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16/01/2023

Amy Winehouse : quelques airs de jazz

 

Cet article fait suite à mes deux articles sur Amy Winehouse :

 - 02/01/2023 : Amy Winehouse, sa vie et Back to Black.

 - 05/01/2023 : Quelques chansons remarquables d’Amy Winehouse.

Je clôture, ainsi, ma série Amy Winhouse.

Où l'on découvre Amy Winehouse en diva jazz.

J'avoue avoir un faible pour le premier air.

Quatre mois et demi après la disparition de la chanteuse soul, le 23 juillet 2011, sort un album posthume, entre reprises de standards et une paire d'inédits.

Il ne s'agit pas du troisième album de la Londonienne disparue mais d’un troisième album, après l'initial Frank (2003) et, surtout, le magistral Back To Black (2006). Partant, l'affaire s'adresse essentiellement aux fans de l'Anglaise tatouée et écorchée, qui retrouveront le chant groovy et brillant de leur protégée. Car de nouveaux morceaux d'Amy Winehouse il n'est ici que très peu question.

L'album s'ouvre avec l'élégant, groovy et limpide Our Day Will Come, reprise sur un mode reggae-pop d'une vieille romance (1963) signée Ruby & The Romantics, effectivement très 60's avec moult choeurs.


Amy Winehouse - Our Day Will Come

A l'image de sa version ultra jazzy du classique bossa nova The Girl From Ipanema enregistrée en 2002. Amy Winehouse, alors âgée de 18 ans, y fait montre de sa créativité et son ADN de grande chanteuse est manifeste.


Amy Winehouse - The Girl From Ipanema

Body And Soul, classique jazz parmi les classiques jazz, a été enregistré en duo avec le crooner Tony Bennett en mars 2011. C'est le tout dernier enregistrement de la chanteuse quatre mois avant sa mort.


Tony Bennett & Amy Winehouse - Body and Soul (from Duets II: The Great Performances)

 

Références :

 - Où l'on découvre Amy Winehouse en diva jazz

 - Le jour où Amy Winehouse et Tony Bennett ont partagé un duo ! (vidéo)

 - Tony Bennett revient sur la disparition d’Amy Winehouse

05/01/2023

Quelques chansons remarquables d’Amy Winehouse

 

Pour faire suite à mon précédant article : « Amy Winehouse, sa vie et Back to Black » voici quelques airs d’Amy Winehouse que je trouve, personnellement, remarquables.

Le premier morceau est extrait de son  premier album Frank.


Amy Winehouse - Fuck Me Pumps - 2003 - Vidéo Clip

Les autres le sont de son deuxième, et dernier, album Back to Black.

Bien évidemment le premier, et sublissime, Back To Black, succès planétaire avec, en 2008, cinq Grammy Awards et qui donna le titre de son deuxième, et dernier, album :


Amy Winehouse - Back To Black - Vidéo Clip

Rehab où elle y fait part d'une dépression subie en 2005 et d'une addiction à l'alcool. Rehab est une abréviation pour centre de désintoxication. Les "no, no, no" et les "go, go, go" répétitifs, avec sa sonorité jazzy, donnent une chanson époustouflante.


Amy Winehouse – Rehab - 2006 - Vidéo Clip

You Know I'm No Good dont la vidéo de You Know I'm No Good a été réalisée par Phil Griffin (qui a réalisé le vidéoclip de Rehab) et fera l'objet d'une émission sur le tournage du vidéoclip au Royaume-Uni. Dans cette vidéo, on retrouve Amy dans un bar avec des hommes, une chambre à coucher et un bain à bulles.


Amy Winehouse - You Know I'm No Good - Vidéo Clip

Love Is A Losing Game, qui est du Soul mais plus jazzy. Il a été choisi comme cinquième et dernier single de Back to Black et a également été le dernier single sorti du vivant de Winehouse.


Amy Winehouse - Love Is A Losing Game - Vidéo Clip

Et pour montrer son éclectisme en interprétant du Ska en reprenant des airs du premier album Specials du groupe The Specials daté de 1979.

D’abord Monkey Man qui est une reprise  d'une chanson de 1969 du groupe ska et reggae Toots and the Maytals qui est du Ska :


Amy Winehouse - Monkey Man - Live

Et You're Wondering Now :


Amy Winehouse – You're Wondering Now - Live


Références :

 - Fuck Me Pumps
 - Rehab
 - You Know I'm No Good
 - Back to Black
 - Love Is A Losing Game
 - Monkey Man

 - Amy Winehouse a raflé 5 récompenses aux Grammy Awards !

02/01/2023

Amy Winehouse, sa vie et Back to Black

Amy Winehouse et son Look (choucroute, eye-liner, Mèche blanche et tatouages)

 

Chut, ne le répétez pas, des fois que ma moitié l'entendrait...

Quand j'ai entendu, pour la première fois, "Back to Blak", je tombais, immédiatement, amoureux de cette chanteuse.

Un coup de foudre.

Mais je me repris bien vite, et une question me tarauda l'esprit : mais qui c'est cette voix, à quelle fille appartient-elle ?

D'où ma curiosité et mon article sur Amy Winehouse.

Amy JadeWine house est née le 14 septembre 1983 à Southgate, quartier juif de Enfield à Londres, dans une famille juive qui partage son amour du jazz. Elle est la fille de Mitch Winehouse, installateur de fenêtres puis chauffeur de taxi et de Janis Seaton, née à Brooklyn, préparatrice en pharmacie.

Son père chante souvent du Frank Sinatra à la maison et la jeune Amy prend l'habitude de chanter.

Son père quitte la famille en 1992, Amy et son frère vivant alors avec leur mère Janis. Elle devient une enfant rebelle, blessée par ce divorce.

À dix ans, elle fonde Sweet 'N' Sour, un éphémère groupe de rap, avec son amie d'enfance Juliette Ashby.

Elle obtient une bourse au Sylvia Young Theatre School. Elle en est expulsée à l'âge de quatorze ans, en raison d’un piercing nasal, mais aussi de son manque d'application en classe.

Elle signe en 2002 un contrat avec le label Island / Universal et avec l'entreprise 19 Management fondée par Simon Fuller et reçoit un salaire hebdomadaire de 250 £.

Elle devient une chanteuse habituelle du jazz au Cobden Club.

En 2003 Amy Winehouse s'installe à Camden, quartier connu pour ses excentricités où la vie nocturne est active. Amy sort beaucoup, boit et a une sexualité libérée ; elle est ce que l'on appelle une « ladette », mouvement social apparu dans les années 1990 qui désigne ces femmes de Londres libérées. Un peu comme les « Garçonnes » des années folles, les années 20.

Pour son malheur, elle rencontre Blake Fielder-Civil qui lui fera connaître l’usage des drogues et deviendra, même, son dealer pendant ses dernières tournées. Elle qui, déjà, était addict à l’alccol.

Quand Blake rejoint son ancienne petite amie, elle compose, de chagrin son second album Black to Black.

Elle sort son deuxième album, « Back to Black », en octobre 2006 au Royaume-Uni et en mars 2007 en France.

De cet album, elle raconte : « Après Frank, je n'ai plus écrit pendant dix-huit mois, mais lorsque j'ai rencontré Mark, j'ai écrit l'album en à peu près six mois — il était une telle source d'inspiration ». 

Blake étant revenu avec elle, le 18 mai 2007, Amy Winehouse épouse Blake Fielder-Civil à Miami en Floride

Cinq chansons de l'album Back to Black sont sorties en singles : Rehab (qui fait référence à ses refus («no, no, no») de se plier aux cures de désintoxication), You Know I'm No Good, Back To Black, Tears Dry on Their Own, et Love Is a Losing Game.

Back To Black a été universellement salué par la critique. Les critiques ont apprécié sa tonalité R&B/soul et jazz classique.

La sonorité et la force de sa voix, la font surnommée la Diva de la Soul.

Amy Winehouse est, aussi, connue pour son look :

 - Choucroute Une choucroute 60's C'est en 2006, lors de la sortie de son album " Back to Black " qu'elle a commencé à l'arborer. Une sorte d'hommage au groupe The Ronettes.

 - Son trait d'eye-liner

 - Tatouages au bras droit un qui représente une pin-up nommée Cynthia et une Mèche blanche (que portait sa grand-mère) pour rendre hommage à sa grand-mère paternelle Cynthia.

Outre son anorexie / boulimie, lors de l'émission britannique « The Album Chart Show », Amy Winehouse déclare qu'elle n'est pas alcoolique mais souffre de Trouble Bipolaire, ce qui explique, à la fois, ses variations de l’humeur et ses addictions à l’alcool et aux drogues.

Le 18 juin 2011, 1 mois avant sa mort, Amy Winehouse se produit en concert à Belgrade, en Serbie. Titubante, chantant faux, ce soir-là, sa performance est désastreuse, elle est huée par le public et une partie de celui-ci quitte le concert. Cela entraîna l’arrêt de sa tournée. Ce sera le dernier concert de sa carrière

En mars 2011 elle enregistre, 4 mois avant sa mort, dans les Studios Abbey Road, avec Tony Bennett "Body and Soul", un classique du jazz des années 30.

Le 23 juillet 2011 à 15 h 54, la chanteuse est retrouvée morte dans son appartement dans le quartier Camden Town à Londres110. L'autopsie pratiquée pour connaître les causes de sa mort révèle une surdose d'alcool (alcoolémie de 4,16 grammes par litre de sang.

Selon ses dernières volontés la cérémonie est une crémation qui a lieu au Crématorium Gilders Green du cimetière Edgwarebury dans le nord de Londres et au terme d'un office selon la tradition juive, elle avait souhaité que ses cendres soient mêlées à celles (actuellement conservées dans une urne dans l'Essex) de sa grand-mère Cynthia.

En 10 ans de carrière, Amy Winehouse meurt à 27 ans, ce qui la fait rentrer dans le Club des 27 (appelé aussi Forever 27 Club, 27 Club) qui est le surnom donné à un ensemble d'artistes célèbres du rock et du blues de Jim Morrison à Jimi Hendrix en passant par Janis Joplin qui ont comme point commun d'être morts à l'âge de 27 ans.

Le vidéoclip tourné en Angleterre en noir et blanc le 10 février 2007 a été dirigé par Gibson Gardens et Chesholm Road. Cette vidéo contient des scènes de service funéraires : Amy Winehouse y enterre son cœur. À la fin du clip, elle écrit un mot qui dit R.I.P The Heart of Amy Winehouse (traduction : Cœur d’Amy Winehouse, qu’il repose en paix).

La chanson Black to Black fait allusion, par ses idées noires, au suicide et à la mort ; d’où le cimetière, les corbillards, le petit cercueil et le son des cloches, dans un clip en noir et blanc, et en low Key, ce qui renforce l’aspect macabre de la vidéo.


Amy Winehouse - Back To Black - 2006


La Vraie Histoire d'Amy Winehouse

 

Références :

 - Amy Winehouse

- Amy Winehouse : ces 5 marques de fabrique qui ont fait d'elle une icône

 - Amy Winehouse (1983-2011) - La diva déjantée de la soul laisse ses admirateurs dans le deuil

 - Amy Winehouse a été incinérée, son dernier amour s'est enfin exprimé...

 - Back to Black

 - Club des 27

 - Les bases de la photo : High-key et Low-Key

Nota : Petite réflexion macabre et, peut être, un peu, déplacée : si l’on traduit Winehouse on obtient, littéralement, maison de vin.

29/12/2022

Linda de Suza est décédée le mercredi 28 décembre du COVID-19

 

La chanteuse franco-portugaise Linda de Suza est décédée le 28 décembre 2022 à Gisors des suites du COVID-19 à l’âge de 74 ans.


O Malhão Malhão - Linda De Suza

P. S. : Le Malhão est une danse en cercle Portugaise et chantée. C’est aussi une chanson ayant comme base un fado.

15/12/2022

Mon beau sapin… Roi des forêts


Crédit Photo - Archives Personnelles


Une photo prise, aujourd’hui, place de l’hôtel de ville.

Le Maire de la Grande Ville étant écolo, depuis l’année dernière, c’est un sapin en verre qui trône face à la cathédrale.

10/12/2022

Les Branquignols, Ah ! Les belles bacchantes et La Léopolda

 

Dans les années 40 à 50, Francis Blanche fait partie de la troupe Les Branquignols de Robert Dhéry, avec qui il joue dans le film, réalisé par Jean Loubignac en 1954, "Ah ! les belles bacchantes"*, en 1953. Dans ce film Francis Blanche à écrit la chanson "La Léopolda".

"Ah ! les belles bacchantes" rentre dans la catégorie des films burlesques.

Les Branquignols sont une troupe de comédiens créée par Robert Dhéry et Colette Brosset et active des années 40 jusqu'aux années 70.

La plupart de ses membres étaient à la fois comédiens, musiciens et chansonniers : on y comptait notamment Louis de Funès, Jean Lefebvre, Jean Carmet, Jacqueline Maillan, Michel Serrault, Micheline Dax, Christian Duvaleix, Pierre Olaf, Jacques Legras, Robert Rollis, Roger Caccia, Pierre Tornade, Annette Poivre, etc.

Certains des spectacles des Branquignols ont été adaptés au cinéma, dans des films la plupart du temps réalisés par Robert Dhéry.

La bande annonce et trois extraits de « Ah ! les belles bacchantes ». Dans la deuxième vidéo on peut reconnaître Louis de Funès et Michel Serrault.

La chanson La Léopolda.

*Dans ce sens là, bacchantes désigne les moustaches.

 

Références :

 - Les branquignols

 - Ah ! Les belles bacchantes

 - Francis Blanche

 - Un coté méconnu de Francis Blanche : Le parolier

08/12/2022

La chanson « Fleur d'épine »

 

Pour faire suite à mon article précédant, encore un article sur la musique.

En effet, dans mon précédant article : « Marie-Emmanuelle Bayon Louis - Ouverture de "Fleur d'épine" », j’évoque l’Ouverture de "Fleur d'épine, œuvre de Marie-Emmanuelle Bayon Louis.

Mais ce dont il s’agit, dans cet article, c’est la chanson Fleur d'épine.

Fleur d'épine fait partie de nombreuses chansons traditionnelles françaises.

De tous temps, pour aider les longues marches militaires, il y a eu des chansons. Encore une aujourd'hui : Fleur d'épine. Elle date des batailles napoléoniennes, oui ! Mais elle est revenue à la mode juste après la dernière guerre en 1945. Et oui, dès que les soldats ont recommencé à chanter.

J’évoque, d’ailleurs, cela dans mon article du 01/03/2021 : « Saint-Lys Radio » a propos du chant marin et scout : « Hardi les Gars ».

Fleur d'épine est devenue, maintenant, une chanson scout.

Petit aparté : Le scoutisme (de l'anglais scout, lui même issu du vieux français « escoute » signifiant éclaireur) est un mouvement de jeunesse mondial créé par Lord Robert Baden-Powell, un général britannique à la retraite, en 1907, à Brownsea. Aujourd'hui, le scoutisme et le guidisme comptent plus de 38 millions de membres dans 217 pays et territoires, de toutes les religions et de toutes les nationalités, représentés par plusieurs associations scoutes au niveau mondial.

Mais elle a été reprise de différentes façons avec des chanteurs différents

En voici quelques interprétations :


Fleur d'épine - Chorale Scout d'Europe de Paris

Une interprétation de ce chant plus militaire, voire une interprétation par la légion, vu le rythme lent, (Voir, à ce propos, mon article du 24/06/2020 : « Le sang et le boudin ») :


Fleur d'épine - Chants scouts


Dorothée - Fleur d'épine - Discopuce – Le jardin des chansons - Comptine pour enfant

Une superbe interprétation de Nana Mouskouri :


Fleur d'épines Nana Mouskouri


Fleur d’épine – Guy Béart

07/12/2022

Marie-Emmanuelle Bayon Louis - Ouverture de "Fleur d'épine"


           Marie-Emmanuelle Bayon Louis


Une petite page musico-culturelle.qui illustre, à souhait, mon aphorisme : « Un peu de culture ne nuit pas, cela évite de mourir idiot ».

Les femmes composotrices sont très rares dans l’histoire de la musique.

Cet article concerne une femme compositrice à cheval entre le XVIII et le XIX ème siècle. Il s’agit de Marie-Emmanuelle Bayon Louis et plus particulièrement sa composition : l’Ouverture de "Fleur d'épine".

Marie-Emmanuelle Bayon Louis me rappelle, un peu, Madame Lavoisier dont je parle dans mon article : « Monsieur ET Madame Lavoisier » . En effet, Marie-Emmanuelle Bayon Louis était la femme d’un homme célèbre : l'architecte Victor Louis, et, comme Madame Lavoisier, elle tenait salon.

Marie-Emmanuelle Bayon Louis (6 juin 1745, Marcei - 29 mars 1825, Aubevoye) était une compositrice, pianiste et salonnière française. Les contemporains ont crédité Mlle Bayon (ou Baillon) pour avoir rendu le piano-forte populaire en France. En 1770, elle épouse l'architecte Victor Louis (qui a construit, entre autre, le grand théâtre de Bordeaux). Ses œuvres survivantes sont, comme Bayon, une collection de six sonates pour clavier, dont trois avec accompagnement de violon, opus 1 (1769), et, comme Louis, l'opéra-comique en deux actes, Fleur d'épine ("May-Flower "), créée en 1776. D'autres œuvres discutées de son vivant comprennent de la musique de chambre instrumentale et des opéras-comiques, ainsi que de la musique pour La fête de Saint Pierre jouée en 1771.

L'Académy of Ancient Music interprète l'Ouverture de 'Fleur d'épine' ("May-Flower") [1776] de Marie-Emmanuelle Bayon Louis (1745 - 1825). AAM est dirigé par Bojan Cicic et dirigé par Christopher Bucknall au clavecin. Compositeur, pianiste et salonnière - https://fr.wikipedia.org/wiki/Femmes_et_salons_litt%C3%A9raires_en_France - français, les œuvres survivantes de Marie-Emmanuelle Bayon Louis comprennent une collection de six sonates pour clavier, dont trois avec accompagnement de violon, opus 1 [1769], et l'opéra-comique en deux actes, Fleur d'épine ("Mai-Fleur") [1776.


Marie-Emmanuelle Bayon Louis - Overture to 'Fleur d'épine' [1776] | Academy of Ancient Music

 

Référence :

 - Marie Emmanuelle Bayon Louis

25/11/2022

Le piano Honky tonk

 

En l’honneur de mon adage « ‘un peu de culture ne nuit pas, ça évite de mourir idiot », une petite page de culture musicale.

Le piano honky tonk est fortement inspiré du ragtime. Le ragtime se caractérise par les polyrythmies héritées des musiques africaines. La main gauche du pianiste y joue les notes basses, pendant que la main droite joue une mélodie syncopée. L'auditeur perçoit donc la musique comme s'il y avait un décalage entre les deux phrases musicales qui se superposent.

Le piano honky tonk est donc basé sur le même principe, si ce n'est que la mélodie y occupe une place moins importante. En effet, nombre de pianos présents dans les bars tonks étaient désaccordés, ou avaient perdu des touches.

Plus tard, le ragtime et le tonk inspireront le style boogie-woogie.


Maple Leaf Rag on a Real honky tonk piano - Lord Vinheteiro

 

Référence :

 - Piano honky tonk

02/11/2022

Luis Mariano le « prince de l’opérette »


Luis Mariano dans le chanteur de Mexico


Après mes deux derniers articles, plutôt tristes et macabres, actualité oblige, sur Halloween (« Les chansons les plus utilisées lors des cérémonies de crémation en France ») et la Toussaint (« La mort numérique et le cimetière numérique »), voici un article musical futile, si tant est que la musique soit futile, un article gai, traitant d'une musique « facile ».

Son sujet : Luis Mariano, le « prince de l’opérette ».

C’est en relisant mon article du 24/09/2022 : « Historia de un amor » où je cite Luis Mariano, dans une interprétation de cette chanson, que l’idée m’est venue d’un tel article.

Oui, cela m'arrive, parfois, de relire mes vieux articles. Cela me permet de faire des correction, de refaire des liens disparu, de remettre des images, voire de corriger des vidéos disparues. Un Blog, c'est comme un ordinateur (ou une voiture) ça s'entretient. Un blog non entretenu est un Blog mort il devient, alors, un cimetière numérique (Confer, toujours, mon article :« La mort numérique et le cimetière numérique »). 

Luis Mariano, c'est, avant tout, une voix, et quelle voix !

Mariano Eusebio González y García, dit Luis Mariano, né le 13 août 1914 à Irun (province de Guipuscoa, Espagne) et mort le 14 juillet 1970 à Paris, est un ténor et chanteur d’opérette basque espagnol, qui a connu une très grande popularité en Amérique latine, en France, en Espagne et au Québec. Outre l'espagnol et le français, il parlait couramment le basque, sa langue maternelle, et a toujours assumé ses origines basques.

Il accède à la célébrité en 1945 grâce à La Belle de Cadix, opérette de Francis Lopez ou encore Le Chanteur de Mexico. Il devient alors, à la scène comme au grand écran, le « prince de l’opérette ».

Ces deux opérettes sont des spectacles de musique « facile », mais de qualité, tout comme le fait André Rieu dans ces spectacles permettant de vulgariser la musique (confer mon article du 01/03/2022 : : « André Rieu : La qualité du son et de la mise en scène »).

Rappelons que l’opérette est un genre musical mêlant comédie, chant et généralement danse.

Apparue au milieu du XIXe siècle, elle se situe dans la lignée commune du théâtre et de la musique classique qui avait donné naissance aux siècles précédents au ballet, à l'opéra, à l’opéra-comique et à l'opéra bouffe ; elle est à l'opéra comique ce que le vaudeville est à la comédie.

Elle inspirera au XXe siècle la comédie musicale, laquelle se dissociera à partir des années 1910 du genre classique par l'intégration de musiques « nouvelles » comme le jazz venues des États-Unis.

Le Chanteur de Mexico est une opérette en 2 actes et 20 tableaux, sur une musique de Francis Lopez, un livret de Félix Gandéra et Raymond Vincy, et des paroles de Raymond Vincy et Henri Wernert, créée au théâtre du Châtelet à Paris le 15 décembre 1951.

Le spectacle est adapté à l'écran en 1956, par Richard Pottier, sous le même titre. La chanson titre Mexico demeure l'une des plus connues de Luis Mariano et de la chanson française, avec son célèbre contre-ut final.

Le Chanteur de Mexico est une opérette en 2 actes et 20 tableaux, sur une musique de Francis Lopez, un livret de Félix Gandéra et Raymond Vincy, et des paroles de Raymond Vincy et Henri Wernert, créée au théâtre du Châtelet à Paris le 15 décembre 1951.

Le spectacle est adapté à l'écran en 1956, par Richard Pottier, sous le même titre. La chanson titre Mexico demeure l'une des plus connues de Luis Mariano et de la chanson française, avec son célèbre contre-ut final.

La Belle de Cadix est une opérette française, livret de Raymond Vincy et Émile Audiffred, paroles de Maurice Vandair et Marc-Cab, musique de Francis Lopez, Paul Bonneau et Maurice Vandair, créée à Paris le 19 décembre 1945 au Casino Montparnasse, avec dans le rôle principal Luis Mariano. Le chef d'orchestre était Jacques-Henry Rys.


La belle de Cadix - Luis Mariano & Carmen Sevilla

 

Références :

 - Luis Mariano

 - Opérette

 - La Belle de Cadix

 - Le Chanteur de Mexico

31/10/2022

Les chansons les plus utilisées lors des cérémonies de crémation en France


Crémation


En ce jour d’Halloween[1], je vous propose un article musical un peu spécial.

En effet, pour la Toussaint, il est d’habitude d’aller fleurir, avec des chrysanthèmes, la tombe familiale.

C’est, d’ailleurs, la meilleure période pour déambuler dans les allées des cimetières adornées, pour l’occasion, de toutes les couleurs[2].


Cimetière fleuri pour la Toussaint

Mais, de plus en plus, surtout pour des raisons budgétaires (il faut payer une concession pour la tombe) l’enterrement est, de plus en plus, remplacé par la crémation.

Un petit à parté.

Pour l'anecdote, depuis quelques jours, une société de pompes funèbres parisienne espère casser les codes des obsèques traditionnels, en les modernisant, avec sa « Corbicylette ». L’idée est simple : Remplacer l’incontournable corbillard à moteur thermique par un véhicule écologique, silencieux et furieusement à la mode : le vélo.


Fabriquée à Nantes, la Corbicyclette n'est, pour le moment, disponible qu'en région parisienne

Mais revenons en à notre article.

A l'occasion de la Toussaint, France Info a contacté des établissements de pompes funèbres, partout en France, pour connaître les titres les plus diffusées lors des cérémonies précédant une crémation.

La Montagne, de Jean Ferrat est l'une des chansons les fréquemment citées.


La montagne - Jean Ferrat


Le Paradis Blanc, de Michel Berger, est un autre incontournable.


Michel Berger - Le Paradis Blanc

Mon Vieux, de Daniel Guichard : Encore un classique.


Daniel Guichard - Mon Vieux

Parler à mon père, de Céline Dion.


Céline Dion - Parler à mon père

Puisque tu pars, de Jean-Jacques Goldman.


Jean-Jacques Goldman - Puisque tu pars

Une place à par, dans le registre classique, pour l’Adagio de Tomaso Albinoni, un musicien contemporain de Vivaldi, a été exhumé au XXe siècle. L'Adagio a les faveurs du grand public depuis les années 1960 après avoir été utilisé dans plusieurs films et repris par le groupe The Doors.


Tomaso Albinoni - Adagio


The Doors - Albinoni's Adagio In G Minor

Pour l’Ave Maria, ce chant aux innombrables versions, est souvent demandé "quand les gens ont des sensibilités religieuses".


Schubert - Ave Maria

Parfois, des chansons rythmées (pour ne pas renchérir dans la tristesse) comme Hells Bells, d'AC/DC. Ce classique du rock, du groupe australien, a très souvent été signalé, avec notamment son introduction marquée par des cloches.


AC/DC - Hells Bells

Enfin, pour finir, il y a une chanson qui, dans ce contexte, peut paraitre lugubre et lourde : Allumer le feu, de Johnny Hallyday très demandée au moment du départ du cercueil pour la crémation.


Johnny Hallyday - Allumer Le Feu

Célébrer ses morts n’empêche pas l’humour. Un petit sketch de Jean-Yves lafesse.

[1] En France, Halloween est célébré la veille de la Toussaint, où il est coutume de fleurir la tombe des défunts.

[2] La grand mère de mon premier beau frère tenait un magasin de fleur jouxtant un cimetière. La Toussaint représentait, avec sa copine gazonnière, une part non négligeable de leurs chiffre d’affaire. A cette occasion, de la famille venait lui donner un coup de main, et mon premier beau frère tenait la comptabilité.

 

Références :

 - "Halloween 2022 : Pourquoi célèbre-t-on cette fête à la veille de la Toussaint ?"

 - "Puisque tu pars", "Ave Maria", "Allumer le feu"... Quelles sont les chansons les plus jouées dans les crématoriums ?

- "« Insuffler un peu de douceur et de modernité… » Le premier corbillard à vélo débarque à Paris"

21/10/2022

The Arrival of the Queen of Sheba - George Frideric Handel - Lucie Horsch, Charlotte Barbour-Condini avec l’Academy of Ancient Music sous la direction de Bojan Čičić


Handel: "Arrival of the Queen of Sheba" from Solomon, HWV 67


Un article facile, en attente d’un article culinaire à venir. Il est en train de chauffer sur mon clavier.

Facile, facile, c'est vite dit !

Tout compte fait, Il m'a demandé pas mal de temps à rédiger et mettre en page. Sans compter la mise en ligne.

Une musique un peu plus sérieuse que celle de mon précédant article : "Gims en quête d’originalité, ou comment s'"inspirer" des autres".

Lucie Horsch interprète un tout nouveau single "L'arrivée de la reine de Saba" d’Haendel où elle est avec Charlotte Barbour-Condini sur la deuxième flûte à bec avec l’Academy of Ancient Music sous la direction de Bojan Čičić.

C'est un transcription, pour flûte à bec, de cette œuvre d’Haendel. 

L'Arrivée de la reine de Saba, sinfonia pour deux hautbois et cordes de Georg Friedrich Haendel créée à Londres le 17 mars 1749, en tant que première scène de l'acte III dans l'oratorio Solomon. L'un des derniers des nombreux oratorios de Haendel, Salomon est rarement joué dans son intégralité, mais l'interlude lumineux et vivant de Haendel "L'arrivée de la reine de Saba" est une pièce processionnelle largement appréciée. Il était souvent (et continue d'être) joué lors des cérémonies de mariage. Une représentation publique remarquée de la pièce a eu lieu lors des cérémonies d'ouverture des Jeux olympiques de Londres 2012.

Pour la petite histoire, Lucie Horsch s’est fait connaître, en 2008, à l'âge de neuf ans, en jouant, à Amsterdam, au Prinsengrachtconcert, et retransmis à la télévision néerlandaise, dans la Cinquième Danse hongroise de Johannes Brahms.

Confer mon article du 18/08/2017 : "Prinsengrachtconcert - Lucie Horsch - Danse Hongroise N° 5 de Brahms".

Si cet article vous a plu, si vous voulez découvrir une autre facette de Lucie Horsch, notamment le Jazz et le Tango, jetez un coup d’œil à cet article : "Fifteen Questions Interview with Lucie Horsch".

Le site Facebook de Lucie Horsch c'est ICI.

Pour finir, la version "originale" de l'arrivée de la reine de Saba avec deux hautbois, toujours avec l'Academy of Ancient Music dirigée par Bojan Čičić.

On remarquera que, pour ces deux interprétation, avec les deux flûtes à bec et les deux hautbois, les tempos son les mêmes.

On sent bien la patte de Bojan Čičić qui reste fidèle à lui même.


Haendel  - Arrival of the Queen of Sheba - Academy of Ancient Music

20/10/2022

Gims en quête d’originalité, ou comment s'"inspirer" des autres

 


Quand j’ai entendu, pour la première fois le "Miami Vice"[1] de Gims, je me suis dit : "C’est pas mal du tout". Mais si la mélodie me plaisait bien celle-ci me rappelait une autre chanson...


Gims - Miami Vice (Clip Officiel)

Mais laquelle ?

J’ai trouvé la réponse sur mon ami Wiki :

La chanson Miami Vice est largement inspirée de la chanson Self Control interprétée par Laura Branigan, de style new wave, parue sur l'album du même nom Self Control sorti en 1984 (38 ans déjà ! Dieu, c'était hier ! J'étais jeune !). La chanson a été enregistrée la même année avec les mêmes paroles en anglais par le chanteur italien Raffaele Riefoli alias Raf, qui a coécrit le morceau avec Giancarlo Bigazzi et Steve Piccolo dans un style plus italo-disco adapté aux discothèques.

Cela a grandement facilité la tâche de Gims.


Laura Branigan - Self Control (Official Music Video)


Raf - Self control (Official Video)

Là où ça devient intéressant, c’est dans la chanson suivante,  sortie le 23 août 2019, "Reste", interprétée par Gims et Sting.

On peut se dire, après la reprise de Self control en Miami Vice, que vient faire Sting ici.

Je dois reconnaitre, cependant, que la mélodie est pas mal du tout.


Gims & Sting - Reste (Clip Officiel)

Il faut dire que Sting affiche, depuis ses débuts, un nombre impressionnant de duos (Eric Clapton, Tina Turner, Craig David, Cheb Mami, Mylène Farmer).

Références :

 - Sting : cinq collaborations qui ont compté dans sa carrière

 - Les plus beaux duos de Sting

 

[1] Pour Miami Vice, Gims s’est, une fois de plus, inspiré de la série américaine Miami Vice (Deux flics à Miami). On le voit dans la vidéo avec les belles voitures et celles des policiers.


Générique de Deux Flics à Miami (Miami Vice) - Jan Hamme – 1984

Mais ce n’est pas fini !

Gims et Vianney sont accusés de plagiat par la réalisatrice belge Charlotte Abramow pour le clip La Même. À l'occasion de la journée internationale des droits des femmes du 8 mars 2018, elle avait diffusé une réalisation d'un clip nommé "Les Passantes" de Georges Brassens avec lequel celui de "La Même", selon elle, présentait de nombreuses ressemblances. Elle déclare ainsi : "[ce clip reprend]  la même structure, la même esthétique, les mêmes décors aux couleurs pastel et surtout les mêmes types de portraits".


Georges Brassens - Les passantes - Charlotte Abramow


GIMS - La Même - Vianney (Clip Officiel)

Allez, pour finir, un bon vieux Sting de 1988 :


Sting - Englishman In New York - 1988

06/10/2022

(Ghost) Riders in the Sky: A Cowboy Legend

 


Un article musical comme je les aime.

Une comparaison entre « diverses » interprétations d’une même chanson.

Aujourd’hui : (Ghost) Riders in the Sky : A Cowboy Legend.

(Ghost) Riders in the Sky : A Cowboy Legend est une chanson américaine de country et western

Stan Jones, qui est considéré comme l'auteur de cette chanson, travaillait comme garde forestier pour le service des parcs nationaux de la Vallée de la Mort en Californie et il composait des chansons. Il l'a enregistrée et sortie en 1948. La mélodie de (Ghost) Riders in the Sky : A Cowboy Legend est basée sur une autre chanson bien connue, When Johnny Comes Marching Home.

La chanson est devenue un standard de musique cow-boy. Elle a été reprise par de nombreux artistes célèbres, parmi lesquels Les Compagnons de la chanson, Burl Ives, Bing Crosby, Tom Jones, Vaughn Monroe, Peggy Lee, Gene Autry, Johnny Cash, et Youn Sun Nah sur son album Lento. 


Ghost Riders in the Sky - Original - Stan Jones (1948)


Riders in the Sky – Johnny Cash


The Shadows - Riders In The Sky


Les cavaliers du ciel - Les Compagnons de la Chanson


Bing Crosby - Ghost Riders In The Sky


Tom Jones - (Ghost) Riders in the Sky - This is Tom Jones TV show 1969


1949 - Hits Archive : Riders In The Sky - Peggy Lee


Ghost Riders in the Sky - Youn Sun Nah


Vaughn Monroe - Riders in the Sky - 1965 concert performance


Ghost Riders in the Sky (Guitar instrumental)

Comme il est dit en introduction, Ghost in the Sky est, "fortement", inspiré d’une chanson de la guerre civile Américaine.


When Johnny Comes Marching Home - A Song Of The American Civil War

 

Référence :

 - (Ghost) Riders in the Sky: A Cowboy Legend

24/09/2022

Historia de un amor

 


Historia de un amor (Histoire d'un amour pour la version française) est une chanson de type boléro dans laquelle un homme se rappelle un amour passé, écrite en 1955 par l'auteur panaméen Carlos Eleta Almarán inspiré par la récente mort de la femme de son frère.

Rapidement un succès, elle devient également la bande-son du film mexicain de 1956, « Historia de un amor », avec l'actrice Libertad Lamarque. Si la chanson parle d'un amour disparu, certains y lisent que l'amour est un sentiment pérenne pour les femmes et qu'il n'est que passager pour les hommes. 

Cette chanson est devenue un grand succès chanté par plusieurs grands chanteurs de tout genres confondus tels que des artistes comme Dalida (1957, en français), Luis Mariano (1957 et 1958, en français), Eydie Gormé & Trio Los Panchos, Mina, Pérez Prado (mambo instrumental), Manuel Ruiz Tello, Nicola Di Bari, Abbe Lane, Julio Iglesias, Angélica María, Nana Mouskouri, Roberto Galbès, Dizzy Reece, Pedro Infante, Luz Casal, Luis Miguel, Lili Boniche, Dany Brillant, Zaz,Cesária Évora, Tony Glausi ou encore Agnès Jaoui.

J’ai découvert « Historia de un amor » en tombant sur l’interprétation de cette chanson par Guadalupe Pineda, sans savoir toute l’histoire de cette chanson aux multiples interprétations.


Guadalupe Pineda - Historia De Un Amor

La version originale de Libertad Lamarque.


Historia De Un Amor - Libertad Lamarque (Original Version 1955 )

Quelques interprétations, dans le désordre, parmi les plus belles interprétations de Historia de un amor que j’ai pu écouter.


Luz Casal - Historia de un Amor


Hélène Ségara - Historia de un amor


Julio Iglesias - Historia de un amor


Luis Mariano - Historia de un amor


Trio Los Panchos - Historia de un amor


Dalida - Histoire d'un amour (Historia de un amor)


Historia De Un Amor - Nana Mouskouri

21/09/2022

Autopsie de la mort de Bob Marley

 

Dans mon article du 03/03/2022 - "Une brève histoire du Reggae, hommage à Bob Marley", J’évoque la mort de Bob Marley.

Maintenant, un peu de médecine, qu’est ce qui a tué vraiment Bob Marley ?

Pratiquons l’autopsie de la mort de ce pape du reggae qu’était Bob Marley.

Le 9 mai 1977, une blessure au gros orteil, faite en jouant au football, se rouvre lors d’un match amical à l’hôtel Hilton de Paris. Un médecin lui suggère des analyses. En juillet 1977, Marley révèle avoir un mélanome sous l’ongle d’un orteil, le terme médical exact est un mélanome acrolentigineux, un mélanome rare qui ne représente que 8 % des mélanomes, c'est un mélanome de très mauvais pronostic, car diagnostiqué tardivement.

Marley a refusé l’amputation de son orteil, en raison de ses croyances religieuses, car la religion rastafari interdit toute amputation. Finalement, un médecin de Miami lui retire uniquement le lit unguéal, croyant à tort arrêter la progression du cancer.

En 1980, après une perte de connaissance lors d’un jogging à Central Park à New York, Bob Marley fait un bilan qui met en évidence cinq tumeurs, trois au cerveau, une aux poumons et une à l’estomac : son cancer s’est généralisé. Bob Marley subit des séances de radiothérapie et de chimiothérapie au Memorial Sloan-Kettering Cancer Center de New York qui lui font perdre ses dreadlocks .

Il part cinq jours plus tard pour la clinique Ringberg à Rottach-Egern, en Bavière, où il suit un traitement anticancéreux controversé avec le docteur Josef Issels, spécialiste allemand en médecine holistique qui prend en charge les cancéreux en phase terminale considérés comme perdus par la médecine traditionnelle.

Huit mois plus tard, Marley monte à bord d’un avion pour finir ses jours dans sa maison en Jamaïque. Alors qu’il volait de l’Allemagne vers la Jamaïque, ses fonctions vitales se sont dégradées. Après l’atterrissage à Miami, il a été emmené à l’hôpital pour des soins médicaux immédiats. Bob Marley est mort le 11 mai 1981 vers 11 h 45 au Cedars of Lebanon Hospital à Miami (aujourd’hui Université de Miami Hospital) à l’âge de 36 ans.

Il est enterré le 21 mai à Saint Ann, en Jamaïque.

C’est sont mélanome acrolentigineux métastasé qui a causé sa mort.

Moralité :

Si Bob Marley avait été opéré d’une amputation de son orteil  en 1977, lors de la découverte de son mélanome acrolentigineux, il ne serait, peut-être, pas mort à l’âge de 36 ans.

Un reportage exceptionnel de 42 minutes qui décortique la cause réelle de la mort de Bob Marley, grâce, entre autre, à l’intervention d’un médecin légiste américain.

L'enterrement de Bob Marley le 21 mai 1981 :


Références :

 - « Connaissez-vous la cause du décès de Bob Marley à l’âge de 36 ans ? »

 - « Le développement d'un mélanome de la peau »

 - « Mélanome acrolentigineux »

19/09/2022

La petite histoire de la brebis Dolly, le premier mammifère cloné

 

Je suis en train de dévorer un super livre d’histoire de la médecine que j'ai emprunté à la bibliothèque de la Grande Ville.

Il s’agit, tout simplement, de « L’histoire de la médecine pour les nuls ».

Ce live est remarquable, car s’il aborde l’aspect de la démarche « scientifique » en médecine jusque dans les années 2000, il raconte, comme je l’adore, des petites histoires qui ont émaillés les découvertes médicales.

Je n’en veux pour preuve que la naissance de Dolly.

Le 5 juillet 1996, Ian Wilmut et Rudolf Jaenish ont annoncés la naissance, au Roslin Institute d’Edinbourg, d’une brebis qu’ils ont appelée Dolly.

Elle avait, comme particularité, d’être le clone de sa mère et de ne pas avoir nécessité la présence d’un père biologique pour être conçue.

Au sens scientifique, le clonage est l'obtention d'un être vivant génétiquement identique à l'original qui a fourni son génome.

Dans la nature, le clonage n'est rien de plus qu'un mode de reproduction parmi tous ceux à la disposition des êtres vivants. C'est même le plus répandu puisqu'il concerne toutes les cellules procaryotes (division), presque tous les eucaryotes unicellulaires (mitose) à l'exception de ceux qui pratiquent la reproduction sexuée (faisant intervenir la méiose), mais également de nombreux végétaux et animaux multicellulaires.

Le 2 avril 1996, Ian Wilmut et Keith Campbell, deux chercheurs écossais chez PPL Therapeutics en Écosse, réalisent une manipulation génétique à partir de cellules de glande mammaire de la brebis adulte Geniees. Son noyau cellulaire est transplanté dans l'ovule énucléé d'une autre brebis, nommée Belinda. 277 cellules-œufs sont créées ; elles donnent naissance à environ 30 embryons. Un seul d'entre eux se développe jusqu'à l'âge adulte. Pour la première fois, un être viable issu de cette technique de clonage survit.

Ces recherches sont importante car elles font progresser les connaissances en biologie cellulaire et en génétique non sans poser quelques problèmes sur la biologie appliquée à la médecine de la reproduction.

La petite histoire de Dolly :

La petite histoire de Dolly, m'a été donnée par « L’histoire de la médecine pour les nuls ».

Ian Wilmut et Keith Campbell, les deux chercheurs écossais chez PPL Therapeutics, qui ont réalisé cette manipulation génétique, appellent la brebis « Dolly » en hommage à Dolly Parton, chanteuse américaine de country, dotée d'une poitrine avantageuse, car le clonage a été réalisé à partir de cellules de glande mammaire.


Dolly Dolly Parton - I Will Always Love You - 1974

P. S. : Dolly Parton a dédiée I Will Always Love You, à Porter Wagoner pour lui dire à quel point elle l'aime et pour le remercier, cette chanson mondialement connue fut reprise par Whitney Houston.

 

Références :

 - L’histoire de la médecine pour les nuls 

 - L'Incroyable Histoire de la médecine - 2e édition du professeur Jean-Noël Fabiani

 - Clonage

 - Histoire brebis dolly

 - Dolly Parton

12/09/2022

Voyager Golden Record


Voyager Golden Record - The Sounds of Earth


En me baladant sur mon copain YouTube, je suis tombé sur la vidéo en fin d’article : « Les sondes Voyager : ce qu’il restera de l’humanité si la Terre disparaît ».

Le sujet : le Voyager Golden Record.

Les deux sondes Voyager, comme les sondes Pioneer 10 (1972) et 11 (1973) qui les ont précédées, transportent, de manière symbolique, un message tentant de résumer quelques éléments-clés sur l'humanité. Ces informations sont gravées sur un disque de cuivre : le Voyager Golden Record.

Le disque d'or de Voyager (ou Voyager Golden Record) est un disque intitulé The Sounds of Earth (« Les sons de la Terre ») et embarqué dans les deux sondes spatiales Voyager, lancées en 1977, servant de « bouteille à la mer interstellaire » destinée à d'éventuels êtres extraterrestres.

D'un diamètre de 30 centimètres, il comprend de nombreuses informations sur la Terre et ses habitants, sélectionnées par un comité présidé par l'astrophysicien Carl Sagan, sous forme d'images et de sons, dressant un portrait de la diversité de la vie et de la culture terrestre : photographies de la terre, d'humains, de la nature, enregistrements sonores de bruits du vent, du tonnerre, d'animaux, de cris de nourrisson, d'extraits de textes littéraires et de musique classique et moderne.

Les données, sélectionnées par un comité présidé par l'astrophysicien Carl Sagan. Au programme on peut découvrir des classiques de Glenn Gould, de Louis Armstrong, de Chuck Berry, de Johann Sebastian Bach, de Igor Stravinsky.....

Le disque est accompagné du stylet permettant sa lecture, et d'une source d'uranium 238 (choisi pour sa période radioactive de l'ordre de 4,5 milliards d'années) permettant de déterminer le temps écoulé depuis le lancement.

La NASA estime que le disque (et la sonde elle-même) survivront plus longtemps que la Terre et le Soleil.


Les sondes Voyager : ce qu’il restera de l’humanité si la Terre disparaît

P. S. : on peut même acheter le Voyager Golden Record sur Amazon!

 

Références :

 - Programme Voyager

 - Voyager Golden Record

 - Un coffret collector en édition limitée pour Voyager Golden Record en Triple Vinyle LP et CD, 40th anniversary NASA

10/09/2022

La reine Elizabeth II est morte, vive le Roi Charles III


Charles III – Le nouveau roi du Royaume-Uni


Après la mort de la reine Elizabeth II

On ne jouera plus le God save the Qeen. C’est à la cathédrale Saint-Paul de Londres que s’est tenue la première cérémonie religieuse en hommage à la reine Elizabeth II, décédée ce jeudi 8 septembre 2022.

Mais le God save the King. Le Royaume -Uni à un nouveau roi : Charles III.

 

P.S. :

 - God save the King

 - L’Hymne national de la Grande Bretagne et sa petite histoire

26/08/2022

Red Red Wine


Red Red Wine - Neil Diamond - 1968


Cela fait bien longtemps que je n’avais abordé le domaine de la chanson.

Comme vous le savez, je m’intéresse beaucoup à l’histoire (on a beaucoup d’histoires à apprendre de l’Histoire, avec un grand H, d’un domaine) cela permet de comprendre bien des choses et , même, à l’occasion de pouvoir philosopher.

En fait, en être curieux, j ‘aime bien comprendre les choses.

Un de mes aphorismes : « la curiosité est un bien joli défaut ».

Aujourd’hui, donc, la petite histoire d’une chanson.

Red Red Wine est une chanson écrite, composée et interprétée par le chanteur américain Neil Diamond en 1968, tirée de son album Just for You. Elle a été reprise en 1983 par le groupe reggae britannique UB40 et est devenue un succès mondial.

Le texte de la chanson parle, à la première personne, d'un homme qui tente d'oublier une rupture amoureuse dans la consommation de vin rouge.

UB40 a ajouté des couplets interprétés en toast par Terence Wilson, alias Astro, que l'on peut entendre dans la version longue de la chanson.

Il est à noter que, dans la vidéo de UB40, le héro ne noie pas son chagrin dans du vin rouge, mais dans... De la bière !


Neil Diamond - Red Red Wine - 1968


UB40 - Red Red Wine (Official Vidéo)


Référence :

 - Red Red Wine