi, sont restées lettre morte. En 1975, le diapason la 440 Hz deviendra une norme ISO. Ceci imposera par la suite son utilisation dans tous les conservatoires de musique. Aujourd'hui la fréquence 440 Hz a donc gagné la bataille institutionnelle, s’érigeant aujourd'hui en standard international.

Cependant, dans le domaine de la musique ancienne, certains groupes baroques continuent de préférer le 415 Hz pour la sonorité particulière qu’il procure. En effet des hauteurs autour de 415 Hz sont cohérentes avec la pratique d’époque.

Aujourd’hui, le "la" 440 Hz est la norme mondiale, facilitant l’harmonisation des musiciens, tout en laissant à certains la place pour des pratiques alternatives selon les époques ou les préférences esthétiques. 

En vidéo, la victoire du 440 :

La guerre des diapasons - Culture Prime - France Musique

Le "la" 440 :

440 Hz (10 seconds of A – muckinaboot

Le "la" 440 et "la" de l’ancienne tonalité lorsqu’on décrochait un téléphone :

Simulation d'un appel avec un téléphone à cadran U43 - Daniel Bourgeois

 

Pour finir, les différences de sonorité de deux interprétations d'une même mélodie, l'une en 440 l'autre en 432.

L'Ascension, c'est quoi - Diocèse de Moulins

Heureux qui comme Ulysse - Joachim du Bellay - La minute de poésie

"Heureux qui comme Ulysse" est aussi devenu le titre d'un film réalisé par Henri Colpi sorti en 1970. La chanson thème du film, enregistrée par Georges Brassens sur une musique de Georges Delerue, reprend également le premier vers du sonnet.

Georges Brassens - Heureux qui comme Ulysse - Générique du film

 

*"Heureux qui comme Ulysse" est un sonnet de Joachim du Bellay. Il est le 31e sonnet du recueil Les Regrets publié en janvier 1558. Je le trouve extrêmement moderne.

P. S. :

L’Ascension fait partie des onze jours fériés légaux inscrits dans le Code du travail (article L.3133‑1), au même titre que Noël, la Toussaint ou le 14 juillet.

Mon nouveau joujou : Barre de son Hisense 2.1CH 240 W H210 avec caisson de basse sans fil

Ma vieille télé ayant rendu l’âme, pour la Noël, je me vis contraint d’en acheter une autre. Vu les progrès réalisés, je me tournais vers une télé connectée. Ce fut une Télévision Continental Edition 43" (108 cm) à 200 € sur Amazon. Mais, vu la piètre qualité sonore, il me fallut trouver une solution, ce fut l’achat d’une barre de son.

Mon choix se porta sur une barre de son Hisense 2.1CH 240 W H210 avec caisson de basse sans fil.

Ce choix me fut conseillé par le site « Les numériques ». Je vous le recommande pour vos achats de produits high‑tech comme Smartphones, ordinateurs, téléviseurs, imprimantes, voire aspirateur, voitures électriques et autres...

C’est grâce à ce site que j’ai acheté mon imprimante multifonction Laser couleur il y a 3 ans (Brother DCP-L3550CDW), mon dernier Smartphone, il y a 1 an (Motorola Edge 50 Pro)
dédié aux tests de produits high‑tech, à l’actualité technologique et aux guides d’achat.

Voici ce que j’ai lu sur « Les numériques » à propos de cette fameuse barre de son.

Introduction :

Barre de son + caisson pour les petits budgets, la HS2100 entend pourtant délivrer un son suffisamment puissant et immersif. Une promesse ambitieuse compte tenu du format compact de l'ensemble, mais pas impossible à tenir.

Présentation :

L'ensemble HS2100 se compose d'une barre de son de taille moyenne, bien que très fine, et d'un caisson de basses au format plat. Les deux éléments sont liés entre eux par une connexion sans-fil basse-latence. Hisense agrémente le tout d'une connectique suffisamment fournie (pour un tel format), et d'une puce Bluetooth.

Ainsi l'accent est-il placé ici sur le côté tout-en-un. La HS2100 n'est pas présentée comme un monstre de fonctionnalités ou de puissance, mais en offre autant, sur le papier, que certains appareils de milieu de gamme. Cette barre de son se destine avant tout aux petits salons, mais pas uniquement aux petits écrans. 

Conclusion :

Sans grande prétention mais pas sans qualités, la HS2100 est une barre de son idéale pour les petits budgets. En dépit de ses limitations techniques, notamment dans les basses fréquences, ce modèle est à la fois très bien réglé et étonnamment immersif. 

Je me précipitais donc sur Amazon, et pour 89 € elle fut « in the pocket ».

Aphrodite's Child - Rain and tears - 1968 – garageland66

La vidéo live du concert à Lille en 1968 où l'on entend bien le son tourbillonnant  de l'orgue Hammond B3 associé à une cabine Leslie, joué par Vangelis. Le son de la vidéo sature un peu :

Aphrodite's Child - Rain and Tears (Live in Lille France 1968) - Aphrodite's Child

2°) Rain and Tears et l’orgue Hammond :

L’orgue Hammond que l’on entend sur « Rain and Tears » d’Aphrodite’s Child est un Hammond B3 joué par Vangelis (Evangelos Papathanassiou), le claviériste du groupe.​ Sur l’enregistrement de 1968, le morceau repose sur un Hammond B3, accompagné d’un Hohner Clavinet et d’un piano, ce qui lui donne son style « baroque‑pop ». L’orgue apporte une texture chaleureuse, légèrement chorale, qui soutient les accords inspirés de Jean‑Sébastien Pachelbel pendant que Demis Roussos chante.

Dans les versions live (par exemple à Lille en 1968), Vangelis est crédité comme jouant du Hammond B3 avec le Hohner Clavinet et les chœurs.

3°) Le Canon de Pachelbel :

Le Canon de Pachelbel ou Canon en ré ou Canon per tre Violini e Basso (titre original) ou Canon et Gigue en ré majeur pour trois violons, avec basse continue [en forme de basse obstinée], de Johann Pachelbel (Kanon und Gigue für 3 Violinen mit Generalbaß, en allemand) (PWC 37, T. 337, PC 358) fait partie d'une pièce de musique de chambre baroque[1], composée vers 1680 en deux mouvements : un canon et une gigue[2], pour trois violons et basse continue[3], par le compositeur allemand Johann Pachelbel (1653-1706). 
Il est une de ses compositions les plus célèbres, d'origine inconnue, traditionnellement jouée pour l'accompagnement de marche nuptiale de mariage

Johann Pachelbel Canon in D Major - Voices of Music

 

*Demis Roussos, Artémios Ventoúris Roússos (Αρτέμιος Βεντούρης Ρούσσος), dit Demis Roussos (en grec : Ντέμης Ρούσσος), est un musicien et chanteur grec, né le 15 juin 1946 à Alexandrie (Égypte) et mort le 25 janvier 2015 à Athènes (Grèce). 
D'abord chanteur et bassiste du groupe de rock progressif Aphrodite's Child, avec Vangelis aux claviers, Silver Koulouris à la guitare et Lucas Sideras à la batterie, il entame ensuite une carrière solo principalement orientée vers la variété

Références :

 - Rain and Tears

 - Aphrodite's Child

 - Canon de Pachelbel

L’orgue Hammond II : Les Beatles et l’orgue Hammond

 

Ce court article est un complément de celui du 18/02/2026 : « L’orgue Hammond ».

Dans cet article, je décris l’orgue Hammond comme un instrument électromécanique emblématique du gospel et de la soul, reconnaissable à sa sonorité chaleureuse et vibrante.

1°) Les Beatles et l’orgue Hammond :

Les Beatles ont utilisé l’orgue Hammond surtout à la fin de leur carrière, notamment sur les albums Let It Be et Abbey Road, pour apporter une couleur gospel, soul et “churchy” à plusieurs titres.

2°) Billy Preston et les Beatles :

Dans les chansons des Beatles où l’on entend un orgue Hammond, c’est presque toujours Billy Preston (parfois surnommé le «cinquième Beatle») qui joue, sauf quelques cas où ce sont les Beatles eux‑mêmes (souvent Ringo) sur un orgue plus simple.​

Billy Preston a été déterminant pour les Beatles. Son énergie, son esprit lumineux et la signature sonore de son clavier ont contribué à apaiser les tensions internes et à donner une couleur unique aux dernières sessions du groupe.

3°) Les chansons où Billy Preston joue de l’Hammond :

Billy Preston est le claviériste invité sur plusieurs titres des sessions Get Back / Let It Be et Abbey Road :

   • Let It Be – orgue Hammond (Hammond B‑3) avec effet “gospel d’église”.​
    • Dig It – solo d’orgue Hammond.
    • Something – orgue Hammond sur l’album Abbey Road.​​
    • I Want You (She’s So Heavy) – orgue Hammond, très présent en fond.

4°) L’exemple de Let It be où l’on voit Billy Preston jouant de l’Hammond B‑3 :

L’exemple de Let It be où l’on voit Billy Preston, en milieu et en fin de vidéo, jouant de l’Hammond B‑3 équipé d’une enceinte Leslie type 147 qui produit ce gros son choral et vibrato caractéristique sur Let It Be.

The Beatles - Let It Be – 1970 - Official Music Video - Remastered 2015

S’il fallait retenir une chose de cet article, c’est que Billy Preston et l’orgue Hammond ont apporté aux Beatles une chaleur gospel qui a profondément marqué le son de leurs dernières sessions.

 

Références :

- Billy Preston

 - Billy Preston et "Let It Be" : Comment l’orgue Hammond a apporté l’âme du gospel aux Beatles

 - Les instruments utilisés par les Beatles : les claviers, pianos et orgues, utilisés par le groupe, tout au long de leur carrière

 - Gérard Seiler – Les Mélodies Des Beatles A L'Orgue Hammond

 - L’orgue Hammond

 - Le rôle crucial joué par Billy Preston au sein des Beatles

Petite page musicale

 

Un peu de repos dans mes publications, une petite page musicale : un pur moment de bonheur

 

Sting interprétant, en plein air, et en toute simplicité, je dirai presque au débotté, «Englishman in New York».

Un régal. On en prend plein les oreilles !

A regarder plein écran !

Sting - Englishman in New York - Franz Fruci Flor

L’orgue Hammond

Orgue Hammond B-3 avec banc, pédalier et cabine Leslie 122

 

Je vous ai concocté, aujourd’hui, un article aux petits oignons sur un instrument de musique, mythique, rare et peu connu : l’orgue Hammond.

L'orgue Hammond est un instrument électromécanique à clavier, inventé dans les années 1930 par Laurens Hammond. S'inspirant de l'orgue traditionnel, il était initialement destiné à équiper des églises n'ayant pas la place ou les moyens financiers d'en disposer.

1°) L’histoire de l’orgue Hammond :

Aux États-Unis, le début du XXe siècle est marqué par l’exode rural des populations noires américaines. Cette migration entraîne la construction de nombreuses églises évangéliques, et un besoin important d’équiper ces édifices religieux à moindres frais.

2°) L’orgue Hammond, sa conception :

Conçu par Laurens Hammond, l’orgue du même nom est le premier orgue électromécanique. Son coût de fabrication est sensiblement inférieur à celui d’un orgue à tuyaux classiques. Le premier modèle du genre, l’orgue Hammond A, voit le jour en 1935. Grâce à la demande des églises afro-américaines, son succès est immédiat. Les différents modèles de l’instrument s’écouleront à près de deux millions d’exemplaires. 

Le modèle emblématique de la marque Hammond, le B-3, est produit de 1955 à 1975. Il est généralement équipé d’une cabine Leslie, un amplificateur à haut-parleurs rotatifs qui reproduit le jeu ondulant de l’orgue d’église.

3°) L’orgue Hammond et les différents styles de musique :

Le son de l’orgue Hammond est un souffle chaud, vibrant et ondulant, qui semble presque vivant grâce à sa cabine Leslie rotative.

D’abord cantonné au gospel puis au blues, l’orgue Hammond se démocratise à la fin des années 1950 sous l’impulsion de Jimmy Smith. Le B-3 gagne alors la scène jazz, puis de nombreux autres genres musicaux à partir des années 1960-1970.

L’orgue Hammond est à l’aise dans n’importe quelle musique. Ainsi, il peut être utilisé pour jouer des morceaux très subtils, mais aussi pour avoir un son très fort et particulier dans le rock et le blues, par exemple. De plus, cet instrument est parfait pour créer des paysages sonores dans la pop.

Le son du Hammond est également fabuleux pour le jazz. Toutefois, beaucoup de personnes l’associent surtout avec la musique d’orgue électronique un peu kitsch des années 70. Cette période n’a pas eu d’impact positif sur l’image de l’orgue Hammond.

4°) Le renouveau de l’orgue Hammond :

Heureusement, il semble aujourd’hui revenir en grâce. Dans le monde du jazz et du blues, cet instrument est une valeur sûre depuis longtemps. Par contre, dans la musique pop et le rock, il a été déplacé par les synthétiseurs dans les années 80 et 90. Au début du 21e siècle, il a fait son retour dans ces genres musicaux notamment par Jimmy Smith (The Sermon) Booker T. & the M.G.’s (Green Onions) Deep Purple (Lazy) Cory Henry (Lingus du groupe Snarky Puppy).

L’orgue Hammond est un instrument électromécanique mythique dont le son unique intergénérationnel traverse les époques, du gospel des années 1930 aux musiques pop et rock d’aujourd’hui.

Une vidéo fort bien faite avec un humour décapant. 

L'Orgue Hammond, Cet Instrument Incroyable ! (il y a une erreur, Wikipédia s'est trompé) - Didier Fellay

Une vidéo un peu longue (14 minutes) sur l’histoire de l’orgue Hammond. Elle est en anglais il n'y a pas la traductions et j'en suis désolé

Hammond Organ History – beethreeb3

Une vidéo, certes un peu longue, mais présentant fort bien l’orgue Hammond son histoire et son fonctionnement.

17/32 - Partie N°1 - Rappel historique #2 - Orgue Hammond - Patrick FRADET - Pédago Musicale

Musique : il est l'un des derniers réparateurs de l'orgue Hammond - France 3 Grand Est

Un exemple éloquent de ce que peut donner l'orgue Hammond M102, joué par Matthew Fisher dans l’interprétation de la chanson « A Whiter Shade of Pale », premier single du groupe Procol Harum.

Procol Harum - A Whiter Shade Of Pale - Premier promo film Official Vidéo - 1967 -  FLY Records

Je parle, déjà, de l’orgue Hammond dans mon article du 11/09/2025: « Our Day Will Come » - son histoire et trois interprétations : Ruby & the Romantics, Frankie Valli et Amy Winehouse » concernant l’interprétation par Ruby & the Romantics de «Our day Will come». Dans cet article, à propos de cette interprétation, je me cite (aïe, j'ai les mollets qui enflent) :

« C’est une version bossa nova comportant un solo d'orgue Hammond joué par Leroy Glover. Elle incarne la douceur du doo-wop et de la soul naissante. Ainsi, le fameux son d'orgue Hammond dans la version originale de "Our Day Will Come" est joué par Leroy Glover et fait partie intégrante de l'arrangement qui a rendu ce morceau célèbre dès 1963 ».

On entend l’orgue Hammond dès le début du morceaux. Le pied !

Our Day Will Come - Ruby & the Romantics

 

Références :

 - Laurens Hammond

 - Orgue Hammond

 - Histoire d'instrument : l’orgue Hammond

 - L’orgue Hammond : un vrai classique

 - Hammond M100 (1967)

 - « Our Day Will Come » - son histoire et trois interprétations : Ruby & the Romantics, Frankie Valli et Amy Winehouse

Hommage, en quatre vidéos, de Brigitte Bardot décédée le 28 décembre 2025 à l’âge de 91 ans

Brigitte Bardot et sa célèbre coiffure Choucroute 

Brigitte Bardot, actrice iconique et chanteuse sensuelle des années 60-70 puis militante de la cause animale, est décédée le dimanche 28 décembre 2025, à l’âge de 91 ans, dans sa résidence de La Madrague à Saint-Tropez.

Brigitte l’influenceuse des années 60 70 : la choucroute, le vichy, les marinières, les pantalons corsaires et les ballerines Repetto.

Brigitte Bardot, icône du cinéma français des années 1950-1970, débute sa carrière avec Le Trou normand (1952) et explose avec Et Dieu... créa la femme (1956), suivi de succès comme En effeuillant la marguerite (1956), Une Parisienne (1957), En cas de malheur (1958), Babette s'en va-t-en guerre (1959), La Vérité (1960), Le Mépris (1963), Viva Maria! (1965) et Les Pétroleuses (1971). Elle a, aussi, une carrière de chanteuse, avant de se retirer en 1973 pour se consacrer à la défense des animaux.

Une rétrospective de la vie de BB :

Mort de Brigitte Bardot : l'histoire d'une icône – Le Monde

Brigitte Bardot, la chanteuse :

Brigitte Bardot - La Fille de paille - Gérard Lenorman et Frank Gérald - 1969

Serge Gaisbourg composa pour elle notamment Je t’aime... moi non plus (1967), la « plus belle chanson d'amour » que Brigitte Bardot a demandée à Serge Gainsbourg , Bonnie and Clyde (1968). Ces chansons enregistrées ensemble dans une atmosphère très sensuelle choqua la France de l’époque.

Brigitte Bardot & Serge Gainsbourg - Je t’aime... moi non plus - 1967

Le dernier entretient journalistique de Brigitte Bardot :

Chasse à courre, animaux ... Retour sur les confidences de Brigitte Bardot à BFMTV en mai 2025 – BFMTV

 

Référence :

 - Brigitte Bardot

Noël 2025

 

Pour ce réveillon de Noël, la petite famille quitte la Grande Ville et toutes ses turpitudes.

Au menu, après les incontournables huîtres et ses crépinettes accompagné d‘un Château Reynon Blanc 2021, son boudin blanc, une poularde fermière des Landes arrosé d’un Château Barreyres 2022.

Je souhaite à tous mes lecteurs un joyeux Noël.

Plein de bonnes choses :

 - Un bon réveillon en famille
 - Un bon repas arrosé de bons vins champagne et autres
 - De beaux cadeaux

Ma pensée va, aussi, aux personnes qui vont passer Noël seuls.

Encore un bon réveillon à tous !

Tino Rossi - Petit Papa Noël - (Version Originale de 1946 remastérisée)

« Le mal aimé », la Publicité de Noël géniale des hypermarchés Intermarché

 

Enfin une publicité digne de ce nom avec un vrai scénario comme celles des années 80. Une Pub géniale pour les Hypermarchés Intermarché. Pour la rédaction de ce post, je me suis inspiré de l’article de Le HuffPost : « Elle est incroyable » : cette pub d’Intermarché pour les fêtes fait l’unanimité. Une Pub virale, bien involontaire, sans aucune utilisation d'une quelconque IA. Une Pub qui a gagné le Monde entier.

La publicité commence dans le monde réel, le soir de Noël, lorsqu’un adulte offre un cadeau à un enfant. Il s’agit d’un loup en peluche, mais celui-ci effraye beaucoup l’enfant.

Alors l’adulte décide de lui raconter une histoire : « A la base, ce loup, il vivait dans la forêt et il n’avait pas de copains. ».

On plonge alors dans un univers de dessin animé, signé Romance agency et Illogic studios.

Alors que les écureuils, hérissons, moutons et autres petits animaux inoffensifs décorent un grand sapin, le loup fait son entrée à l’écran et terrifie toute la forêt. Dépité, il souffle : « Et bien, sympa ! ».

Un jeune hérisson ose alors lui faire la morale : « En même temps, si tu ne mangeais pas tout le monde… ».

Alors le loup s’enfonce dans la forêt avec, en fond, la chanson de 1974 (nostalgie, nostalgie) : « Le Mal Aimé » de Cloclo (Claude François star des années 70).

Il s’enferme dans sa cabane et tente quelque chose de nouveau : cuisiner des légumes. Carottes, champignons, oignons…

Et il finit par se régaler.

Intermarché vous souhaite de joyeuses fêtes.

Publicité Intermarché - Le Mal Aimé

C’est Illogic Studios qui a produit l'animation du film publicitaire "Le Mal Aimé" pour Intermarché. Ce studio français basé à Montpellier est spécialisé dans l'animation 3D artisanale, sans IA, et a travaillé sur ce spot viral de Noël diffusé fin 2025.
​
Publié le 6 décembre dernier, le spot publicitaire d'Intermarché a été massivement relayé ces derniers jours sur les réseaux sociaux (en particulier aux États-Unis). La raison : son court-métrage d'animation qui a séduit un très large public, au-delà des espérances du studio d'animation qui l'a réalisé.

Ce merveilleux dessin animé nous fait vivre un conte de noël dont nous rêvons tous.

Les coulisses de la pub Intermarché qui fait pleurer le monde entier

Claude François - Le mal aimé - 1974

 

Nota Bene :

 - un auteur jeunesse (Thierry Dedieu) a accusé la pub de s’inspirer fortement de son livre « Un Noël pour le loup » (2017), à la frontière entre inspiration et plagiat. Intermarché s’en défend, mais cela a suscité une certaine polémique.

 - Le loup en peluche de la pub ne sera commercialisé par Intermarché qu'en 2026.

Références :

 - « Elle est incroyable » : cette pub d’Intermarché pour les fêtes fait l’unanimité

 - Des similitudes "troublantes": la pub de Noël d'Intermarché est-elle inspirée du livre pour enfants "Un Noël pour le loup"?

 - Publicité virale d'Intermarché : le loup en peluche ne sera commercialisé qu'en 2026 

Jimmy Cliff (1944 - 2025) RIP

 

C’est avec tristesse que j’ai appris le décès, hier, le lundi 24 novembre 2025, de Jimmy Cliff, à l’âge de 81 ans.

James Chambers, dit Jimmy Cliff, est un acteur et auteur-compositeur-interprète jamaïcain de reggae et de pop né le 30 juillet 1944 dans le Somerton District de la paroisse de Saint James (Colonie de Jamaïque, Antilles britanniques).

Le 24 novembre 2025, son épouse annonce sur Instagram et Facebook la mort, à Kingston, de Jimmy Cliff, survenue des suites d’une crise convulsive due à une pneumonie.

Jimmy Cliff a joué un rôle fondateur dans la popularisation internationale du reggae, en fusionnant les sonorités jamaïcaines traditionnelles avec des mélodies pop et en incarnant la voix rebelle et spirituelle de la Jamaïque, ouvrant ainsi la voie à des artistes comme Bob Marley et à la reconnaissance mondiale du reggae.

Jimmy Cliff joua son propre rôle dans le film "The Harder They Come" qui fut le film fondateur du reggae au cinéma.

Quelques airs célèbres de Jimmy Cliff :

"Many Rivers to Cross" (1969), "The Harder They Come" écrite et enregistrée spécifiquement pour la bande originale du film The Harder They Come sorti en 1972. "Reggae Night" (1983), "I Can See Clearly Now" (reprise très connue par Jimmy Cliff en 1993 de la chanson de Johnny Nash sortie en 1972) appuyée commercialement par son utilisation dans la bande-son du film à succès Rasta Rockett, sorti en 1993.

Je parle, d’ailleurs, de la petite histoire de "I Can See Clearly Now" dans mon article du 06/07/2022 : «La petite histoire de la chanson "I Can See Clearly Now" : Johnny Nash, Jimmy Cliff et Rasta Rockett».

"I Can See Clearly Now" - Jimmy Cliff - "Rasta Rockett" - 1993

 

Références :

 - Jimmy Cliff

 - I Can See Clearly Now

- Rasta Rockett

 - La petite histoire de la chanson "I Can See Clearly Now" : Johnny Nash, Jimmy Cliff et Rasta Rockett

Luiza « Soleil Bleu » et ZAZ « On ira »

Après mon article précédant « un peu » abscons, pour souffler et s’aérer l’esprit, une page musicale.

Dans mon article du 06/11/2025 : « Soleil Bleu de Luiza et Bleu Soleil », je raconte ma découverte d’une nouvelle chanteuse : Luiza et de son nouveau tube : « Soleil Bleu ».

En écoutant Luiza et en visionnant la vidéo de sa chanson « Soleil Bleu », je me dis (parfois je me parle) :

 - « Tu ne crois pas que cela te rappelle quelque chose ? ».

 - « Si fait : « On ira » de ZAZ.

Ces deux chansons sont originales et, en aucun cas Luiza s’est inspiré de ZAZ.

Tout simplement on a une sonorité et une ambiance vidéo qui s’approchent tout simplement.

Et c’est charmant.

En effet, pour moi « Soleil Bleu » de Luiza et « On ira » de ZAZ partagent une ambiance ensoleillée, joyeuse, portée par des mélodies entraînantes, des rythmes légers (entre pop et variété française), et des clips colorés avec « dessins-animations » évoquant la liberté, la nature et l’évasion.

Ne trouvez-vous pas, vous aussi, qu’il y a une certaine analogie entre le « Soleil Bleu » de Luiza et le « On ira » de ZAZ.

Ouvrez vos oreilles et vos yeux :

Bleu Soleil & Luiza - Soleil Bleu – 2025 - Clip officiel

ZAZ - On ira – 2023 - Clip officiel

 

P. S. :

Pour Luiza : Son single “Soleil Bleu”, devenu un phénomène en France et à l’international, lui permet de s’imposer comme une voix prometteuse de la scène francophone. Son style musical est un mix d’électro-pop tropicale et de musiques du monde.

Pour Zaz : Chanteuse populaire à l’énergie communicative et à la voix singulière, elle s'est fait connaître par son style mêlant jazz, chanson française et musiques du monde.

Bollywood

Affiche du film « Dilwale Dulhania Le Jayenge » 

Je ne sais pourquoi ce mot Bollywood me revient maintenant.

Cela me replonge dans mon passé, où, soignant un couple aimant avec deux garçons, âgés de 8 et 10 ans à l'époque, dont la femme, d’origine indienne, développa un cancer du sein. Pour digérer le coup, comme me le disait son mari désemparé : « elle regarde Bollywood toute la journée ».

On ne prend pas suffisamment en compte l’utilité du divertissement, parfois qualifié d’art mineur, lors de la survenue de graves maladies.

Quelque temps plus tard, après ma retraite, quelle ne fut pas, à ma grande satisfaction, la voir sortir du grand marché central de la Grande Ville au bras de son mari ; heureusement le traitement avait bien marché. De nos jours, les cancers du sein, je dis bien les cancers du sein, sont bien cadrés.

« Un peu de culture ne nuis pas, cela évite de mourir idiot... Et de passer pour un sot ».

Mais qu’y a-t-il de caché derrière ce terme Bollywood ?

Bollywood n’est pas qu’un simple mot, mais bien un phénomène culturel et social.

Il ne faut pas confondre Bollywood et Hollywood.

Bollywood, contraction de Hollywood et de la lettre B de Bombay (Mumbai en Inde, depuis 1995), constitue un phénomène relativement récent, le mot ayant été lancé par un journaliste indien dans les années 1970.

Le cinéma hindi, parfois surnommé Bollywood[1] et anciennement cinéma de Bombay (Bombay cinéma, désigne l'industrie du cinéma indien basée à Bombay, dont les films sont réalisés en hindi. Elle est l'industrie régionale la plus importante du cinéma indien en nombre de films réalisés. Ceux-ci, diffusés dans la majeure partie de l'Inde, s'exportent dans le monde entier, notamment en Asie du Sud-Est, en Afrique du Nord et au Moyen-Orient.

Bollywood se distingue par son mélange flamboyant de mélodrame, de chansons et de danses spectaculaires, souvent en toile de fond de récits centrés sur l’amour, la famille et les tensions entre tradition et modernité. Son esthétique haute en couleurs et son rôle social, à la fois miroir et acteur des transformations de l’Inde, en font un phénomène culturel majeur, aussi bien en Inde que dans la diaspora, où il véhicule valeurs, rêves et identités.

D’après mon IA Perplexity :

« Le film Bollywood le plus célèbre est « Dilwale Dulhania Le Jayenge » (1995)[2]. Ce film, réalisé par Aditya Chopra, avec Shah Rukh Khan et Kajol, est reconnu pour son succès phénoménal en Inde et à l'international, sa longévité exceptionnelle dans les salles de cinéma (projeté sans interruption pendant plus de 23 ans), ses scènes cultes et son impact durable sur la culture populaire indienne. ».

« Dilwale Dulhania Le Jayenge » raconte l'histoire de Raj et Simran, deux jeunes Indiens vivant en Europe, qui tombent amoureux lors d'un voyage, mais doivent surmonter les obstacles familiaux traditionnels quand Simran est promise à un autre en Inde, Raj tentant alors de conquérir sa famille pour pouvoir l'épouser avec leur bénédiction.​

Le trailer (la bande-annonce, restons Français !) du film :

Dilwale Dulhania Le Jayenge - Trailer

Et en bonus, « Mehndi Laga Ke Rakhna » la célèbre chanson indienne issue du film.

Dilwale Dulhania Le Jayenge - Mehndi Laga Ke Rakhna - Full Song

 

[1] Il existe d'autre cinémas indiens autres que Bollywood comme Tollywood, Kollywood...

[2] D'autres classiques souvent cités comme parmi les plus célèbres incluent : Sholay (1975), Devdas (2002), 3 Idiots (2009)...

Références :

 - Bollywood 

 - Cinéma hindi

 - Cite-moi le film bollywood le plus célèbre

- Les films Bollywood les plus populaires

 - Dilwale Dulhania Le Jayenge

 - Mehndi Laga Ke Rakhna

Soleil Bleu de Luiza et Bleu Soleil

 

Une petite page musicale.

Lors de mes ballades YouToubiennes je tombe parfois sur des pépites. Je vous livre la toute dernière.

Je m’aperçoit, avec stupéfaction que c’est le tube de l'été 2025.

Décidément je suis out of order d’être passé à côté de ce morceau.

La chanson "Soleil bleu" a été écrite par la chanteuse franco-brésilienne Luiza et le duo Bleu Soleil, composé de Nino Faerdig et Antonin Parmentier. Luiza a écrit les paroles tandis que Bleu Soleil a composé la musique. Cette chanson, sortie en single en avril 2025, est devenue un tube de l'été très populaire, notamment grâce à sa viralité sur les réseaux sociaux. Le morceau a été écrit dans le RER par Luiza et enregistré rapidement dans une chambre avec un micro de location. Le duo Bleu Soleil est connu pour un style mêlant électro, dub et reggae.

J'en suis tout ragaillardi.

Je vous laisse juge :

Bleu Soleil & Luiza - Soleil Bleu - Clip officiel

De l’intérêt des « Live » dans les chansons

 

Quoi de plus séduisant que de mettre un CD en route.

Quoi de plus engageant que d’écouter la version « Originale » d’une chanson.

Quoi de plus rassurant de toujours entendre la même mélodie avec les inflexions toujours au « Même » endroit.

Mais que de choses ratons-nous en n’écoutant pas les mélodies en Live. D’autant plus qu‘elles nous sont fournies gracieusement sur YouTube.

Je ne parle pas d’assister physiquement aux concerts : c’est inéluctablement le « Must » avec l’ambiance, la foule et le spectacle.

Les versions live sur YouTube ont cet avantage de pouvoir s’émerveiller justement sur les interprétations en Live variantes de concert en concert.

Dans mon article du 19/01/2024 : «  Les solos de guitares à partir de deux exemples : Sultans of swing et Hôtel California », j’aborde, déjà ce point de vue dans la variation au fil des concerts de ces fameux solos de guitare.

Aujourd’hui, je propose a votre sagacité, deux Live des Eagles dans leur « Hôtel California ».

La première, le Live de 1977 (celle que j’ai mis dans mon article cité).

L’autre, le Live de 1994.

La différence est le placement du solo de guitare dans la prestation musicale.

Dans la version de 1977, elle se trouve, classiquement, à la fin de la chanson.

Alors que dans celle de 1994 elle se trouve…

Comme une « mise en bouche » de 2 mn 11...

En tout début, un solo long de 2 mn 09 s et, bien évidemment, le solo final et toujours présent à la fin de la « Prestation ».

On passe, ainsi, d'un air de 6 mn 45 à... 10 mn 01 de pur bonheur.

Bonne dégustation.

La version de 1977 :

Eagles - Hotel California (Live 1977) (Official Video) [HD]

La version de 1994 :

Hotel California - Eagles - Live - 1994 (HD)

 

J'ai quand même une petite préférence pour le Live de 1977. Il faut dire qu'il est particulièrement bien filmé. Mais, aussi, une certaine magie se dégage entre le jeu des deux guitaristes et du public. visiblement la mayonnaise prend.

« Étonnant non » ? Comme le disait si bien l'humoriste Pierre Desproges dans sa « Minute nécessaire de Monsieur Cyclopède ».